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LIBROS Y ARTÍCULOS Errores de novatos al grabar videos
¿Debes haber escuchado una broma sobre un piloto que tuvo un accidente porque en el momento de conducir decidió evitar una colisión tirando del volante hacia sí mismo? El punto de la anécdota radica en el hecho de que una persona no tuvo tiempo de reconstruir su conciencia, habiendo pasado de una situación a otra, y los reflejos habituales e inconfundibles en un caso lo defraudaron en otro. Para evitar errores en la filmación de videos, al levantar una cámara, debe reconstruir su mente. En este momento no eres piloto, ni conductor. Eres camarógrafo. Entonces, comenzaré con la característica. errores de novato, mostrando en contrastes cómo debe pensar y actuar el videógrafo. Síndrome del francotirador "Un disparo, un muerto". Película "Francotirador" Una persona identifica una cámara de video con una mira óptica de un rifle. Lo más importante es ver el objeto a través de la mira (lo más grande posible), luego presionar el gancho (botón REC), y puede colocar la cámara en el estuche o apuntar a otro objetivo. Netushki. Tenemos una tarea final algo diferente: no una cabeza de alce sobre la chimenea, ni una taza "Para puntería" en el estante. La imagen debe ser significativa, el espectador no debe tener dudas sobre lo que ve. Cualquier evento u objeto en el marco debe tener tiempo para ver (y darse cuenta de lo que ve) incluso el espectador más lento. No asocies un tiro con un tiro, ese no es el caso en absoluto. Un marco es una palabra, o una frase pequeña pero de gran capacidad. No lo trague, no lo arrugue. Sin embargo, no hay necesidad de apretarlo. No aconsejo tomar un cuadro de cualquier escena por menos de cinco a diez segundos, el espectador simplemente puede no tener tiempo para entender lo que está viendo ahora. Sea crítico con el movimiento de la cámara, para el espectador, tal movimiento es extremadamente incómodo. Mejor que el plan no sea tan grande, pero sin temblar. Síndrome "abrazar la inmensidad" ¿Probablemente has visto cómo reina la intensidad de la pasión durante un programa de entrevistas? Los gritos del lugar, las expresiones faciales de los protagonistas, la reacción del público. Y todo esto se muestra, todo esto lo ve el espectador, nada se pierde. Vaya, eso me gustaría... Para los que no han ido a esos programas de entrevistas, les digo: el rodaje se realiza con al menos cinco cámaras (una de ellas sobre una grúa y otra sobre raíles), en un recinto rectangular, cerca de la sala cuadrada, muchos sofitos uniformemente iluminados. Cada grito desde el lugar: si es interesante, se vuelve a filmar, lo que obliga a gritar nuevamente, ya en el micrófono dado y con cámaras de video apuntando al ángulo más favorable. Hay un silencio absoluto en la sala, todos aplauden, silban, patean las órdenes. ¿Todavía quieres competir en el arte del reportaje fotográfico con un equipo así? ¿O tal vez no saben trabajar o no saben contar dinero? Bueno, si ves cómo se preparan para filmar cada cuadro en el plató de una película, cómo instalan las luces durante horas y colocan los rieles para la cámara, cómo dos personas se paran en cada cámara (el operador y la persona responsable de enfocar, en jerga - " mago") - entonces la conclusión llegará por sí sola: Debes imaginar inmediatamente tus puntos fuertes y no tratar de abrazar la inmensidad. Resígnate al hecho de que con una cámara de video muy mediocre, desde un punto de vista profesional, nunca podrás darle al espectador una imagen completa del evento en curso, nunca verá todo lo que sucedió y no escuchará todo. eso se dice Busca los más característicos, los más interesantes en cualquier caso, y no subas el listón por encima de tu cabeza. Un intento, digamos, de arreglar al menos una pequeña sección de la ruta "tal cual" en un viaje en kayak, simplemente conducirá al hecho de que se quedará sin toda la película para la noche del primer día. No debes fijar cada minuto del recorrido, sino crear en el espectador la sensación de que lo ha hecho junto a ti. Kayaks en la superficie del agua. Los rostros tensos de una de las tripulaciones. Remos, olas espumosas.. El rostro cansado del comandante, examinando los alrededores. Flotando cerca de la costa, cubierta de pinos. Los pescadores están saludando desde la orilla. El barco rezagado alcanza a la caravana, son casi invisibles debido a la distancia. Escuchamos el comentario de su compañero de que la ruta del día pronto estará completa. Otra playa, pinos, remos y caras tensas. En medio de todo ello, aparece de repente sobre la arena el morro de un kayak, y el espectador ve un bombín sobre una hoguera. Dos minutos de filmación adecuada, y ya tiene el mínimo necesario para una historia. Dedique otros diez minutos a tratar de tomar algunas tomas particularmente expresivas (entrevistas, escenas de la vida cotidiana, hermosos paisajes nocturnos y naturalezas muertas de caminatas), que colorearán significativamente su película, y váyase a dormir, vuelva a remar mañana :). Por supuesto, todo lo que aquí se cuenta es válido para filmar una película-memoria del viaje, y no para un curso en video sobre la ruta. Síndrome del regador de césped Una persona con una cámara, estando en el epicentro de un evento, elige la forma más lógica, según le parece, de sumergir al espectador en la atmósfera de lo que está sucediendo. Al mover constantemente la cámara hacia adelante y hacia atrás a la manera de un rociador de césped, cree que le está dando al espectador la oportunidad de verlo todo. Todo parece estar correcto, porque basta, una vez en el epicentro del evento, mirar de un lado a otro, mientras todo se vuelve claro para nosotros, y sin ninguna molestia para la percepción. La mirada humana, después de haber dado vueltas durante unos segundos, es capaz de transmitir a su dueño toda la información necesaria sobre la escena en la que se encuentra. Pero el "regador de césped" olvida que, al recibir información de sus ojos, ya sabe hacia dónde giró la cabeza, dónde movió las pupilas. El espectador, al mirar la imagen de otra persona en la pantalla, tiene que pasar más tiempo tratando de averiguar exactamente hacia dónde apunta la cámara. No debe dotar a la cámara de video con los métodos de concentración que están disponibles para una persona. Cualquier movimiento de la cámara debe ser claro para el espectador. El movimiento debe corresponder completamente al movimiento del objeto principal de atención, o moverse lo suficientemente suave para que el espectador tenga tiempo de entender exactamente hacia dónde se mueven sus ojos en este momento. Además, cualquier movimiento de la cámara debe estar justificado, es decir, al comenzar a filmar cualquier evento, para cambiar el ángulo o el plano, debe encontrar una razón lógica y justificada que pueda justificarse en un lenguaje común y corriente sin ningún galimatías profesional. síndrome del aficionado al teatro - ¡Vamos al teatro! - Sí, ¿qué eres? ¿Tres horas para ver el plan general? Broma vieja del videógrafo Una de las formas de "abrazar la inmensidad" está, según los principiantes, en la siguiente técnica efectiva: alejarse del evento que se está filmando, encajar todo lo que sucede en un cuadro. Aproximadamente como se representa en las pinturas "El último día de Pompeya" o "La aparición de Cristo al pueblo". Tal marco, en sí mismo, sin duda, tiene derecho a existir, pero el camarógrafo no sospecha (o no piensa en) el hecho de que, digamos, la pintura "La Aparición de Cristo al Pueblo" ocupa el tamaño de la pared de la catedral, y siempre hay una guía cerca, que pinta en detalle a cada persona representada en la imagen, llama la atención sobre los detalles característicos. Por lo tanto, no debemos asumir que al inscribir todos los objetos en el marco, le daremos al espectador una historia interesante. El videógrafo tendrá que desempeñar él mismo el papel de guía. Con tu cámara de video. Si no puede ver algo a través del visor (como una expresión facial), es probable que el espectador tampoco lo vea. Una de las principales habilidades de un videógrafo es imaginar lo que el espectador finalmente verá en la pantalla, abstrayéndose de lo que sucede en la realidad. Síndrome del excavador ambulante Si consideramos cuidadosamente muchas películas filmadas profesionalmente, encontraremos que muy a menudo la cámara en el escenario tiene vida propia. Se mueve lentamente entre los personajes principales, vuela paralelo a la ruta de su movimiento, luego adelanta, luego salta hacia adelante. Por lo general, inconscientemente, un principiante intenta simular tales lapsos, tratando de caminar suavemente con la cámara mientras filma algún evento importante. El efecto es completamente opuesto al cinematográfico. Por razones completamente objetivas, el cuerpo humano no puede igualar la suavidad del movimiento de una cámara de video con dispositivos especiales y muy costosos, como una cámara fija, una grúa de cámara o un carro sobre rieles. Por lo general, un video de este tipo parece haber sido filmado desde la cabina de una excavadora móvil, a toda velocidad aplastando la tierra de la cantera. El espectador, en lugar de abstraerse de la personalidad del operador, mirando una escena interesante desde los ángulos más expresivos, tendrá, por el contrario, que identificarse constantemente con la personalidad de una persona que por alguna razón interfiere con la visualización normal de lo que está sucediendo. Si durante la filmación del video necesitas moverte (que no debe confundirse con la rotación de la cámara o acercar/alejar el zoom), entonces es recomendable hacerlo lo más rápido posible. Al editar una pequeña parte de una imagen que salta salvajemente, cortar es notablemente más fácil que un largo intento de abordar suavemente un nuevo punto con la cámara; además, hay formas de cortar este fragmento sin dolor para la historia. Si es absolutamente necesario (por ejemplo, para entrevistar a una persona que camina), dispare solo en el ángulo más amplio posible (salga tanto como sea posible), entonces las vibraciones no serán tan notables. Tomamos la cámara en la mano Al masticar bien los alimentos, ayudas a la sociedad. Por analogía con las armas, después de estudiar la parte material y antes de comenzar a disparar, descubramos cómo sostener la cámara de video correctamente. Descartemos inmediatamente la opción "tomamos la cámara con la mano derecha y con la izquierda sostenemos un cóctel, un teléfono móvil, una novia, una correa con un perro". Si va a grabar un video de esta manera, entonces, ¿por qué leer este artículo? Sostenemos la cámara con ambas manos, los codos apoyados contra el cuerpo. Para la mano derecha, generalmente no hay alternativa, los fabricantes sugieren que esté convenientemente sujeta a la cámara con una correa, el botón REC está debajo del pulgar, la palanca ZOOM está cerca, quizás el botón de exposición esté cerca. La mano izquierda generalmente debe sostener la derecha o el cuerpo de la cámara de video desde abajo, mientras que si los botones descritos anteriormente (exposición, enfoque) están cerca, usarlos al tacto no debería causar ningún inconveniente. Usar la pantalla puede parecer tentador, sin embargo, te aconsejo que prestes atención a algunos puntos importantes:
La pantalla es indispensable cuando se usa la cámara en ángulos no estándar (levante la cámara sobre su cabeza en medio de la multitud, agáchese y tome la toma inferior, etc.), pero no debe usarla todo el tiempo. Inmediatamente debe tener cuidado de que solo se muestre en el visor de la cámara la información que realmente necesita, pero puede decidir cuál de ellos necesita y cuál no, solo con práctica. Te aconsejo que apagues inmediatamente la señal de sonido al inicio/parada de grabación en el menú de la cámara, si vas a dedicarte seriamente a la grabación de video, esto te servirá para una mayor concentración de atención, y por otro lado, no dará una razón adicional para avergonzarse de quién está filmando. Al mismo tiempo, apague la luz roja debajo de la lente (si la hay). Aprendiendo a enmarcar correctamente ¡Los cuadros deciden todo! La palabra "marco" ya se ha encontrado muchas veces en este artículo, y ahora ha llegado el momento de hablar sobre el concepto de marco. En videografía, esta palabra tiene varios significados, que varían según el contexto de su uso.
Por el momento, estamos hablando del marco precisamente como una imagen visible en la pantalla. El propósito de esta parte del artículo es aprender a tomar tomas correctas y expresivas para que en cualquier momento de la filmación de tu video el espectador vea una imagen que no le cause incomodidad interna por el hecho de que se muestra incorrectamente. Las leyes del encuadre, la correcta construcción del encuadre, se descubrieron mucho antes de la llegada de la fotografía y el cine. Los pioneros de estas leyes fueron los arquitectos y pintores de las primeras civilizaciones conocidas por la humanidad. Las leyes del encuadre adecuado son ajenas a las tendencias de la moda, a todo tipo de nuevos puntos de vista sobre el arte, etc. Las leyes del encuadre adecuado son las leyes de la psicología de la percepción humana, inherentes a nosotros por naturaleza, por lo que no debe buscar una razón para la innovación donde no la hay y no puede haberla. El centro de la pantalla, que no debe tocarse, pero debe tenerse en cuenta Miremos la pantalla. Las videocámaras suelen ofrecer al usuario dos opciones: grabar en una relación de aspecto de 4:3 (adecuada para la transmisión por televisión) o 16:9 (conveniente para ver en paneles de plasma modernos, etc.). ¿Qué llama involuntariamente la atención en cualquier encuadre? No puede intentar sorprender a nadie con una respuesta original, los psicólogos han resuelto este problema durante mucho tiempo. Una psique humana correctamente dispuesta en un marco siempre estará interesada en su centro.
¿Significa esto que todos los objetos interesantes en el marco deben estar centrados? La respuesta será inusual. ¡No, los objetos principales en el marco no se pueden centrar! Ejercerán demasiada presión sobre nuestra percepción, crearán incomodidad. Sin embargo, la dirección del movimiento en el encuadre, la dirección de la mirada (de los sujetos principales) debe ser desde el borde hacia el centro. Sobre el concepto de "siempre", "no permitido" y otras declaraciones dogmáticas en este artículo No hay nada prohibido o imposible en el arte. Por lo tanto, las palabras "siempre", "nunca", "solo" deben ser tratadas críticamente. Por lo general, deben leerse como "para lograr el efecto deseado" ... (en adelante, el muy categórico "es imposible", "siempre", etc.). Por lo tanto, retrocedamos de la narrativa de forma categórica y observemos que romper las reglas también crea un sentimiento en el espectador. Como se señaló anteriormente, la ubicación del objeto en el centro de la pantalla crea incomodidad. Al explotar adecuadamente la violación de las reglas, podemos crear la atmósfera que queremos en la pantalla. ¿Quieres que el espectador se sienta bajo la mirada severa del investigador? Coloque la cara del interrogador justo en el centro de la pantalla para que mire directamente al puente de la nariz del espectador. No abuses de esta técnica, pero tenla en tu arsenal. Entonces, la ubicación del objeto justo en el centro del marco genera incomodidad.
A pesar de la expresión facial más bien neutral, incluso un tanto amistosa, deberías sentir cierta incomodidad. Atavismo inherente a nosotros por naturaleza: una mirada directa es una expresión de amenaza. No entenderemos la naturaleza de este fenómeno, basta con observar una manada de perros, monos o "abuelos" de cuartel para comprender que el fenómeno existe, y debemos tener en cuenta este efecto en nuestro trabajo. Ahora experimentemos con la línea de visión, sin dejar que cruce el centro de la pantalla.
¿Hola Qué pasa? ¿Dónde está mirando la chica? Al mover la dirección de la mirada más allá de la pantalla, creamos tensión y expectativa en el espectador. En el siguiente plano, estamos a la altura de las expectativas del espectador mostrando a la niña encendiendo una lámpara en el suelo. Violando las reglas de la percepción cómoda de la psique humana, los profesionales crean el llamado "acento", es decir, un lugar en la narración en el que es posible cambiar el ritmo y la forma de presentación; generar tensión ante un evento repentino. Si sus videos no sorprenden al espectador, un cambio brusco en los ritmos y estados de ánimo: es mejor no violar las leyes, verá, se violarán ellos mismos, sin su participación :) La regla de la "sección dorada" Otra regla que se deriva directamente de "La Doctrina del Centro de la Pantalla". ¿Y dónde deben ubicarse los objetos, si no en el centro de la pantalla? La respuesta viene de la antigüedad, cuando arquitectos y pintores descubrieron la "Sección Dorada". Mira la imagen:
Cada línea a lo largo de la pantalla la divide en dos partes. Además, una de las partes tiene exactamente el doble de área que la otra. Dos líneas verticales y dos horizontales, cuatro puntos de intersección. ¿Quieres que tus tomas no provoquen rechazo en el espectador a nivel de psicología (sin importar lo que se represente en ellas)? Intenta colocar los objetos principales a lo largo de estas líneas y puntos, sin olvidar las vistas y los movimientos. 1/3 y 2/3 se utilizan como números fáciles de recordar, muy cercanos a la "sección áurea" en la variante de la proporción armónica; una definición más precisa (no relacionada con este artículo) es fácil de encontrar por su cuenta.
La capacidad de encajar los objetos principales en la "sección dorada" es una de las artes que un videógrafo debe dominar. Llamo su atención sobre el hecho de que para entrenar en la construcción de la "Proporción áurea" no es necesario mirar constantemente en el visor de la cámara, puede entrenar en cualquier momento y en cualquier lugar, solo imaginando cómo encuadrarías esas fotos que ves en frente a ti todos los días en la vida cotidiana. Lanzando mentalmente la cuadrícula de proporción áurea en cualquier escena, obtendrá un buen entrenamiento. En el proceso de filmación, a menudo se encontrará con una situación en la que (por diversas razones) el sujeto principal comienza a salirse del cuadro. Aquí violó las proporciones de la sección áurea, ahora en el mismo borde... ¿Qué hacer? Si está filmando un partido de fútbol, entonces la respuesta es obvia, intente driblar el balón y un grupo de jugadores a su alrededor y, además, generalmente la competencia se filma para que el espectador pueda saber exactamente quién, en qué segundo, con qué pie. ... etc. Si sucede algo importante detrás de escena (¿cuánto tiempo se tarda en marcar un gol?), Por supuesto, el valor de sus disparos disminuirá de forma inmediata y drástica. Pero estamos hablando de fotografía artística, ¿no? Entonces piénselo: la escena en la que el héroe corre hasta el borde del cuadro, luego el espectador ve el movimiento convulsivo del camarógrafo para evitar que "escape" ... Mi (y no solo mi) opinión - la escena adecuada para admirar ya ha terminado, y en el momento en que el héroe cruzó el borde no del marco, sino que solo destruyó su composición. ¿Qué hacer? ¿Eso es todo en el momento de la destrucción de la composición? Si no puede ajustar el marco de manera suave y discreta para el espectador, entonces tiene dos opciones:
A la hora de realizar un reportaje, cuando no existe un orden de rodaje rígidamente establecido y no puedes exigir repetir la escena, tienes que pensar constantemente en cómo compensar un cambio inesperado en la composición del encuadre que no habías previsto. Con el rodaje en escena, por supuesto, simplemente será necesario reproducir la escena, pero ¿en ausencia de tal oportunidad? Si no es solo un camarógrafo, sino un camarógrafo, es decir, una persona que hace completamente un producto de video terminado, entonces la búsqueda constante de soluciones en esta área lo acompañará constantemente en su camino creativo. Deje el objeto fuera de la vista, acompáñelo o busque urgentemente el siguiente cuadro: la elección es suya. Publicación: ixbt.com
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