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LIBROS Y ARTÍCULOS Uso de planes en la grabación de videos
Sin una preparación previa (nuestro artículo está más dedicado a aspectos prácticos que teóricos), nos atreveríamos a decir que si durante una parte importante del material de vídeo tenemos que admirar sólo un plano (mira las cuatro imágenes de arriba y elige cualquier uno) - nuestros ojos se aburrirán . En el primer cuadro congelado, queremos mirar más de cerca a los ojos de los personajes y ver el lugar donde se miran tan conmovedoramente a los ojos. En el cuadro congelado 2, vea los dedos del estilista revoloteando sobre el cabello de la niña, en el cuadro congelado 3, vea a la novia completamente vestida de novia... El cuadro congelado 4 es incomprensible, quiero ver el lugar donde está la vela, qué es sucediendo cerca. Incluso un video tan específico como, por ejemplo, un partido de fútbol, el equipo de filmación intenta mostrarlo no en un plano general o de largo alcance (para no perderse los movimientos rápidos e impredecibles de la pelota), sino diversificar constantemente la secuencia del video. con planes más grandes. Los rostros tensos de los jugadores y del entrenador se muestran en situaciones no críticas, así como las emociones en los rostros de los aficionados. Si muestras todo el partido de una sola vez, ¿en qué se diferenciará de estar sentado en las gradas? Ahora hablaremos de qué planos y en qué orden conviene mostrarlos al espectador. Nuestra tarea es hacer que el material sea lo más cómodo posible para su visualización. Entonces, primero, introduzcamos una clasificación de planos por tamaño. No olvidemos que en la gran mayoría de los casos la medida de todo lo que sucede en el encuadre es una persona, por lo que realizaremos toda la clasificación en relación a la persona. Entonces: plan detallado Lo que vemos en el encuadre es el detalle, el detalle. Una mano, un zapato, una vela o el botón de una cerradura. Muchos camarógrafos descuidan este plan, algunos deliberadamente y otros no. Después de todo, para obtener tales tomas, debe acercarse al sujeto a quemarropa o disparar con un aumento suficientemente alto, es decir, combatir los temblores de las manos, contener la respiración, etc. Pero este plan detallado es necesario.
La primera ilustración, y no sencilla a la vez. Pero acostúmbrate, no habrá soluciones fáciles en un rodaje real. Los detalles se muestran tanto a la derecha como a la izquierda. A la izquierda, este detalle son trozos de gafas rotas, y en absoluto las piernas de una persona en el fondo borroso. Fue a través del enfoque que nos aseguramos de que estos fragmentos fueran el objeto principal del encuadre. En el segundo cuadro, el retrato de la copa no tiene más significado que el estético. Podemos ver claramente que se representa una taza, y ese es el detalle. El vídeo, a diferencia de la fotografía, no tiene una resolución excesiva. Si en una buena fotografía de cuerpo entero de una persona de repente quiere mirar la marca del reloj en su muñeca, por favor, sin pérdida de calidad, amplíe la imagen en el monitor varias veces. En el vídeo, lamentablemente, la resolución de la pantalla no lo permite. Incluso con un ligero aumento con el uso de programas de edición, la imagen pierde claridad, se vuelve borrosa y se divide en píxeles individuales. Si cree que necesitará detalles para contar completamente la historia de un evento, fotografíe los detalles. Esos planes. Estos planes son especialmente importantes para una persona de cuyo tipo socionico se puede decir que es una persona sensorial, es decir, acostumbrada a tocar y sentir todo. Comprender la textura del material permitirá a los espectadores sumergirse más plenamente en lo que sucede en la pantalla. De cerca ¿Dónde estaríamos sin primeros planos? Es en ellos donde residen las emociones, la expresión de la mirada. Puedes mirar a los ojos de una persona y ver muchas cosas. Si se elige una persona como criterio, en un primer plano el rostro ocupa toda la pantalla. Es posible ver parte del cuello, pero no el pecho. Este plan es adecuado para personas cuyo tipo socionico puede describirse como ético. Las emociones y los sentimientos son importantes para una persona. Y no tenemos ningún derecho a privarlo de esto.
Para realizar una toma de este tipo, no debe acercar la lente a su cara, es mejor (dentro de límites razonables) usar una ampliación. Al disparar a quemarropa en un ángulo amplio, la cara de una persona se alarga más hacia la cámara y los rasgos faciales se distorsionan. El caso más grotesco: recuerde a la vecina de Shpak, cuando Ivan Vasilyevich la miró por la mirilla de la puerta (ya que estamos "de servicio", no estaría de más recordar ese momento de la película "Hot Shots", cuando una cruz El cadete de las filas con ojos de mirada perdida mira a quemarropa al sargento malvado que lo regaña). Por supuesto, filmar un plan así también es bastante difícil. Una dificultad particular para un camarógrafo aficionado, o incluso para un profesional, pero trabajar en el género del reportaje (cuando es difícil usar un trípode, por razones bastante objetivas) son dos cosas: el temblor natural de las manos, que afecta al disparar con un aumento notable. , y que incluso un ligero movimiento de la cabeza o los hombros del sujeto es suficiente para que se pierda el encuadre. Y le recordamos que mostrar un fotograma de este tipo durante menos de cinco segundos, salvo raras excepciones, no tiene sentido. La clasificación de planos de la que os hablamos no es invención nuestra, sobre ella se construye toda la escuela nacional de cine y televisión. Sin embargo, existe otra clasificación de planes, por ejemplo, Hollywood. Existe un plan como "retrato", "mitad", "leche", "generación". La base es la misma tosquedad, pero los pasos de gradación, como vemos, son ligeramente diferentes. No nos detendremos en ello en detalle, solo señalaremos que estos planes no son tan obvios como parece indicar su nombre. Si decide leer obras occidentales sobre arte fotográfico, tenga esto en cuenta: normalmente se discute la clasificación de los planos. primer plano medio
Así es como, según los psicólogos, solemos ver a nuestro interlocutor cuando hablamos con él a una distancia cómoda para comunicarnos (un paso y medio o dos). Desde aproximadamente “hasta el pecho” hasta aproximadamente “hasta la cintura”. Esto es lo que hay entre estos “aproximadamente” y se suele llamar primer plano medio. Segundo plano medio
Si una persona se ve por debajo de la cintura, pero por encima de las rodillas, esto se llama segundo plano medio. A esta distancia (ahora estamos hablando de la distancia a simple vista, sin aumento, o viceversa, óptica gran angular), las habilidades motoras de una persona, la conexión de sus movimientos, gestos y expresiones faciales básicas son claramente visibles. Desde esa distancia se puede mirar a una persona sin temor a causarle molestias. Determine usted mismo el tipo de personas que, en igualdad de condiciones, preferirán tales planes; solo le recordaremos que "se necesitan diferentes planes, diferentes planes son importantes". Plan general
En el plano general, una persona de cuerpo entero ocupa casi todo el encuadre verticalmente, con variaciones razonables. Esta toma es excelente para mostrar el círculo interno de los personajes principales. Hagamos hincapié especialmente para los operadores novatos: esta toma generalmente no salta al visor. Para capturar tal plan, debes alejarte. Definitivamente te aconsejamos que hagas este esfuerzo, la variedad de planos es fundamental para una buena película. Plan lejano
Sí, no hay límite para los extremos. Este plano pretende mostrar todo lo que vería un espectador externo si estuviera en el lugar del suceso. La figura humana ocupa una parte insignificante de la pantalla, solo se necesita para comprender la escala, no es necesario hablar de expresiones faciales o expresiones faciales. Pero la lógica comprenderá inmediatamente dónde, en qué época del año y día tiene lugar el acontecimiento sobre el que se cuenta la historia. Está claro que para rodar un plano general de la escena de acción (de lo contrario será sólo un paisaje), el pobre camarógrafo tendrá que alejarse bastante. Le aseguramos que su doloroso trabajo no será en vano, estos planes a tiempo y en el lugar son muchas películas profesionales y el espectador lo agradecerá. Planes alternos Sí, efectivamente, ¿por qué escribimos tanto? Si la proporción áurea sigue siendo útil, ¿por qué una historia tan larga sobre planes? El lector experto probablemente ya se haya dado cuenta de que no importa hacia dónde apunte la cámara, obtendrá algún tipo de plan. Como en la conocida historia sobre el hijo de un súbdito turco: en ella, Ostap, haciendo los únicos movimientos posibles, según resultó, repitió la defensa de Felidor, sin que él lo supiera. Como se señaló anteriormente, el espectador se aburrirá de cualquier cuadro de video si no cambia en un tiempo bastante corto (5-10 segundos). No, por supuesto, el evento puede ser tan interesante e importante como quieras, y puede resultar muy difícil separarte de la pantalla, pero el marco te resultará aburrido. Nuestra mirada buscará nuevos detalles de la escena, pero no hay detalles. Vídeo no redundante. Si mostramos una escena de una niña dándole una taza a un nómada (la imagen está justo arriba), incluso si entrecierras los ojos, incluso si apoyas tu cara contra el monitor, no verás los detalles. Y tratar de mirar más allá del borde de la pantalla no ayudará. Ningún plan del vídeo puede ser autosuficiente ni siquiera por poco tiempo. ¿Es decir? Es necesario cambiar los planes. Cambiar fotogramas en un vídeo se llama edición. Sucede intramarco иentre marcos. intratrama - esto es cuando se realiza un cambio de planos y ángulos moviendo la cámara o moviendo objetos durante una escena, sin dejar de disparar. entre marcos - esto es cuando el espectador ve el siguiente fotograma capturado por otra cámara, o por la misma cámara, pero después de cambiar el ángulo o el plano. Ambos tipos de edición son necesarios a su manera y buenos a su manera; entre los maestros reconocidos del arte hay defensores de ambos tipos de edición. Por ejemplo, Spielberg prefiere la edición entre fotogramas, negando el movimiento de la cámara como tal, y Sokurov rodó la aclamada película "Russian Ark" en una sola toma, sin apagar la cámara ni un momento. Tengamos en cuenta que la mayoría de los directores no piensan en qué extremo deberían llegar y utilizan la edición inter y intra-cuadro como herramientas para expresar sus ideas, sin implicaciones ideológicas. Ahora sólo hablamos del orden en el que cambiaremos de planes en nuestra película. Por lo tanto, nuestro objetivo no es presionarlo durante mucho tiempo para que adivine la respuesta correcta; los cineastas alguna vez buscaron la respuesta a esta pregunta durante mucho tiempo. Aquellos que deseen disfrutar plenamente de la metodología de búsqueda y los emocionantes experimentos de Eisenstein y Kuleshov, recurriremos al libro "Montaje" de Sokolov. Te aseguramos que si te gustó el proceso de filmación del video, entonces leer este trabajo no será superfluo. Nosotros, querido lector, simplemente le daremos la respuesta correcta. Entonces: Edición por tamaño No se puede mostrar el mismo objeto en planos diferentes, a menos que estén separados por un paso entre sí. Las excepciones son las conexiones "distante - general" y "detalle - grande". Esquema:
Según este esquema, podemos mostrar al espectador la escena y los personajes de forma tan larga y completa como queramos. El significado general de esta ley es mostrar al espectador un cambio en la imagen para que no se aburra, pero no hacerlo demasiado bruscamente. Dos preguntas que vamos a responder, porque después de leerlo atentamente e intentar descifrarlo, no podrás evitar planteártelas: R: ¿Qué significa "no"? ¡Lo tomaré y lo haré! P: ¡Salud! Es solo que en el lugar donde se infringe esta ley (y otras de las que hablaremos aquí) en la unión de dos cuadros, surgirá un acento, una incomodidad de percepción a corto plazo. Habrá una sensación de una brecha en el tiempo, un salto brusco. Por supuesto, una película (o, por ejemplo, un videoclip) sin acentos es imposible, pero no deben realizarse donde la narrativa sea continua y no implique violar la integridad y armonía de lo que está sucediendo. R: A menudo vemos en las películas cómo se viola esta ley. Por ejemplo, al filmar diálogos, alternativamente vemos a uno u otro personaje en primer plano, y todo se percibe cómodamente. P: Estamos hablando de mostrar el mismo objeto. Puedes mostrar objetos no relacionados sin tener en cuenta esta ley; se trata del mismo objeto. Ninguna de las leyes de las que hablamos funciona por sí sola, sólo el vídeo, que no contradice todas las leyes aquí dadas, no causa molestias al percibirlo. Si mostramos a una persona caminando por un callejón del parque, o a una niña sentada en una mesa, entonces aproximadamente cada 5 a 10 segundos (dependiendo de la dinámica de la escena y el ritmo de la narración) la toma debe cambiar para que el espectador pueda ver. no aburrirse. Según esta ley, podemos mostrar a nuestro héroe en todo su esplendor. Instalación en la dirección del movimiento y la vista. El mismo objeto no puede moverse en dos cuadros adyacentes en una dirección u otra. También parecerá incómodo si el héroe filmado mira en una dirección en un cuadro y en la otra en otro. Creemos que aquí tampoco es necesario insistir en la respuesta a la pregunta "¿por qué?". Porque en la vida es imposible correr instantáneamente alrededor de alguien y mirarlo desde el lado opuesto. Esto no sucede así, lo que significa que nuestra psique no está preparada para tales percepciones. Responderemos a las preguntas que tienen los principiantes cuando intentan implementar esta ley en fotografía: R: ¿Qué debemos hacer si tenemos dos hermosos cuadros donde el objeto se mueve en una dirección u otra? ¿O si el objeto que necesitamos debe mostrarse por ambos lados? ¿Habrá que desechar algún marco? P: Los profesionales en tales casos utilizan los siguientes métodos:
Merece especial atención la descripción de los principios de la dirección de la mirada en el rodaje de diálogos. Al filmar diálogos o cualquier otro tipo de comunicación, todas las tomas consecutivas deben realizarse en un lado de la línea de comunicación. Esperamos no tener que dar explicaciones durante mucho tiempo sobre la línea de comunicación. Simplemente traza mentalmente una línea entre dos personas que se comunican. No es un segmento, ni un rayo, sino una línea. No se debe cruzar al disparar bajo ninguna circunstancia, excepto utilizando los tres métodos descritos anteriormente. Siguiendo esta sencilla regla, inmediatamente obtendremos varias propiedades distintivas de nuestro vídeo, que ayudarán al espectador a percibir cómodamente lo que ve. Si un personaje siempre mira hacia la derecha, el otro siempre mira hacia la izquierda. Y nunca tendrás la impresión de que las personas que hablan entre sí miran en alguna dirección, uno por encima del hombro del otro. Al mismo tiempo, la psique humana identifica los lados derecho e izquierdo con la posición y actitud del héroe, a menos que sea absolutamente necesario, no se debe cruzar, incluso utilizando los métodos descritos anteriormente: el espectador tendrá una sensación de cambio en Punto de vista, vergüenza de uno de los participantes en la conversación. Edición por fase de movimiento El siguiente cuadro de la escena debe continuar el anterior en términos de la fase de movimiento. El ejemplo más clásico que se suele utilizar para demostrar el principio son dos disparos de soldados marchando. En uno vemos como las piernas derechas bajan, en el otro vemos como caen al suelo. Probablemente sea innecesario señalar que en el vídeo los soldados no deberían perder el ritmo en este punto. Y la pierna que bajó en el anterior debería bajar en el segundo cuadro. El cine es una gran fuerza; al ver un vídeo que no está en sintonía con el movimiento, los trabajadores de la construcción hereditarios pueden ponerse histéricos. La misma regla (no romper el ritmo) se debe aplicar a cualquier vídeo en el que cualquier movimiento notable tenga fases claramente visibles. Tengamos en cuenta también: con la ayuda de esta ley, es posible suavizar violaciones no deseadas de otras leyes de instalación. Por ejemplo, una transición a través de la fase de movimiento enmascara bastante bien la violación de la ley de tosquedad. En un cuadro vemos al personaje principal balanceándose en el primer plano medio, y en el momento del movimiento de su mano cambiamos el plano a un plano lejano (necesitamos mostrar hacia dónde volará la piedra que se suelta de su mano). Edición por Luma y Chroma El fotograma posterior de la escena no debería tener diferencias notables en brillo y color. Cualquier cambio de brillo y color debe ocurrir gradualmente. Por un lado, todo está claro: las fluctuaciones de brillo y color en el encuadre no deberían causar irritación (recuerde fijar la exposición, que mencionamos en el capítulo sobre los botones de la cámara), pero por otro lado, como Siempre surgen preguntas: R: El héroe entra a una habitación oscura desde una calle iluminada. No queremos hacer un énfasis excesivo; por el contrario, queremos mostrar la entrada del héroe en la casa simplemente como una de las etapas en el camino, digamos, hacia la televisión. ¿Qué tengo que hacer? ¿Seguramente un salto en el brillo es inevitable? P: Sí, inevitable. Existen varias técnicas para suavizar este salto (tenga en cuenta que todas estas técnicas también son apropiadas al unir cuadros de acuerdo con todas las demás reglas; esperamos que esté leyendo atentamente este artículo y tratando no solo de memorizar, sino también de analizar la información recibida). ).
Como podemos ver, todos los principios de edición tienen como objetivo principal reducir las molestias al pasar de un fotograma a otro. Al analizar marcos específicos y descubrir qué es exactamente lo que no te gusta, puedes descubrir otras reglas. Algunos conceptos más importantes. Buenos modales para un camarógrafo. Ha llegado el momento de terminar este artículo; ya resultó ser mucho más largo de lo previsto inicialmente. Nos aventuraremos a dar algunas cosas más que los principiantes necesitan saber al azar. ¿Por qué de manera no sistemática? En primer lugar, de todos modos son fáciles de recordar. En segundo lugar, la explicación de las razones “por qué esto y no de otra manera” se puede hacer de dos maneras. Se necesita mucho, mucho tiempo para explicar y llevar al lector a la respuesta, o simplemente recordarle que el video debe ser fácil de leer, de esto se derivan reglas simples. Como ya hemos completado el "segundo", entonces, tal vez, pasemos a estas mismas cosas. Entonces: La regla de los cuarenta y cinco La regla en sí es muy simple. Al fotografiar el mismo sujeto o escena, no se deben tomar dos cuadros consecutivos en el mismo ángulo con respecto al sujeto. Es muy recomendable cambiar el punto de disparo para que el ángulo entre ellos se acerque a los 45 grados. Al mismo tiempo, también se deben seguir todas las demás reglas que conocemos. ¿Qué conseguimos con esta regla? Cambiar el tamaño del marco no parecerá un acercamiento o alejamiento instantáneo del objeto, lo que, como ya hemos dicho, produce un efecto indeseable. En la vida real, se parece a lo que mostramos en el siguiente diagrama.
No creas que dibujamos tan mal. Las dos imágenes esquemáticas en la esquina superior derecha de la imagen son una designación estándar de personas al crear guiones gráficos en el cine. Dos haces de líneas que divergen desde la parte inferior de la pantalla: dos cámaras con los ángulos de disparo mostrados. A pesar del evidente primitivismo, se puede determinar inequívocamente que dos hombrecitos están de pie (o caminando, en este caso no importa) en la esquina inferior izquierda de la pantalla. No separamos los dos puntos de tiro de forma arbitraria. Nota:
Evite los movimientos de cámara repetitivos Cuando los operadores intentan realizar una edición dentro del cuadro (y, en el lenguaje cotidiano, decorar de alguna manera un evento a veces bastante común), muy a menudo vemos la siguiente imagen: después de realizar una panorámica o jugar con acercar y alejar, el operador regresa al cuadro. a partir de lo cual la cámara comenzó a moverse, casi en dirección contraria. Se produjo un acercamiento; inmediatamente la cámara emprendió el camino de regreso. Había un giro a la izquierda, ahora habrá un giro a la derecha. ¿Necesito demostrar ahora que al espectador le resulta incómodo verlo? No lo haremos, solo confíe en mi palabra. Esto no funciona en absoluto durante la grabación de un vídeo en escena, pero ¿qué pasa con los reportajes? Necesitamos volver al mismo punto otra vez, el niño (o el perro, o cualquier persona) está corriendo en círculos. Hicimos un acercamiento para mostrar algún detalle importante, es hora de volver al plano general, ahí está pasando algo muy importante, el espectador no puede mantenerse a oscuras por mucho tiempo... Entonces, ¿a qué vamos? ¿hacer?
Agite la mano (sí, existe tal método). Mantenga la toma por más tiempo para que el espectador tenga tiempo de olvidar exactamente cómo era la anterior y luego regrese tranquilamente a la anterior. Darte a ti mismo y al espectador un descanso de los personajes principales. A la más mínima violación de las leyes de instalación, ocurre... Así es, ya has aprendido el material de este artículo. E imagina realizar esta tarea (no dejar que el espectador sienta el más mínimo malestar por infringir cualquier ley) con toda diligencia. Te aseguramos que será muy difícil filmar la escena más trivial. Y llenar un episodio de dos minutos con acciones significativas de acuerdo con todas las reglas es una tarea para un equipo de filmación profesional. ¿Qué trucos existen para esto? Hay dos tipos: profesionales dignos y profesionales indignos. Empecemos por los indignos: Cuadros divididos "destello" o, por el contrario, conducir a la oscuridad. Es aceptable al crear un trabajo en un género como un videoclip (en este género, por alguna razón, casi todo se considera apropiado. ¡Nunca tomes videoclips como ejemplo para aprender!), pero muy a menudo ese "trabajo" también puede Ser observado en televisión, en programas de estilo MTV o Fashion. No te propongas la tarea de sorprender y asombrar al espectador: dadas las condiciones de filmación que surgen en la vida cotidiana, ya tendrás una gran cantidad de inconsistencias. Hay mejores maneras: Utilizar interrupciones. El personal neutral que no esté directamente relacionado con los actores ayudará a cambiar mucho. Por ejemplo, cuando se muestran diálogos intensos y personajes que se mueven por el set, a menudo se quedan sin marco. Los momentos en los que “no hay marco” o no se corresponde con los cánones en su dirección y tamaño pueden ser reemplazados con éxito, por ejemplo, por espectadores que escuchan. Por supuesto, las vistas de la naturaleza colorearán significativamente la película sobre la caminata. Tenga en cuenta que durante el montaje puede insertar material que no haya sido filmado con las manos temblorosas por el cansancio o con la respiración acelerada, sino un poco más tarde, en reposo. Publicación: ixbt.com
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