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Notas de clase, hojas de trucos
Historia de la cultura mundial y nacional. Apuntes de clase: brevemente, los más importantes
Directorio / Notas de clase, hojas de trucos tabla de contenidos
Introducción a la historia cultural. Antes de hablar de la historia de la cultura, es necesario revelar el contenido del concepto principal del tema. Hasta la fecha, existen al menos 1 definiciones del concepto de "cultura". La palabra "cultura", además, tiene varios significados en el idioma ruso. Quizás la más simple y al mismo tiempo completa sea la siguiente definición (definición): "Cultura" es todo lo creado por el hombre, porque los animales no tienen cultura. La cultura es el producto de la actividad exclusivamente humana”. Por el término "cultura" entenderemos no solo todos los valores materiales, sino también espirituales creados por una persona en un período específico de su existencia y en un territorio determinado, así como el espíritu de una época, una nación (lo que generalmente se denota con la palabra mentalidad). Esto nos dará derecho a clasificar la cultura mundial de acuerdo con los siguientes principios: 1. Según características temporales (cultura antigua, medieval, moderna, etc.) 2. Sobre una base territorial (cultura árabe, china, etc.). El propósito de este manual es familiarizar al lector con la historia de la cultura mundial, algunos términos que toda persona culta debe conocer, así como dar una idea de los detalles y patrones de desarrollo de las culturas mundiales, para resaltar los valores. que dominan en una determinada cultura, su sentido y significado. Desafortunadamente, no podremos considerar la cultura mundial en su totalidad dentro del marco de este manual. Quedarán fuera de él páginas tan interesantes como la cultura de los indios americanos, la cultura africana, etc., pero esperamos que este manual encuentre aplicación en el proceso educativo y se convierta en un incentivo para la autoampliación de conocimientos. CONFERENCIA No. 1. Cultura de la antigua Rusia 1. Cultura del período pagano La historia del antiguo estado ruso comenzó mucho antes de la adopción del cristianismo. La cultura cristiana de Rusia se basó en la capa de cultura pagana. La información más antigua sobre la antigua cultura rusa está contenida en El cuento de los años pasados, la primera crónica importante de toda Rusia. Allí está escrito que el príncipe Vladimir el Santo quería crear un panteón de dioses pagano para toda Rusia. El dios principal de los rusos es Perun the Thunderer. Se creía que vivía en lugares elevados, se representaba como un jinete y tenía atributos: truenos y relámpagos, un hacha. El "dios del ganado" Beles también ocupó una posición importante (el ganado en esos días se identificaba con el dinero). El clima estaba controlado por Stribog (dios del viento) y Dazhdbog (dios del sol). De considerable importancia fue la deidad femenina, Mokosh the spinner, la diosa del destino (hilo - destino). El dios más alegre y salvaje es el dios de la fertilidad Yarilo. La epopeya fue tomando forma poco a poco. Sus tramas se conservaron principalmente en epopeyas registradas muchos siglos después ("Mikhailo Potok", "Danube", "Volga y Mikula", sobre los héroes Dobrynya Nikitich e Ilya Muromets). La característica más importante de la cultura es, sin duda, el arte de construir, es decir, la arquitectura. No en vano dicen que la arquitectura es el alma de las personas, plasmada en piedra. Rusia durante muchos años fue un país de madera, y su arquitectura, capillas paganas, fortalezas, torres, cabañas fueron construidas de madera. En el árbol, los rusos, al igual que los pueblos que viven junto a los eslavos orientales, expresaron en primer lugar su percepción de la belleza de la arquitectura, el sentido de las proporciones, la fusión de las estructuras arquitectónicas con la naturaleza circundante. Si la arquitectura de madera se remonta principalmente a la Rusia pagana, la arquitectura de piedra se asocia con la Rusia cristiana. Europa occidental no conoció tal transición, ya que desde la antigüedad construyó tanto templos como viviendas de piedra. Desafortunadamente, los antiguos edificios de madera no han sobrevivido hasta nuestros días, pero el estilo arquitectónico de la gente nos ha llegado en estructuras de madera posteriores, en descripciones y dibujos antiguos. La arquitectura de madera rusa se caracterizó por edificios de varios niveles, coronándolos con torres y torres, la presencia de varios tipos de dependencias: jaulas, pasajes, marquesinas. La intrincada talla de madera era una decoración tradicional de los edificios de madera rusos. La Rusia pagana conocía la pintura, la escultura, la música, pero en una expresión exclusivamente pagana, popular. Antiguos talladores de madera, cortadores de piedra crearon esculturas de madera y piedra de dioses y espíritus paganos. Los pintores pintaron las paredes de los templos paganos, hicieron bocetos de máscaras mágicas, que luego fueron hechas por artesanos; músicos que tocaban instrumentos de cuerda y de viento de madera entretenían a los líderes tribales y entretenían a la gente común. 2. Vida de Rusia La cultura de las personas está indisolublemente ligada a su forma de vida, a la vida cotidiana, así como la forma de vida de las personas, determinada por el nivel de desarrollo de la economía del país, está estrechamente relacionada con los procesos culturales. Todos los testimonios de los contemporáneos indican que Kyiv era una ciudad grande y rica. No es de extrañar que la hija de Yaroslav el Sabio, Anna Yaroslavna, que se casó con el rey francés en el siglo XI, se sorprendiera por la provincialidad de la capital francesa. En Kyiv, las iglesias con cúpulas doradas brillaron con sus cúpulas, los palacios de Vladimir, Yaroslav el Sabio, Vsevolod Yaroslavich golpearon con gracia; Catedral de Sofía, la Puerta Dorada: un símbolo de las victorias de las armas rusas, sorprendida con monumentalidad, maravillosos frescos. Las casas estaban decoradas con alfombras y telas caras. Desde los muros de la fortaleza de la ciudad se podían ver, entre los arbustos verdes, las iglesias de piedra blanca de las Cuevas y otros monasterios de Kyiv. En palacios, ricas mansiones boyardas, la vida continuaba. Los vigilantes estaban estacionados aquí, innumerables sirvientes abarrotados. De aquí venía la administración de los principados, aquí juzgaban y vestían, aquí traían tributos e impuestos. Las fiestas a menudo se celebraban en los pasillos, en espaciosos jardines, donde el vino de ultramar y su miel nativa fluían como un río, los sirvientes llevaban enormes platos con carne y caza. Las mujeres se sentaban a la mesa en pie de igualdad con los hombres. Los arpistas deleitaron los oídos de invitados eminentes, les cantaron; cuencos grandes, cuernos con vino iban en círculo. Los pasatiempos favoritos de los ricos eran la cetrería y la caza de halcones. Se organizaron carreras, torneos, varios juegos para la gente común. Los baños eran una parte integral de la antigua vida rusa. Abajo, a orillas del Dniéper, bullía un alegre mercado de Kyiv, donde se vendían bienes y productos no solo de toda Rusia, sino de todo el mundo de entonces, incluidas India y Bagdad. Cientos de barcos grandes y pequeños se agolparon en los muelles del Dniéper. También había enormes barcos principescos de múltiples remos y múltiples velas, y barcos ágiles y animados. En las largas tardes de invierno, a la luz de las antorchas, las mujeres hilaban, los hombres bebían bebidas embriagantes, miel, recordaban los días pasados, componían y cantaban canciones, escuchaban a los cuentacuentos y narradoras de epopeyas. CONFERENCIA No. 2. Cultura cristiana de Rusia 1. Logros de la cultura cristiana de Rusia. En el momento de la adopción del cristianismo, Rusia ya era un país con una cultura distintiva. La artesanía y las técnicas de construcción en madera alcanzaron un alto nivel. A más tardar a finales del siglo IX - principios del siglo X. Los alfabetos eslavos, cirílico y glagolítico, se están extendiendo en Rusia. Creados en la segunda mitad del siglo IX por los hermanos Cyril (Konstantin) y Methodius y teniendo una distribución inicial en el estado eslavo occidental de Gran Moravia, pronto penetraron en Bulgaria y Rusia. El primer monumento ruso de la escritura eslava es el tratado ruso-bizantino de 911. La aparición en Rusia después de la adopción del cristianismo de la literatura en lengua eslava, por un lado, y la complicación de la vida pública con el desarrollo de las relaciones feudales, la formación de una estructura estatal, por el otro, contribuyeron a la difusión generalizada. de alfabetización Una clara evidencia de esto son las letras de corteza de abedul: letras en corteza de abedul de varios contenidos (principalmente comerciales). Fueron descubiertos durante excavaciones ya en nueve antiguas ciudades rusas (la mayor parte de los hallazgos provienen de Novgorod). En el siglo XI - principios del siglo XII. en Rusia se distribuye una gran cantidad de obras traducidas (principalmente del griego) de contenido tanto religioso como secular. Estos últimos incluyen, en particular, escritos históricos, entre los que se puede destacar la traducción de la Crónica bizantina de George Amartol. Al mismo tiempo, tiene lugar la formación de la literatura original. La primera de las obras de la literatura rusa antigua que nos ha llegado es el "Sermón sobre la ley y la gracia" de Illarion. Fue escrito a mediados del siglo XI. Metropolitano Hilarión, el primero (y el único en el período desde la adopción del cristianismo hasta mediados del siglo XII), ruso de origen, el jefe de la Iglesia rusa. (Desde 1051, siendo nombrado por Yaroslav el Sabio sin la sanción del Patriarca de Constantinopla, y, poco después de la muerte de Yaroslav, obligado a dejar este cargo). La idea principal del "Sermón sobre la ley y la gracia" es la entrada de Rusia después de la adopción del cristianismo en la familia de los pueblos cristianos, en la que el autor ve el mérito del príncipe Vladimir y su hijo Yaroslav, quienes continuaron el trabajo. de difundir la nueva fe. Al mismo tiempo, el pasado precristiano de Rusia a los ojos de Illarion no parece una "edad oscura", por el contrario, enfatiza que Vladimir, su padre Svyatoslav y su abuelo Igor "no dominaron en una tierra delgada y desconocida , sino en ruso, que se conoce y se escucha en los cuatro rincones de la tierra". En la segunda mitad del XI - principios del siglo XII. una serie de obras originales surgieron en Rusia, entre las que se destaca un ciclo de leyendas sobre los primeros santos rusos: los príncipes Boris y Gleb y la "Vida" del abad del monasterio de Kiev-Pechersk Teodosio, escrita por el monje de este monasterio Néstor. 2. Crónica de género El lugar más importante en la literatura rusa antigua lo ocupa el género de la crónica. Algunos investigadores creen que su aparición se puede atribuir a finales del siglo X, cuando se creó el primer código analístico. El cuento de los años pasados despliega un amplio lienzo de la historia rusa, que se considera parte de la historia mundial (historia bíblica y romano-bizantina). El autor utilizó una serie de fuentes bizantinas traducidas, leyendas orales (sobre la fundación de Kyiv, sobre el llamado de los príncipes varegos, sobre la princesa Olga y varias otras: obras pertenecientes a la mano del príncipe Vladimir Monomakh - "Enseñar a los niños" y una lista de "caminos" - campañas y viajes que Monomakh realizó durante su vida). 3. Construcción de iglesias De Bizancio, Rusia adoptó la construcción de sus iglesias a la imagen del templo con cúpula cruzada de los griegos: un cuadrado dividido por cuatro pilares forma su base; las celdas rectangulares adyacentes al espacio de la cúpula forman una cruz arquitectónica. Las primeras iglesias rusas, incluida la Iglesia de los Diezmos, a finales del siglo X. Fueron construidos por maestros griegos en estricta conformidad con las tradiciones bizantinas, pero la Catedral de Santa Sofía en Kyiv reflejó una combinación de tradiciones eslavas y bizantinas: se colocaron trece cúpulas alegres del nuevo templo sobre la base de la iglesia con cúpula cruzada. Esta pirámide escalonada de la Catedral de Santa Sofía resucitó el estilo de la arquitectura de madera rusa. La Catedral de Sofía, creada en el momento de la afirmación y ascenso de Rusia bajo Yaroslav el Sabio, mostró que la construcción también es política. Con este templo, Rusia desafió a Bizancio, su santuario reconocido: la Catedral de Santa Sofía de Constantinopla. 4. Arte de la iglesia La Iglesia cristiana introdujo un contenido completamente diferente en la pintura, la escultura y la música. El arte de la iglesia está subordinado al objetivo más alto: cantar al Dios cristiano, las hazañas de los apóstoles, santos, líderes de la iglesia. Fue creado principalmente de acuerdo con los cánones de la iglesia, donde se cortó todo lo que contradecía los más altos principios cristianos. El ascetismo y el rigor en la pintura (pintura de iconos, mosaicos, frescos), la sublimidad, la "divinidad" de las oraciones e himnos de la iglesia griega, el templo en sí, que se convierte en un lugar de comunicación orante de las personas, todo esto era característico del arte bizantino. Si este o aquel tema religioso, teológico, se estableció estrictamente en el cristianismo de una vez por todas, entonces su expresión en el arte, en opinión de los bizantinos, debería haber llevado esta idea solo una vez por todas de manera establecida; el artista se convirtió en un obediente ejecutor de los cánones dictados por la iglesia. CONFERENCIA No. 3. La cultura rusa de la era de la fragmentación. 1. Rasgos generales de la cultura de la era de la fragmentación 1. La era de la fragmentación abarca los siglos XII-XV. La historia rusa y el comienzo del siglo XVI. Para la cultura espiritual rusa de mediados de los siglos XII-XIII. Es característico el surgimiento de centros culturales originales en diferentes regiones de Rusia. El papel principal en este proceso lo desempeñaron principados grandes y fuertes, como: 1) Galicia-Volyn; 2) Vladímir-Suzdal; 3) Veliky Nóvgorod. A mediados del siglo XIV. Ganando fuerza en la lucha por el poder, un nuevo principado en la arena política: Moscú. Los anales están ampliamente desarrollados. Cualquier monumento serio en el campo de la cultura material y espiritual del siglo XIII. después de la invasión mongol-tártara no se conservó. De la segunda mitad del siglo XIII. En comparación con el período anterior, ha bajado un número insignificante de anales, y se distinguen por una presentación más concisa y seca que los anales de períodos anteriores. La literatura se está desarrollando activamente. Antes de la batalla de Kulikovo, la historia "Sobre la batalla de Kalka", "La historia de la devastación de Ryazan por Batu", las historias sobre Alexander Nevsky fueron ampliamente utilizadas. La literatura eclesiástica ("hagiográfica") también se generalizó. La "Vida" de Dmitry Donskoy revela el profundo patriotismo y la unidad del pueblo ruso. Los talentosos escritores eclesiásticos Pakhomiy Logofet, Epifanio el Sabio compilaron biografías de las figuras eclesiásticas más grandes de Rusia: el metropolitano Pedro, quien transfirió el centro de la metrópoli a Moscú, Sergio de Radonezh, el fundador del Monasterio Trinidad-Sergius. De principios del siglo XIV. ha habido un nuevo auge de la cultura en las tierras rusas, que continuó durante los siglos XIV-XV. Las grandes ciudades de Rusia fueron ampliadas y restauradas. En 1408, se compiló el código de la crónica de toda Rusia. En 1442, apareció el primer cronógrafo ruso, compilado por Pacomius Logofet, una historia mundial que incluía la historia de Rusia. La construcción de piedra y la pintura de iglesias continúan desarrollándose. En arquitectura, hay una combinación de tradiciones locales, formas tomadas de Bizancio y elementos del estilo románico de Europa occidental. 2. Cultura de Vladimir-Suzdal Rus El primer príncipe independiente de Vladimir-Suzdal fue el hijo de Vladimir Monomakh, Yuri Dolgoruky. En el noreste de Rusia, se creó una obra notable de la literatura rusa antigua: "La palabra de Daniel el Sacapuntas". Durante muchos siglos en Rusia, el arte del tallado en madera y, más tarde, el tallado en piedra, se desarrolló y mejoró. La talla de piedra blanca de Vladimir-Suzdal Rusia durante el reinado de Andrei Bogolyubsky y Vsevolod the Big Nest, claramente expresada en las decoraciones de palacios y catedrales, se convirtió en una característica notable del arte ruso antiguo. Simultáneamente con la iglesia de la corte, Yuri Dolgoruky fundó la Catedral de la Transfiguración (1152-1157) en la ciudad de Pereslavl-Zalessky fundada por él. El sucesor de Yuri, el príncipe Andrei, decidió hacer de la joven ciudad de Vladimir la capital del principado que había heredado. Bajo Vladimir, Andrei fundó una ciudad castillo llamada Bogolyubov, y él mismo recibió el apodo de Bogolyubsky. Andrei no quería ser dueño de Kyiv: soñaba con convertir a Vladimir en un nuevo Kyiv, que no sería inferior al famoso modelo. En Vladimir, en el patio principesco, estaba la Iglesia del Salvador; entraron a la ciudad por la Puerta Dorada (1164). La nueva Catedral de la Asunción de Vladimir (1158-1160), fundada por Andrei, superó en altura a todas las catedrales de Hagia Sophia en Rusia. Las paredes y los pilares eran más delgados que en los edificios de Yuri Dolgoruky; en lugar de protuberancias, hojas que se extienden a lo largo de la pared, se construyeron semicolumnas planas de 4 lados. Por primera vez, los habitantes de Vladimir vieron relieves de piedra tallada. En uno de ellos, los grifos (criaturas fantásticas con cuerpo de león, cabeza y alas de águila) elevaron a Alejandro Magno al cielo. En Bogolyubovoye hay un edificio que se ha convertido en un símbolo de la arquitectura rusa antigua: la famosa Iglesia de la Intercesión en Nerl (1165). El príncipe ordenó ponerlo donde r. El Nerl desemboca en el Klyazma, en memoria de su hijo, el joven Izyaslav, que murió en la batalla con los búlgaros del Volga. 3. Cultura de Veliky Novgorod Durante varios siglos, Novgorod el Grande fue la "segunda capital" de Rusia después de Kyiv. Esta ciudad era famosa por su población y riqueza. Los príncipes de Kyiv "colocaron" a sus hijos mayores en el trono de Novgorod. Los documentos de corteza de abedul de Novgorod que han sobrevivido hasta el día de hoy dan testimonio de la presencia de un alto nivel de alfabetización entre la población urbana. En Novgorod, se presenta una versión original de una iglesia ortodoxa, y aunque está menos relacionada con la encarnación de la conciencia arquitectónica bizantina que en Kyiv, en expresividad y brevedad es similar a la naturaleza del norte. En la segunda mitad del siglo XIII. en Novgorod, la construcción de piedra se paralizó. La ciudad escapó de la invasión mongola-tártara, pero se vio obligada a repeler la embestida de los alemanes y suecos, y luego asumir una parte justa de los pagos del tributo de la Horda. Tver y Novgorod fueron los primeros en reanudar la tradición de la construcción en piedra. Ya en 1292, los habitantes de Novgorod comenzaron a construir la Iglesia de San Nicolás en Lipna, y en el siglo XIV, se crearon varios templos en la tierra de Novgorod, que ahora se consideran creaciones notables de la arquitectura rusa antigua. Entre ellos se encuentran las iglesias de Fyodor Stratilat en el arroyo (1360) y la Iglesia del Salvador en la calle Ilyina (1374). 4. Crear un estilo especial de construcción de templos En la segunda mitad del siglo XIII - a mediados del siglo XIV. Los maestros de Novgorod crearon un estilo especial de construcción de templos. El tamaño pequeño de las iglesias fue dictado no solo por el hecho de que los fondos de la tesorería de la ciudad ya no se usaban para edificios de iglesias. Los feligreses recolectaron dinero para la construcción, teniendo en cuenta sus propios intereses y oportunidades. Los clientes de entre la gente rica del pueblo buscaban que su iglesia se distinguiera por la elegancia de las formas y la decoración original. Las fachadas de los edificios del templo comenzaron a cubrirse con pequeños nichos con figuras, huecos en forma de rosetas y cruces de ladrillo tallado. Los tambores de las cúpulas estaban rodeados por hileras de coquetos arcos y triángulos. La cubierta de tres lóbulos, enfatizada por un arco decorativo, eventualmente se convirtió en una técnica favorita de los arquitectos de Novgorod y se convirtió en los siglos XIV-XV. un verdadero símbolo arquitectónico del estilo de construcción de templos de Novgorod. Los arquitectos de Nóvgorod de la era posterior a los mongoles cambiaron a otros materiales de construcción: los edificios de las iglesias se diseñaron principalmente con losas de piedra caliza y cantos rodados toscamente tallados. En Novgorod el Grande, además de la arquitectura de la iglesia, se desarrolló la arquitectura secular. Se erigió la Cámara de Piedra de las Facetas, en la que los nobles boyardos se reunían para pedir consejo. La escuela de pintura de Novgorod se desarrolló más tarde que las escuelas de otros principados. Sus rasgos característicos eran la claridad de la idea, la realidad de la imagen y la accesibilidad. Del siglo XII. Nos han llegado creaciones notables de los pintores de Novgorod: el ícono "Ángel con cabello dorado", donde, a pesar de la convencionalidad bizantina de la apariencia de un ángel, uno siente un alma humana temblorosa y hermosa. O el icono "El Salvador no hecho por manos" (también del siglo XII), en el que Cristo, con su expresiva rotura de entrecejo, aparece como un formidable y comprensivo juez del género humano. En el icono "Asunción de la Virgen" en los rostros de los apóstoles se plasma todo el dolor de la pérdida. Y la tierra de Novgorod dio muchas de esas obras maestras. Baste recordar, por ejemplo, los famosos frescos de la Iglesia del Salvador en Nereditsa cerca de Novgorod (finales del siglo XII). 5. Principado de Moscú En Moscú, que lideró el proceso de recolección de tierras rusas, se llevó a cabo la construcción más activa. En el centro del Kremlin, en la Plaza de la Catedral, apareció el Campanario de Iván el Grande (terminado por Boris Godunov). La información sobre la primera iglesia de piedra en Moscú es contradictoria. La crónica llama a la Catedral de la Asunción, construida en 1327 bajo el príncipe Ivan Danilovich, apodado Kalita. Pero un siglo y medio después de la construcción, el edificio de la catedral estaba muy deteriorado y era de principios de los años 70. siglo XV fue desmantelado durante la construcción de una nueva Catedral de la Asunción. La construcción se llevó a cabo sin demora y dos años después los muros del templo estaban casi listos. Pero en la noche del 20 de mayo de 1474, el muro norte del edificio llevado a las bóvedas se derrumbó repentinamente. Hubo varias versiones sobre la causa del desastre. Ha sobrevivido la noticia de que la catedral se derrumbó debido a un terremoto. Tras la caída del muro, el Gran Duque Iván III se encargó de la continuación de la construcción. Por consejo de Sophia, su segunda esposa, que vivió durante muchos años en Roma, se decidió por Aristóteles Fioravanti de Boshi. Cuatro años más tarde (1479), se completó el edificio. Una majestuosa catedral blanca como la nieve se alzaba en la plaza central del Kremlin de Moscú, que recuerda a los templos de Vladimir-Suzdal Rusia del siglo XII. Fioravanti logró combinar orgánicamente las tradiciones y los principios de la arquitectura rusa con los logros técnicos avanzados de la arquitectura europea. La Catedral de la Asunción de cinco cúpulas fue el edificio público más grande de esa época. En 1484-1489. Los artesanos de Pskov erigieron la Catedral de la Anunciación, la iglesia de la casa de los soberanos de Moscú. No muy lejos de allí se construyó la tumba de los Grandes Duques de Moscú, la Catedral del Arcángel. A finales del siglo XV. Se construyó la Cámara Facetada, que recibió su nombre de las "facetas" que adornaban las paredes exteriores. La Cámara Facetada formaba parte del palacio real, su salón del trono. El Kremlin de Moscú se ha convertido en una especie de símbolo del poder y la fuerza del Estado que se ha desarrollado alrededor de Moscú. En algunas catedrales se hicieron pisos de colores (mayólicas), puertas de cobre con diversas imágenes y decoraciones, cruces doradas talladas y se pintó paredes internas y externas. 6. Pintura de los siglos XIV-XV Pintura de los siglos XIV-XV. se elevó a un nuevo nivel más alto de su desarrollo. En Novgorod, al pintar la Iglesia de Volotovo, y más tarde, en Moscú a fines del siglo XIV, principios del siglo XV. trabajó el artista Teófanes el griego. Trabajó junto con Simeon Cherny en el diseño de la Iglesia de la Natividad de la Virgen de Moscú y también participó en el diseño de la Catedral del Arcángel en Moscú. El artista ruso más grande de finales del siglo XIV - principios del siglo XV. fue Andréi Rublev. Junto con Theophan the Greek y el pintor Prokhor de Gorodets, pintó la Catedral de la Trinidad en el Monasterio Trinity-Sergius. La famosa obra "Trinidad" pertenece a su pluma. Para el trabajo de Rublev, una desviación de los cánones de pintura de la iglesia es típica, sus obras sorprenden con su emotividad, profundidad y veracidad de la imagen de las personas. Gran desarrollo en los siglos XIV-XV. llegó al arte aplicado ruso. Se han conservado ejemplos destacados de joyería, tallado en madera y piedra, escultura en madera y bordados en seda. El surgimiento de la cultura rusa reflejó el desarrollo del gran pueblo ruso. CONFERENCIA No. 4. La cultura rusa en el siglo XVI. 1. Características generales de la época El proceso de plegar un solo estado centralizado se reflejó en el desarrollo de la cultura rusa. Se perdieron muchas características del desarrollo de las tradiciones culturales locales. Escuelas enteras de pintura de iconos desaparecieron, como sucedió, por ejemplo, con la pintura de iconos de Tver. Arte del siglo XVI íntimamente relacionado con los intereses del Estado. En el reinado de Iván IV, el estado comenzó a controlar directamente el arte. Tales medidas, por supuesto, dañaron el arte, fomentando la artesanía y la repetición irreflexiva de "modelos". Segunda mitad del siglo XVI resultó ser desfavorable para el desarrollo de la cultura rusa. Debido a las crisis de la política interior y exterior, así como a los desastres de finales del siglo XVI. muchos procesos culturales se profundizan y se declaran de nuevo sólo en el próximo siglo. 2. Ciencia y alfabetización Durante este período, la alfabetización se desarrolla en Rusia. En muchas ramas de actividad se requería el conocimiento de la escritura y el conteo. Las cartas de corteza de abedul de Novgorod y otros centros, varios registros escritos (crónicas, historias, etc.), las inscripciones en las artesanías indican que las personas alfabetizadas nunca fueron traducidas a Rusia. Las personas ricas mantuvieron registros escritos de sus hogares; del siglo XVI se han conservado varios tipos de libros de contabilidad. Hay guías para: 1) gramática; 2) aritmética; 3) tratamiento con hierbas (alfabetos, herbolarios, etc.). Acumulado: 1) observaciones prácticas; 2) conocimiento de equipos de construcción (fueron necesarios en la construcción de edificios); 3) conocimiento de la dinámica (cálculos del rango de vuelo de piedras, núcleos). El círculo de conocimientos geográficos fue ampliado por los viajeros rusos. Dejaron descripciones de sus viajes. Tales son los comerciantes V. Poznyakov, T. Korobeinikov (lugares sagrados, segunda mitad del siglo XVI). Los rusos, penetrando al norte, a Siberia, hicieron descripciones, "dibujos" de nuevas tierras; embajadores - listas de artículos con información sobre estados extranjeros. Los "Cronógrafos" de los siglos XV y XVI dieron una descripción general de la historia mundial, que glorificaron las actividades de los príncipes, los jerarcas de la iglesia, los santos canonizados, así como la "Vida" (Dmitry Donskoy, Sergio de Radonezh, Stefan de Perm, etc.) .). Circulaban obras literarias traducidas; de ellos, así como de varias colecciones, los rusos educados extrajeron pensamientos, dichos de Demócrito, Aristóteles y otros filósofos y escritores. 3. Vida y pensamiento social En los escritos de los librepensadores-herejes religiosos del siglo XVI. se predican juicios audaces sobre la necesidad de una iglesia "barata", la falta de sentido de los sacramentos e íconos de la iglesia. Se disputan las tesis sobre la trinidad de Dios, la inmaculada concepción. Se proclama la igualdad de las personas, de los pueblos, de las religiones. Estas ideas humanistas reformadoras fueron estranguladas a principios y mediados del siglo XVI. Una característica notable del siglo XVI. - El auge del periodismo. Los temas más importantes de la sociedad se convierten en tema de amplia discusión no solo por parte de la iglesia, sino también de autores seculares que desarrollan ideas: 1) centralización; 2) fortalecer el gran poder ducal y real; 3) el papel de la iglesia; 4) sobre la situación del campesinado, etc. A mediados y el tercer cuarto de siglo, toda una galaxia de publicistas apareció con sus obras. I. S. Peresvetov en el otoño de 3 presentó propuestas de reformas al joven zar Iván IV el Terrible. Ermolai-Erasmus, opositor de los no poseedores y herejes, propone aliviar la situación de los campesinos. Expresó esta idea de manera especialmente vívida en su tratado "El gobernante y la inspección del rey benévolo". Silvestre, el confesor del rey, nace de la convicción de la necesidad de la "adquisición justa" (es decir, la ganancia). Estas ideas también se desarrollan en las páginas de "Domostroy" (en términos modernos, economía doméstica), un conjunto de reglas morales cotidianas, enseñanzas, que él editó. Los publicistas más destacados de la era oprichnina fueron el zar Iván el Terrible y su oponente, el príncipe Andrei Kurbsky. El príncipe, que huyó de Rusia a Lituania ante las represiones desatadas por el desconfiado y cruel zar, expone su conducta y métodos terroristas de gobierno. El zar, reprochando a Kurbsky la traición, parte del principio: el zar es libre de perdonar, dicen, a sus súbditos-siervos, y de ejecutarlo también. Su oponente, que no acepta al "feroz" real, cree que el monarca debe gobernar junto con "consejeros sabios", escucharlos y no ser un tirano autocrático ilimitado. Tratan al estado como una creación divina. Es cierto que sacan las conclusiones opuestas de esto. Ivan, sobre el derecho a la autocracia, Kurbsky, sobre el deber del soberano de cuidar a sus súbditos. En "La historia de los príncipes de Vladimir" se fundamentaron las ideas más importantes de la doctrina oficial de la autocracia, y la familia de los soberanos de Moscú se erigió en "Augusto César". La cuestión de la naturaleza del poder se discutió en la controversia entre los josefinos y los no poseedores. Nil Sorsky (el líder de los no poseedores) no participó en la controversia, pero su alumno, el ex príncipe caído en desgracia Vassian Patrikeyev, le prestó mucha atención. El segundo tipo de academia en Moscú fue el círculo del metropolitano Macario. De su medio, en particular, surgió una colección tan monumental de literatura rusa antigua como el "Gran Honorable Menaion". La ideología de la Iglesia Ortodoxa se desarrolló en trabajos periodísticos como los mensajes del Anciano del Monasterio de Pskov-Pechora Philotheus (en los años 20), "El cuento del Klobuk blanco de Novgorod", cuya creación fechan varios investigadores. volver al siglo XV. Estas obras predican las ideas de la pecaminosidad de toda la fe católica y el papel de Rusia como el único centro del verdadero cristianismo después de la caída de Constantinopla en 1453. 4. La aparición de la imprenta en Rusia. El surgimiento de la imprenta de libros en Rusia fue de gran importancia. La impresión de libros comenzó solo a mediados del siglo XVI, bajo Iván el Terrible. Al principio fue el llamado. "impresión sin salida" (desde la década de 1550), luego - con datos de impresión (es decir, indicando el lugar, año de publicación, etc.). A principios de los años 50. siglo 1563 La primera imprenta comienza su actividad en Moscú. En XNUMX, Ivan Fedorov comenzó a trabajar en Moscú. No solo fue editor, sino también editor de libros. Sus primeras ediciones en Moscú fueron libros de Sagrada Escritura. En circunstancias poco claras, Ivan Fedorov se vio obligado a mudarse a Lvov. En el siglo XVI. la vida básicamente retuvo sus características anteriores. Pero también había algo nuevo. Se empezaron a utilizar especias en las casas ricas (canela, clavo, etc.), limones, pasas, almendras; salchicha que se come con gachas de trigo sarraceno. Se extendió la moda de las gorras (tafias), esto fue condenado por la Catedral de Stoglavy. Se construyeron más casas de piedra, aunque la mayoría de ellas permanecieron de madera. A los rusos les gustaba jugar a las damas y al ajedrez. El interés por la narrativa, la literatura de ficción, característica de la segunda mitad del siglo XV, ha disminuido significativamente. 5. Pintura En el siglo XVI. Los temas de la pintura rusa antigua comenzaron a expandirse significativamente. Mucho más a menudo que antes, los artistas recurren a las tramas e imágenes del Antiguo Testamento, a las narrativas instructivas de las parábolas y, lo más importante, al género legendario-histórico. Nunca antes un tema histórico había ocupado tanto espacio en las obras de los pintores de iconos. En este sentido, cada vez más penetran en la creatividad artística: 1) género; 2) interés por la vida cotidiana; 3) cada vez más a menudo aparecen realidades rusas en las composiciones. La llamada arquitectura condicionalmente "helenística" está siendo reemplazada gradualmente por íconos rusos. Al mismo tiempo, en la pintura del siglo XVI. hay una inclinación perceptible hacia el "filosofar" abstracto. La iglesia y el estado controlaban estrictamente la iconografía, por lo que en ese momento se generalizaron los originales iconográficos (colecciones de muestras), que establecieron la iconografía de las composiciones principales de la trama, así como los personajes individuales. Pintura de Moscú de finales del siglo XV. marcado por logros considerables. Esto se debe al trabajo de destacados maestros: Dionisio y su escuela. Él y sus ayudantes decoraron con frescos las catedrales de los monasterios de José-Volokolamsk, Pafnutievo-Borovsky, Ferapontov y otros, y gracias a sus esfuerzos se creó el iconostasio de la Catedral de la Asunción en el Kremlin de Moscú. En la imagen de la Virgen María, considerada la patrona de Moscú, otros personajes de la historia bíblica quedan impresionados por los colores brillantes y la decoración, que más tarde se convirtieron en características distintivas de la pintura de iconos rusa de los siglos XVI-XVII. Las creaciones de Dionisio, un hábil maestro, según el cronista, y de otros artistas están impregnadas de una atmósfera de júbilo victorioso, solemnidad y confianza. Reflejaron vívidamente los principales hitos de su época: 1) obtener la independencia de la Horda; 2) unificación de tierras rusas; 3) la creación de un solo estado encabezado por Moscú. A la vuelta de los siglos XV-XVI, por un lado, se determina el predominio de la escuela de pintura de Moscú en Rusia; por otro lado, su asimilación de las tradiciones de las escuelas locales, que se nivelaron gradualmente bajo la influencia del centro cultural de toda Rusia, en el que Moscú se ha convertido con sus maestros, ideas y aspiraciones. La brillantez y la cuidadosa atención al detalle, la elegancia y la sutileza del dibujo son características de los íconos de la llamada escuela Stroganov. Sus representantes (Prokopiy Chirin, Nikifor Savin y otros) trabajaron en Moscú, pero a menudo cumplieron órdenes de los Stroganov, el rico Sol-Vychegda. Sus obras, luminosas, coloridas, en miniatura, se asemejan a la joyería. Tuvieron una gran influencia en el desarrollo del arte ruso; por ejemplo, sus tradiciones aún son conservadas por maestros palekh. Ese poco de todo lo que la pintura de finales del siglo XV-XVI aportó al arte ruso se puede definir como: 1) habilidad en el dibujo; 2) el brillo de la gama de colores; 3) un sentimiento gozoso de ser; 4) el surgimiento del espíritu nacional. Pero al mismo tiempo, hay una cierta desviación de los poderosos ejemplos de Andrei Rublev y Theophan the Greek, una disminución en el aliento heroico del arte de la era de la Batalla de Kulikovo. Al mismo tiempo, el progresivo desarrollo de la pintura preparó sus futuros éxitos. 6. Arquitectura El logro más destacado de la arquitectura rusa a finales de los siglos XV-XVI. fue la construcción de los edificios del Kremlin de Moscú. Los edificios viejos y en ruinas fueron reemplazados por otros nuevos. 1. Uspensky. 2. Arcángel. 3. Catedral de la Anunciación. 4. Templo-pilar de Iván el Grande. Para recepciones ceremoniales, se construyó la Cámara Facetada. Todo un conjunto de edificios componían el palacio del Gran Duque. Finalmente, aparecieron nuevos muros de fortaleza y arqueros (torres). En el siglo XVI. construido a mayor escala. Se erigieron muchas iglesias y catedrales en todo el país. Algunos de ellos han ocupado un lugar destacado en la arquitectura doméstica y mundial. Tal, por ejemplo, es la famosa Iglesia de la Ascensión en el pueblo de Kolomenskoye cerca de Moscú (ahora dentro de la ciudad). Fue construido (1532) con motivo del nacimiento del hijo de Iván, el futuro Zar de los Terribles, en el Gran Duque Vasily III. El modelo para el edificio fueron las antiguas iglesias de madera con techo a cuatro aguas. La Catedral Pokrovsky (Iglesia de la Intercesión de la Madre de Dios), o la Catedral de San Basilio en la Plaza Roja de Moscú, el monumento más grande de la arquitectura de carpas, en esencia, un complejo de nueve iglesias, se ve igual de fabuloso. Fue construido por arquitectos rusos - Barma y Postnik en 1555-1560. Inicialmente, el templo era blanco y recibió su coloración abigarrada solo en el siglo XVII. Los maestros de filigrana (filigrana), cincelado, fundición, joyería, costura de seda logran una gran perfección. El arte del estampado bajo y el esmalte floreció. Los joyeros crearon artículos de oro de asombrosa belleza y elegancia (por ejemplo, el plato de oro de la zarina María Temryukovna, que le regaló Iván el Terrible en 1561). En general, la cultura rusa del siglo XVI. es de gran importancia. En primer lugar, reflejó completamente la transición final de una Rusia fragmentada a un estado centralizado con sus nuevos requisitos para el art. Además, pudo resistir la presión ideológica de la segunda mitad del siglo y preparar la conciencia del pueblo ruso para los cambios y cambios significativos que tuvieron lugar en el desarrollo cultural del siglo XVII. CONFERENCIA No. 5. La cultura rusa del siglo XVII. 1. Tendencias generales en la cultura rusa del siglo XVII. siglo XNUMX en la historia de la cultura rusa, así como en la historia de Rusia en general, - el comienzo de un nuevo período. En este momento se produce la secularización de la cultura, un punto de inflexión en la conciencia del hombre y de la sociedad. El pueblo ruso en los años turbulentos de la Era de los Trastornos, los levantamientos populares y las guerras, los avances hacia Siberia y el Lejano Oriente se dieron cuenta de sí mismos como personas. 2. Literatura, educación, ciencia El apogeo del pensamiento social ruso en el primer cuarto del siglo XVII. asociado con la aparición de una serie de narraciones de autores espirituales y seculares sobre los eventos del Tiempo de los Trastornos. El representante más destacado en la literatura oficial del siglo XVII. fue un monje Simeón de Polotsk. La tendencia acusatoria popular es "La vida del arcipreste Avvakum", escrita por él mismo. El autor fue el inspirador del movimiento de los Viejos Creyentes y predicó las ideas de la piedad antigua. A lo largo del siglo, ha aparecido una variedad de historias cotidianas que describen la vida cotidiana de la gente común. También se encuentran signos de secularización en la Ilustración: a finales de siglo, cada segundo o tercer habitante de la ciudad podía leer y escribir. Al mismo tiempo, la alfabetización dejó de ser un privilegio de la iglesia. Los hombres fueron entrenados. Había pocas mujeres alfabetizadas. Enseñaron, en primer lugar, el alfabeto elemental según los abecedarios. En 1634, se publicó la cartilla de V. Burtsev y se volvió a publicar repetidamente a lo largo de un siglo. Surgió la pregunta sobre el establecimiento de escuelas. En 1680 se fundó una escuela en la Imprenta, cuya principal disciplina era la lengua griega; en 1687 - la Escuela Eslava-Griega-Latina, y luego la Academia, donde se enseñaban disciplinas seculares y espirituales. El rango de lectura se ha ampliado significativamente. Del siglo XVII se han conservado muchos libros, impresos y sobre todo manuscritos. Entre ellos, junto con la iglesia, hay cada vez más seculares: 1) crónicas y cronógrafos; 2) cuentos y leyendas. Los reyes y nobles boyardos tenían bibliotecas con cientos de libros en diferentes idiomas. Muchos extranjeros llegaron a Rusia, bien versados en varios campos del conocimiento científico y técnico. Vivían en las afueras de Moscú en el asentamiento alemán, que los habitantes de la capital llamaron Kukuy (Kokuy). Los miraron con codiciosa curiosidad y miedo: bailar, fumar, la forma libre de comunicación entre hombres y mujeres era inusual para una persona rusa. El conocimiento científico también se desarrolló. Los rusos eran famosos como maestros en el procesamiento de metales, negocios de fundición. Las campanas se lanzaron bien en Rusia, su "sonido carmesí" fue famoso en todo el país. Los maestros rusos de equipos de construcción, la construcción de edificios de madera y piedra, fueron igualmente exitosos y confiables. Al construir molinos de agua y, lo que es especialmente significativo e importante, se utilizan motores de agua en las fábricas de hierro y otras manufacturas. Conocimiento geográfico ampliado, ideas sobre Rusia, su territorio y los pueblos que viven en él, las vastas extensiones de Siberia y el Lejano Oriente. 3. Pintura del siglo XVII A lo largo del siglo XVII El estilo nacional ruso desarrolla nuevas características y formas. La escuela Stroganov se desarrolló aún más con su escritura fina, el dibujo más fino de los detalles. El refinamiento de la interpretación, el colorido de los iconos deleitó a los contemporáneos. En el trabajo de Simon Fedorovich Ushakov (1626-1686), el maestro de la Armería del Zar, el artista ruso más grande y otros maestros, se describe un deseo de realismo. Iosif Vladimirov escribió una especie de tratado teórico con la justificación del realismo en la pintura: la proximidad a la naturaleza, la necesidad del arte de luchar por la belleza y la luz, no para reprimir, sino para complacer a una persona. SF Ushakov, respondiendo a Vladimirov, su amigo, persigue los mismos principios: realismo, vivacidad, precisión, imagen de "espejo". Las tendencias realistas, combinadas con motivos brillantes y alegres, se rastrearon en las obras de los maestros rusos y en la pintura de iglesias. Los frescos de las iglesias de la Trinidad en Nikitniki (autores - Vladimirov y Ushakov) en Moscú, Elijah the Prophet en Yaroslavl (G. Nikitin, S. Savin) y muchos otros sorprenden con sus coloridas y ricas composiciones, ingenio y optimismo, folk espíritu y abundancia de detalles cotidianos. 4. Género de retrato Las características del realismo también se manifiestan en el género del retrato. Si las parsunas (retratos) del zar Fyodor Ivanovich (1600), el príncipe M.V. Skopin-Shuisky (1610) se pintaron de la manera habitual en la pintura de iconos, entonces las obras de la mitad y la segunda mitad del siglo hablan de un deseo de retrato. semejanza, letra realista. Estos incluyen retratos de los zares Alexei (S. Loputsky), Fedor (I. Bogdanov), el patriarca Nikon (I. Deterson). En los iconos aparecen paisajes realistas (por ejemplo, en Tikhon Filatiev, finales del siglo XVII), imágenes de edificios. Pero las bellas artes, principalmente la pintura de iconos, también mantuvieron un estilo tradicionalmente conservador, ya que bajo la estrecha supervisión del estado y la iglesia, las actividades de los pintores estaban controladas por la Armería del Kremlin, que desde el siglo XVII. se convirtió en un centro de arte. Aquí se realizaron obras para la corte real: se pintaron retratos, se decoraron manuscritos, se fabricaron muebles y juguetes. 5. Arquitectura rusa del siglo XVII En el siglo XNUMX Cambios significativos han afectado la arquitectura. Después de la Era de los Trastornos, la arquitectura de piedra comenzó a revivir. En Moscú se están restaurando las murallas y torres del Kremlin; sobre su puerta principal, Spassky, se erige una hermosa superestructura de carpa, que le da a la torre un aspecto festivo y solemne. Otro nuevo detalle aparece en la apariencia de la torre: las campanadas. El principal material de construcción seguía siendo la madera. El pináculo de la arquitectura de madera del siglo XVII. es un lujoso palacio real en Kolomenskoye (1667-1668), desmantelado "por deterioro" un siglo después, bajo Catalina II. Los contemporáneos lo llamaron la octava maravilla del mundo. Los siguientes principios han sido ampliamente utilizados aquí: 1) cuadrado; 2) rectangulares; 3) cruciforme; 4) soporte octogonal para el edificio principal; 5) techo a dos aguas alto; 6) tienda de campaña; 7) Finalización de 5 capítulos. El Palacio del Zar en Kolomenskoye consistía en coros de múltiples marcos colocados en sótanos (pisos inferiores de importancia económica). Las fachadas de las habitaciones delanteras residenciales estaban ricamente decoradas con arquitrabes tallados y varios acabados en forma de carpas, barriles, techos en cubos y cornisas. 6. Auge de la arquitectura civil El auge de la arquitectura civil, se manifiesta claramente a finales del siglo XV - principios del XVI. en la construcción del Palacio del Kremlin, tuvo una digna continuación en el siglo XVII. En una escala sin precedentes se construyeron: 1) palacios; 2) edificios administrativos; 3) edificios residenciales; 4) jardines de invitados. La apariencia arquitectónica de estos edificios refleja el deseo de los arquitectos de crear tipos de edificios completamente nuevos, para desarrollar un nuevo estilo. El Palacio Terem del Kremlin de Moscú, construido en 1635-1636, parecía desafiar las tradiciones de construcción del siglo anterior con su tamaño y magnífica decoración. Gradualmente, el volumen de construcción de ladrillos aumentó, principalmente los edificios de agencias gubernamentales, empresas comerciales e industriales. Se inició el uso de tejas multicolores, ladrillos labrados y detalles de piedra blanca, que dieron a los edificios un aspecto festivo. La construcción de templos tradicionales alcanzó su apogeo. En el siglo XNUMX se construyó el grandioso Rostov Kremlin, se completó el diseño de los monasterios Joseph-Volokolamsky, Trinity-Sergius, Kirillo-Belozersky. El comercio en rápido desarrollo necesitaba patios comerciales modernos para los comerciantes rusos y extranjeros. Gostiny Dvor en Arkhangelsk (1668-1684) fue construido de acuerdo con un plan especial dentro de los límites de un patio cerrado. Su territorio incluía murallas con torres, varios locales (almacenamiento, residencial, comercial) y una iglesia. La arquitectura residencial de la provincia reflejaba las tradiciones locales. A menudo, las cámaras de madera se elevaban sobre las cámaras de piedra, y se consideraba que vivir en ellas era más beneficioso para la salud. Pero debido a los frecuentes incendios, los ciudadanos adinerados abandonaron cada vez más las superestructuras de madera. El pintoresquismo de la arquitectura residencial fue enfatizado por la elegante asimetría de los porches y el tinte de los detalles decorativos. En este momento, el principio de regularidad comenzó a imponerse gradualmente en los edificios arquitectónicos. A finales del siglo XVII. surge un nuevo estilo de arquitectura de templos: el barroco de Moscú, que se utilizó para construir pequeñas iglesias en las propiedades de los nobles rusos. Fue en este estilo que se construyó la Iglesia de la Intercesión en Fili. Utiliza un tipo de construcción de torre, una combinación de ladrillo rojo para la mampostería principal y piedra blanca para la decoración. Los edificios se distinguen por la elegancia y una variedad de decoración decorativa. Tal arquitectura fue llamada por los investigadores el barroco de Moscú, o Naryshkin. Sin embargo, aunque algunos de sus detalles están realizados en estilo barroco europeo, en él hay muchos motivos que se remontan a la arquitectura del Renacimiento y el Manierismo. Los edificios de Naryshkin tienen una asombrosa organicidad, integridad y perfección artística. El desarrollo del arte ruso siempre se ha distinguido por sus peculiaridades, que no encajaban en el marco europeo. Cuando el Renacimiento floreció en Europa, aún existía una profunda Edad Media en Rusia. La arquitectura del estilo Naryshkin se convirtió en un puente entre lo antiguo y lo nuevo, entre bizantino y europeo. CONFERENCIA N° 6. Cultura de la época de Pedro el Grande 1. Tendencias generales en la cultura de la época de Pedro el Grande A la vuelta de los siglos XVII y XVIII. En Rusia terminó la Edad Media y comenzó la Nueva Era. En Rusia, esta transición histórica ocurrió rápidamente, en el transcurso de la vida de una generación. Arte ruso del siglo XVIII. en pocas décadas, estaba destinado a secularizar (pasar de religioso a laico), dominar nuevos géneros (por ejemplo, el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje) y descubrir temas completamente nuevos (en particular, mitológicos e históricos). Debido a esto, existieron diferentes estilos de arte en Rusia en el siglo XVIII. simultaneamente. Las reformas llevadas a cabo por Pedro 7 (1698-1725) afectaron no solo a la política, a la economía, sino también al arte. Los objetivos del joven rey eran: 1) poner el arte ruso a la par del arte europeo; 2) educar al público doméstico; 3) rodea tu jardín de arquitectos, escultores y pintores. A pesar de que en ese momento casi no había grandes maestros rusos, después de solo cien años, Rusia presentó toda una galaxia de talentos. 2. Educación, ciencia La creación de un ejército y una armada regulares, la formación de una burocracia absolutista y otras reformas en el país requirieron una reestructuración radical de todo el sistema educativo y la formación de un gran número de especialistas calificados. Peter I obligó a la nobleza rusa a estudiar. Ya en 1699, se fundó la Escuela Pushkar en Moscú, y en 1701, se abrió una "escuela de ciencias matemáticas y de navegación" en el edificio de la Torre Sukharev. En tiempos de Pedro el Grande se inauguró la Facultad de Medicina (1707), así como las siguientes escuelas: 1) ingeniería; 2) construcción naval; 3) navegación; 4) montaña; 5) artesanía. La educación secular requería nuevos libros de texto. En 1703 se publicó “La aritmética, es decir, la ciencia de los números...” de L.F. Magnitsky, que introdujo los números arábigos en lugar de los alfabéticos, y luego Magnitsky y el matemático inglés A. Farvarson publicaron “Tablas de logaritmos y senos”. " Simultáneamente con la reforma en el campo de la educación en el 1er cuarto del siglo XVIII. La industria editorial floreció. En 1708, Pedro I introdujo una nueva escritura civil en lugar del antiguo eslavo eclesiástico. Se crearon nuevas imprentas para imprimir literatura secular educativa, científica y especializada, así como actos legislativos. El desarrollo de la ciencia y la tecnología en la era petrina respondió, sobre todo, a las necesidades prácticas del Estado. Se han logrado grandes avances en: 1) geodesia; 2) hidrografía; 3) cartografía; 4) el estudio de las entrañas y la búsqueda de minerales. Los marineros e hidrógrafos rusos han hecho mucho para cartografiar los mares de Azov, Caspio, Báltico y Blanco. La búsqueda de minerales de hierro y cobre en los Urales y Siberia se llevó a cabo activamente con la ayuda de los campesinos locales. Las actividades de los inventores rusos se observaron con gran éxito. E. P. Nikonov presentó un proyecto para la creación de "barcos ocultos" (submarinos). Un mecánico famoso de la época de Pedro el Grande fue A. K. Nartov, el inventor de tornos y máquinas cortadoras de tornillos, el creador de la mira óptica. En el 1er cuarto del siglo XVIII. se escribieron varios estudios valiosos sobre la historia nacional. Por iniciativa de Pedro I, se inició en Rusia una colección de colecciones científicas. El pináculo de los logros de la época de Pedro el Grande en el campo de la ciencia y la educación fue la creación (por decreto del 28 de enero de 1724) en San Petersburgo de la Academia de Ciencias (se abrió después de la muerte de Pedro I en 1726). La Academia de Ciencias se creó no solo como centro científico nacional, sino también como base para la formación de personal científico. En este centro científico se abrieron una universidad y un gimnasio. 3. Literatura y teatro Este estrato de la cultura rusa era el más colorido, el más mosaico y heterogéneo; prácticamente no entró en contacto con el trabajo de la élite. En la época de Pedro el Grande, había menos persecución de las fiestas paganas tradicionales con sus tormentosos "zumbidos", bailes, bailes redondos, etc. Durante este período, la nobleza, y en parte la gente del pueblo, fueron testigos directos de un aumento notable de libros impresos no religiosos. En 1708, se publicó una muestra de cartas de diverso contenido con el uso del vocabulario más reciente, donde abundaban las palabras, términos y expresiones holandesas y alemanas. En el marco de la literatura, tiene lugar el nacimiento del clasicismo ruso. Las obras más famosas de este género son las creaciones del orador, escritor, iglesia y figura pública de la era de Pedro el Grande, el principal partidario de la reforma de la iglesia Feofan Prokopovich. El tema principal de Prokopovich es la glorificación del ejército, las reformas y Rusia. El periodismo económico estuvo representado por los trabajos del destacado científico I. T. Pososhkov (1652-1726). En 1702, se construyó un teatro en la Plaza Roja de Moscú, que abrió sus puertas al público común. Los actores alemanes actuaron en él, el repertorio consistió en: 1) alemán; 2) francés; 3) obras de teatro españolas. Sin embargo, tal teatro era raro. El tiempo de Peter incluye intentos de crear teatros públicos ("templos de comedia") en Moscú y San Petersburgo, donde se representaron obras de teatro sobre temas históricos y comedias (por ejemplo, Amphitrion de J.-B. Pierre y The Forced Doctor). En la era de Pedro el Grande nació el interés por la música profana, la creación musical amateur y el desarrollo del arte coral profesional. La música de ejercicios militares de Bravura está ganando popularidad. 4. Vida del pueblo ruso Nuevas formas cotidianas de cultura fueron plantadas en la vida de la élite noble. En 1700, a las puertas del Kremlin, incluso se exhibieron maniquíes con muestras de ropa nueva para los nobles (húngaros, sajones y franceses). La figura original del rey, que al principio observaba las ceremonias tradicionales solo en las recepciones diplomáticas, trajo cambios dramáticos a la vida del palacio. Las tradiciones se simplificaron, la rigidez desapareció. A partir de 1718, por decreto del rey, se introdujeron asambleas que legalizaron las formas de comunicación real con las personas que necesitaba y gustaba. El comportamiento de los jóvenes nobles en la sociedad estaba regulado por las normas de Europa occidental establecidas en el libro traducido "El espejo honesto de la juventud". En las capitales, en fechas solemnes, en honor de una u otra "victoria" (la Guerra del Norte, la captura de Azov, la victoria en Poltava, el aniversario de la Paz de Nishtad, etc.), coloridos fuegos artificiales y grandiosas mascaradas estaban en Moda. En las plazas se exhibían golosinas (fuentes de vino, cadáveres fritos). La forma de vida patriarcal dio paso gradualmente al secularismo y al racionalismo. 5. Pintura 1700-1725 En el campo de las bellas artes en el 1er cuarto del siglo XVIII. El desarrollo activo recibe la pintura secular. A. M. Matveev (1701-1739) fue un destacado retratista de la época. Entre los maestros del grabado, I. B. Adolsky fue famoso. Las obras de los artistas A. F. Zubov, A. I. Rostovtsev y P. Picard nos trajeron el aspecto arquitectónico de ambas capitales rusas. Lo más cercano a la vida cotidiana era el género del grabado, que contaba con un círculo de conocedores bastante amplio. Muchos libros tenían imágenes grabadas. De finales del siglo XVII El arte pictórico ruso se está transformando. En el arte de la pintura de iconos, comenzó a aparecer una tendencia hacia una transición hacia una representación realista del mundo y las personas. Se está desarrollando el llamado género parsuna: un retrato realista creado de manera plana tradicional. Los artistas de este género fueron influenciados por la pintura de Europa occidental. En los primeros años del siglo XVIII. emitió decretos especiales sobre la formación y educación de los artistas. Los más talentosos fueron enviados a largos viajes de negocios al extranjero (A. M. Matveev, I. Nikitin, R. Nikitin). Durante este período, también se invitó a Rusia a varios artistas extranjeros. Estos son Louis Caravaque, Johann Tannauer y otros. 6. Arquitectura 1700-1725 La arquitectura en la época de Pedro el Grande también experimentó la influencia de Europa occidental. Un nuevo fenómeno en la cultura rusa fue la difusión de composiciones escultóricas, que fue especialmente pronunciada en la creación de conjuntos de palacios y parques, por ejemplo, en el diseño de la Gran Cascada del Palacio Peterhof (arquitecto J. B. Leblon). A principios del siglo XVIII. en la planificación urbana, se está haciendo una transición al desarrollo urbano regular, la creación de grandes conjuntos arquitectónicos, principalmente para fines civiles, y no religiosos. La construcción de San Petersburgo es un excelente ejemplo de esto. A finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII. se está formando el llamado estilo Naryshkin, o el estilo de arquitectura eclesiástica "barroco de Moscú" (para más detalles, véase la Conferencia No. 4). También hubo una arquitectura fundamentalmente nueva basada en el sistema de orden (columnas, pórticos, frontones, etc.). Los interiores de las iglesias de las iglesias comenzaron a decorarse con iconostasios de madera de varios niveles con las tallas decorativas más complejas, cuyos mejores artesanos eran talladores de madera bielorrusos. Uno de los maestros brillantes de la talla fue el arquitecto IP Zarudny. Una arquitectura fundamentalmente nueva creó la base de la capital de Rusia en ese momento: San Petersburgo. Aquí, desde el principio, la versión del barroco del norte de Alemania (holandés) se desarrolló con una decoración seca restringida, con un deseo de máxima racionalidad. El portador de esta tendencia fue D. Trezzini. Tomó parte activa en la planificación de San Petersburgo, en particular en su parte Vasilyevsky. El suizo D. Trezzini diseñó los edificios más importantes de San Petersburgo: la Fortaleza de Pedro y Pablo y su catedral, el edificio de los Doce Colegios (construido en la isla Vasilyevsky en 1722-1734, completado por M. G. Zemtsov). Este último consta de 12 cuerpos idénticos, situados en la misma línea y decorados únicamente con pilastras. El edificio no se despliega a lo largo del Neva, sino en ángulo recto con él. Tal como lo concibió el arquitecto, se suponía que la larga fachada frontal de los Doce Collegia daba a la plaza propuesta en la lengua de la isla. El palacio de A. D. Menshikov, cuya fachada principal da al Neva, ha sido durante mucho tiempo la casa privada más lujosa de la capital del norte. Recientemente ha sido restaurado a su forma original. Y en el diseño de las fachadas (techos altos, ventanas con pequeños ribetes), y en los interiores, decorados con madera, tejas blancas y azules (tejas de barro cocido) y tejidos varios, domina el gusto holandés. Ligeramente río arriba del Neva estaba el Palacio de Verano (1710-1714, arquitectos D. Trezzini y A. Schluter), que Peter le regaló a su esposa Catherine. Un orgullo especial de Peter I fue el Jardín de Verano que rodea este edificio. Las transformaciones de Pedro en el ámbito de la cultura, la vida y las costumbres fueron de marcado carácter político. Los intereses del Estado se pusieron al frente de estas reformas. Se suponía que debían enfatizar la diferencia fundamental entre el Imperio Ruso, creado en un cuarto de siglo, y un gran estado del tipo europeo. CONFERENCIA No. 7. Cultura de Rusia 1725-1800 1. Características generales de la cultura de la era de los "golpes de palacio" y el reinado de Catalina. siglo XNUMX ocupa un lugar importante en la historia de la cultura rusa. La dirección laica se vuelve decisiva en su desarrollo. Se creó un sistema de educación general y especial, se abrió una universidad, aparecieron los periódicos y el periodismo. Está surgiendo una nueva poesía, drama y prosa de orientación occidental. En la pintura, el retrato cobra protagonismo. Destacados ejemplos de arquitectura civil aparecen en arquitectura. En esta conferencia, nos centraremos principalmente en los logros de la cultura noble. 2. Educación Desde la época de Pedro I, la educación en Rusia ha adquirido un carácter secular cada vez más claro. Al mismo tiempo, la forma tradicional de "alfabetización" era masiva y omnipresente. Ha aumentado el número de escuelas de guarnición de soldados. La atención principal se prestó a la educación de los nobles en instituciones educativas cerradas. En 1731, se creó el Cuerpo de Cadetes Shlyakhetsky, y en 1752, el Cuerpo Naval Shlyakhetsky. Además, a los niños nobles se les enseñaba en internados privados, así como en casa. En el siglo XVIII. se está poniendo de moda invitar a profesores extranjeros, especialmente franceses. A pesar de estos grandes éxitos en el campo de la educación en Rusia, la necesidad de un sistema educativo se sintió cada vez más aguda. Por iniciativa de la emperatriz, el desarrollo de proyectos de educación escolar se confió a una de las figuras públicas más brillantes de la época: I. I. Betsky. También fue el iniciador de la educación de la mujer. Pero las actividades de I. I. Betsky y la implementación de su plan de ninguna manera resolvieron el problema de crear un sistema de educación primaria. Para resolver este problema, en 1782 se organizó una "Comisión para el Establecimiento de Escuelas". El primer resultado del trabajo de la Comisión fue la apertura de escuelas públicas de 4 y 2 clases en la provincia de San Petersburgo. En total, a finales del siglo XVIII. en Rusia había alrededor de 550 instituciones educativas diferentes, en las que estudiaban alrededor de 60 mil personas. Uno de los principales acontecimientos de mediados del siglo XVIII. fue la apertura de la primera institución de educación civil superior: la Universidad de Moscú. I. I. Shuvalov fue su curador. Sin embargo, el constructor ideológico de la Universidad de Moscú fue M. V. Lomonosov. Desarrolló un proyecto para la organización de la universidad, buscó que la universidad fuera sin clases y laica (ya que no enseñaba teología). Tomó parte activa en la creación de libros de texto. Se creó un gimnasio especial con dos departamentos en la universidad para capacitar al personal estudiantil, para la nobleza y la raznochintsy. Creación de la Academia de Ciencias en Rusia, rápido desarrollo en el siglo XVIII. Las ciencias naturales del mundo contribuyeron a la formación y desarrollo de la ciencia rusa. 3. Ciencia Alcanzó un importante nivel de desarrollo en el siglo XVIII. ciencia rusa. M. V. Lomonosov (1711-1768) fue un destacado científico del siglo XVIII, cuyos intereses abarcaron varios campos de la ciencia. Su principal mérito fue la fundación y apertura de la Universidad de Moscú (1755). En el siglo XVIII. crece el interés de la sociedad rusa por su pasado histórico, aparecen obras historiográficas. El primer historiador ruso VN Tatishchev (1686-1750) escribió "Historia rusa desde los tiempos más antiguos". Siguiendo a Tatishchev, aparecen obras históricas: 1) M. V. Lomonosov; 2) M. M. Shcherbatova; 3) I. N. Boltina; 4) I. I. Golikova; 5) G. F. Miller y otros. En los años 70-80. siglo XNUMX Los documentos históricos se publican en las páginas de la prensa periódica. Una serie de logros muy interesantes caracterizan el desarrollo del pensamiento técnico en Rusia. Pero en la mayoría de los casos, las innovaciones técnicas no encontraron aplicación. Uno de los inventores más famosos de esa época fue IP Kulibin (1735-1810). La investigación físico-geográfica y las ciencias naturales se han desarrollado ampliamente. En 1724, por orden de Pedro I, se equipó la Primera Expedición a Kamchatka, encabezada por V. Bering y A. I. Chirikov. Los resultados de esta expedición son grandiosos: se describen las riquezas de los Urales, Siberia y Altai, se recopilan materiales sobre geografía, zoología, botánica, etnografía, etc. 4. Literatura y pensamiento social. Teatro Bajo las condiciones del sistema de servidumbre feudal, la literatura era predominantemente de la nobleza. El arte popular era oral. Literatura noble del siglo XVIII. desarrollado en línea con el clasicismo. La tendencia principal en la literatura fue el clasicismo en forma de odas, tragedias, palabras de elogio. Esto se manifestó más claramente en el trabajo de A.P. Sumarokov, quien escribió comedias y tragedias que realizan funciones educativas, así como en el representante temprano del clasicismo del siglo XVIII. - A. D. Kantemir. Una etapa importante en el desarrollo del clasicismo ruso fue el trabajo del poeta de la corte V. K. Trediakovsky (1703-1769). Defendiendo la pureza de la lengua literaria rusa, M. V. Lomonosov crea la doctrina de las tres "calmas" literarias. El poeta ruso más grande de finales del siglo XVIII. fue G. R. Derzhavin (1743-1816). A finales del siglo XVIII. hay una salida del clasicismo, superacion del sentimentalismo y formacion de tendencias realistas. En primer lugar, esto se manifestó en la obra de D. I. Fonvizin (1745-1792), el creador de la comedia social. N. M. Karamzin (1766-1826) es considerado el fundador del sentimentalismo ruso. La figura más importante del pensamiento social ruso es A. N. Radishchev (1749-1802). Mientras ocupaba el cargo de fiscal militar, durante los años del levantamiento de Pugachev, se familiarizó con los casos de reclutas fugitivos, en los que, como en un espejo, se reflejaban las órdenes de la sierva Rusia. Esto llevó a Radishchev a la idea de la necesidad de una revolución campesina en Rusia. En su obra literaria "Viaje de San Petersburgo a Moscú" hizo la transición del género literario del sentimentalismo al realismo crítico. En la segunda mitad del siglo XVIII, el periodismo se desarrolló en Rusia. Desde finales de la década de 1750. aparecen los primeros diarios privados. Entre ellos se encuentra "Abeja trabajadora" de A.P. Sumarokov. Básicamente, estas eran las publicaciones de la clase noble. Durante el reinado de Catalina II, se desarrollaron las actividades del educador N. I. Novikov (editor de las revistas satíricas "Druten", "Painter", "Ridder", editor de diccionarios, revistas para niños y mujeres). En el siglo XVIII, el arte teatral se desarrolló bastante en Rusia. El teatro más famoso con una magnífica compañía de actores siervos era propiedad de los condes P. B. Sheremetyev y N. P. Sheremetyev. La famosa actriz y cantante sierva P. I. Kovaleva-Zhemchugova (1768-1803) brilló en la compañía Sheremetev. Una interesante evolución en el siglo XVIII. se somete a la creatividad musical. Entre la nobleza, las canciones populares rusas se distribuyen ampliamente, así como la estilización del estilo popular de la canción. 5. Pintura Un rasgo característico de la pintura del siglo XVIII. - liberación de temas de culto. Un lugar especial en la pintura rusa del siglo XVIII. tomó el retrato. El realismo comienza a aparecer en los retratos de L. P. Antropov (1716-1795). El artista siervo Sheremeteva I. P. Argunov (1729-1802) trabajó con éxito en el género del retrato. El arte del retrato ruso de esta época es de importancia mundial, se destacan tres maestros en particular: 1) Dmitri Levitsky; 2) Vladimir Borovikovsky; 3) Fedor Rokotov. Junto con un magnífico retrato formal en el trabajo de F. S. Rokotov (1736-1808), aparece un retrato informal e íntimo, en el que se presta toda la atención no a la ropa magnífica, sino al rostro de una persona. La obra de D. G. Levitsky (1735-1822) es diversa y está ampliamente representada. Los retratos ceremoniales de Levitsky, admirando el esplendor de la ropa, transmiten la riqueza de la textura del sujeto. Ejemplos de esto son el retrato del criador más rico P. A. Demidov; una serie de retratos de alumnos nobles del Instituto Smolny: adolescentes en forma de damas seculares (E. I. Nelidova, E. N. Khrushchova y otras). D. G. Levitsky pintó retratos de Diderot, Catherine P. El continuador de las tradiciones de Levitsky fue VL Borovikovsky (1757-1825), en cuyos retratos el arte del psicologismo alcanzó el pináculo de la perfección. El maestro está cerca del sentimentalismo (los retratos de la soñadora y lánguida M. I. Lopukhina son uno de los mejores ejemplos de este género; la emperatriz Catalina II, caminando en el jardín con ropa sencilla, sin ningún atributo de su posición real, por lo que fue premiado Borovikovsky el título de académico). 6. Arquitectura, escultura En la 1ª mitad del siglo XVIII. el estilo dominante en la arquitectura era el barroco. Se caracteriza por la creación de grandes conjuntos, que se distinguen por la solemnidad, el esplendor, la abundancia de estucos, esculturas, columnas. En la 2ª mitad del siglo XVIII. el barroco es sustituido por el clasicismo. La figura más llamativa de mediados del siglo XVIII fue V. V. Rastrelli (1700-1771). Sus principales obras maestras arquitectónicas son: 1) un palacio en Peterhof; 2) el conjunto del palacio en Tsarskoye Selo; 3) Monasterio Smolny cerca de San Petersburgo. Construyó magníficos palacios, templos, pabellones, complejos suburbanos, etc. En 1754-1762. Rastrelli erigió un nuevo Palacio de Invierno aproximadamente en el mismo lugar donde se encontraba el Palacio de Invierno de Pedro I. En la 2ª mitad del siglo XVIII. Aparecen varios de los arquitectos rusos más grandes y talentosos. En su trabajo, el clasicismo ruso adquirió sus principales características. V. I. Bazhenov (1737-1799) - el gran arquitecto ruso, uno de los primeros representantes del clasicismo ruso. Sufrió un destino trágico: el proyecto de un palacio grandioso en el Kremlin de Moscú fue aprobado, pero no implementado. Su segundo trabajo fue el diseño y construcción del palacio real en el pueblo. Tsaritsyno cerca de Moscú: se llevó al final de la construcción, pero, por orden de Catalina II, fue destruido debido a la proximidad de Bazhenov a Novikov. Durante muchos años, VI Bazhenov cumplió órdenes de particulares, y solo en los años 90. siglo 1797 creó un proyecto para el Castillo Mikhailovsky, construido para Paul I en 1800-XNUMX. arquitecto Brenn. Junto con la arquitectura de palacios y parques en el siglo XVIII, la construcción de edificios públicos fue adquiriendo cada vez más importancia. Uno de los primeros edificios de este tipo es el famoso Almirantazgo en San Petersburgo del arquitecto ruso I. Korobov (1700-1747). El gran arquitecto ruso M. F. Kazakov (1738-1812) hizo una gran contribución a la construcción de grandes edificios públicos en Moscú. Siendo uno de los estudiantes y admiradores de V. I. Bazhenov, continuó mejorando las características del clasicismo ruso, haciéndolo aún más estricto y simple. Un maravilloso ejemplo de la creatividad de Kazakov es el edificio del Senado en el Kremlin de Moscú. Al mismo tiempo que los arquitectos rusos, los extranjeros también trabajaron con éxito en Rusia. Entre ellos, los más talentosos fueron el escocés Charles Cameron y el italiano Giacomo Quarenghi. Uno de los primeros ejemplos del clasicismo fue el enorme edificio de la Academia de las Artes, que se construyó a lo largo de un cuarto de siglo (1763-1788). Crear en Rusia la Academia de las Artes, donde pudieran estudiar pintores, escultores, arquitectos, es decir, una especie de centro de arte, fue concebida por Pedro I. Esta idea fue llevada a cabo por su hija Isabel al final de su reinado - en 1757 en San Petersburgo. El arquitecto I. E. Staroye (1745-1808) también se adhirió a los cánones del clasicismo. Su obra más famosa es el Palacio Tauride del Príncipe G. A. Potemkin-Tavrichesky en San Petersburgo (1783-1789). También construyó la Catedral de Alexander Nevsky Lavra. Fue Starov quien creó el tipo clásico de palacio-estado, utilizando una composición especial con el edificio principal y las alas laterales (edificios anexos) adelantados (a los terratenientes rusos les gustó mucho este esquema). Finalmente, no se puede dejar de mencionar los magníficos logros de los escultores rusos del siglo XVIII. Entre los primeros se encuentra el famoso F. I. Shubin (1740-1805). Las tendencias del realismo, las características nítidas del retrato se expresan en su obra con claridad, en relieve. Los bustos de retratos de Shuba están diseñados para una inspección completa. El juego de sombras y luces sobre la superficie de mármol o bronce dota a la escultura de una especial vivacidad y expresividad. Toda una galaxia de destacados maestros trabajaron en el campo de la escultura decorativa en esta época: 1) F. G. Gordeev; 2) M. I. Kozlovsky; 3) I. P. Prokofiev; 4) F. F. Shchedrin; 5) I. P. Martos. Produjeron notables ejemplos de escultura decorativa y monumental. Destaca el monumento a Pedro I, obra del escultor francés Falcone (1716-1791). En general, a finales del siglo XVIII-principios del XIX. el público prefirió esculturas basadas en temas mitológicos e históricos. Por lo tanto, M. I. Kozlovsky (1753-1802) fue muy popular, ya que en su trabajo recurrió principalmente a la mitología antigua y las tradiciones bíblicas. CONFERENCIA No. 8. La edad de oro de la cultura rusa. Primera mitad 1. Características generales de la cultura de este período El destino de Rusia en la primera mitad del siglo XIX fue ambiguo. Estos años comenzaron con la victoria en la Guerra Patriótica y terminaron con la fallida Guerra de Crimea. La primera mitad del siglo XIX, la época de Pushkin, se denomina la Edad de Oro de la cultura rusa. Su comienzo coincidió con la era del clasicismo en la literatura y el arte rusos. Tras la derrota de los decembristas, se inició un nuevo resurgimiento del movimiento social. Esto dio esperanza de que Rusia se enfrentaría gradualmente a sus dificultades. El país logró los éxitos más impresionantes en estos años en el campo de la ciencia y especialmente de la cultura. La primera mitad del siglo dio a Rusia y al mundo Pushkin y Lermontov, Griboyedov y Gogol, Belinsky y Herzen, Glinka y Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov y Fedotov. 2. Desarrollo de la educación, la literatura y la ciencia Durante el período de transformaciones de principios del siglo XIX. se reformó el sistema de educación pública. En 1803, se crearon seis distritos educativos encabezados por síndicos y cuatro categorías de instituciones educativas. Según la Carta de 1804, las universidades se convirtieron en centros de formación de personal pedagógico, llevaron a cabo la orientación metodológica de las escuelas en el distrito educativo. En 1802, se restauró la Universidad de Dorpat, en 1804 se fundaron universidades en Vilna, Kazan y Kharkov. Las universidades disfrutaban de importantes derechos de autogobierno. A principios de siglo, aparecieron instituciones educativas cerradas para nobles: liceos (en Yaroslavl, Odessa, Tsarskoye Selo), se abrieron instituciones de educación superior (Instituto Comercial, Instituto de Comunicaciones). Ya a principios del siglo XIX. N. M. Karamzin escribió sobre "el amor por la lectura en Rusia". En 1813 había 66 imprentas en Rusia. El número de publicaciones periódicas a mediados de siglo había aumentado de 64 títulos a 200. Basándose en los logros de la ciencia europea, los científicos rusos han logrado grandes éxitos. Los centros del pensamiento científico fueron: 1) Academia de Ciencias; 2) universidades; 3) sociedades científicas. Las matemáticas lograron éxitos sobresalientes: 1) N. I. Lobachevsky (creador de la geometría no euclidiana); 2) P. V. Chebyshev; 3) el astrónomo V. Ya. Struve; 4) químico N. N. Zinin. El nivel de desarrollo de la ciencia mundial correspondió a los descubrimientos e inventos del profesor V. V. Petrov (electroquímica y electrometalurgia), el académico B. S. Jacobi (galvanoplastia), P. L. Schilling (telégrafo electromagnético), P. P. Anosov (metalurgia). N. I. Pirogov presentó nuevas ideas en medicina y fisiología. Entre los historiadores de este período, se destaca el profesor de la Universidad de Moscú T. N. Granovsky. En 1811, marineros rusos dirigidos por el Capitán V. M. Golovkin (1776-1831) exploraron las Islas Kuriles. F. P. Litke (1797-1882) exploró el Océano Ártico, las costas de Kamchatka y América, fundó la Sociedad Geográfica Rusa. En 1819, Rusia envió una expedición a los mares polares del sur en dos balandras dirigidas por F. F. Bellingshausen (1778-1852). Los principales descubrimientos geográficos en el Lejano Oriente ruso están asociados con el nombre de G. I. Nevelsky (1813-1876). En 1819 comenzó la persecución en las universidades y se establecieron en ellas departamentos teológicos. La rígida carta de "hierro fundido" de 1828 para las instituciones educativas inferiores y secundarias determinó que los hijos de "personas de menor estatus" deberían estudiar en escuelas parroquiales, los hijos de comerciantes, artesanos y otros orozhans en escuelas de distrito, y los hijos de nobles y funcionarios. en gimnasios. En 1835, las universidades fueron privadas del estatus de centros científicos, así como de la autonomía interna. Para formar personal calificado, se abrieron instituciones de educación superior técnica: 1) Escuela vocacional de Moscú; 2) escuela de arquitectura; 3) Academia de Medicina y Cirugía de San Petersburgo; 4) Instituto Lazarevsky de Lenguas Orientales en Moscú; 5) Escuelas y academias espirituales, militares. El pensamiento social en Rusia a principios del siglo XIX. desarrollado en la tradición de la Ilustración. Propagación de ideas: 1) Montesquieu; 2) Diderot; 3) Voltario; 4) Rousseau. Sin embargo, solo una pequeña parte de la sociedad consideró necesario reformar el gobierno autocrático y abolir la servidumbre. La mayor parte de la nobleza y la burocracia eran conservadores. 1ra mitad del siglo XIX se convirtió en el momento de la formación de la lengua literaria rusa. Se amplió la terminología científica rusa: se abrieron departamentos verbales en las universidades. "Liberó el idioma del yugo extraño" N. M. Karamzin. Los seguidores de Karamzin crearon la asociación "Arzamas" (1815-1818). 3. Literatura y pensamiento social En la literatura de la 1ª mitad del siglo XIX. coexistieron diferentes direcciones artísticas: 1) clasicismo; 2) sentimentalismo; 3) prerromanticismo; 4) romanticismo; 5) realismo. En este momento, A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, N. V. Gogol crean sus obras. La importancia de la literatura en Rusia en la primera mitad del siglo fue enorme. En sociedades científicas y literarias, en círculos de estudiantes y profesores, salones seculares, se discutieron problemas políticos de actualidad. Una etapa importante en el desarrollo de la identidad nacional fue la Guerra Patria de 1812. Al mismo tiempo, después de la guerra, los sentimientos religiosos se intensificaron en la sociedad. Temiendo la influencia del movimiento revolucionario europeo, el gobierno aumentó el control político dentro del país. En 1814-1815. Las primeras organizaciones secretas surgieron en el ejército, cuya tarea era cambiar el sistema existente. En 1816, por iniciativa de los hermanos Muravyov, S. P. Trubetskoy, los hermanos Muravyov-Apostles e I. D. Yakushkin, se creó la Unión de Salvación. La Unión tenía unos 200 miembros. En el congreso celebrado en enero de 1821, las opiniones sobre el programa de acción de la Unión estaban divididas. La dirección anunció la disolución del Sindicato de Bienestar. Pero inmediatamente después de eso, surgieron simultáneamente las Sociedades conspirativas del Norte y del Sur. En 1824, la Sociedad del Sur adoptó un documento de programa ("Verdad rusa" de P. I. Pestel). La Sociedad del Norte adoptó la "Constitución" de Nikita Muravyov. En 1824, durante las negociaciones, se decidió convocar un congreso a principios de 1826 para unir las dos sociedades. Pero en noviembre de 1825, Alejandro I murió repentinamente en Taganrog, y después de que se aclaró el tema de la sucesión al trono, se programó el juramento al nuevo emperador Nikolai Pavlovich para el 14 de diciembre de 1825. Los líderes de la Sociedad del Norte, K. F. Ryleev y A. A. Bestuzhev, decidió actuar. Nicolás me di cuenta de la conspiración. De las 579 personas involucradas en la investigación, 289 fueron declaradas culpables. K. F. Ryleev, P. I. Pestel, S. I. Muravyov-Apostol, M. P. Bestuzhev-Ryumin, P. G. Kakhovsky fueron ahorcados el 13 de julio de 1826. A. I. Herzen llamó al período que siguió a la derrota de los decembristas "el tiempo de la esclavitud externa". La carta de censura de 1826 prohibía todo lo que "debilite el respeto" por las autoridades. En los años 30. Siglo XNUMX esta en desarrollo: 1) el género de la historia (A. A. Bestuzhev-Marlinsky, V. F. Odoevsky); 2) novela histórica (A. S. Pushkin, N. V. Gogol). En poesía destacan los autores de la llamada galaxia Pushkin. Principios del siglo XIX - el momento de la formación del periodismo ruso. El número de periódicos y revistas aumentó significativamente, aumentó su circulación, aunque incluso las publicaciones más populares se imprimieron en no más de 1 copias. Entre las revistas rusas, Vestnik Evropy, fundada por N. M. Karamzin, fue especialmente popular. En la segunda mitad de los años 2 - principios de los 20. Siglo 30 Numerosos círculos secretos se formaron en Rusia. Sus miembros discutían problemas políticos y filosóficos, trataban de comprender los acontecimientos del 14 de diciembre de 1825 y leían literatura prohibida. Se crearon círculos en la Universidad de Moscú: V. G. Belinsky, A. I. Herzen, N. V. Stankevich y otros, la mayoría de ellos fueron dispersados por la policía. La censura cada vez mayor se dirigió principalmente contra las publicaciones periódicas, que desempeñaron un papel importante en la lucha ideológica. En 1836, la revista "Telescopio" publicó una de las "Cartas filosóficas" de P. Ya. Chaadaev (1794-1856), un pensador brillante y original. S. S. Uvarov, quien se convirtió en Ministro de Educación Pública, propuso introducir una educación "verdaderamente rusa", que se basaba en tres principios inseparables: ortodoxia, autocracia, nacionalidad. La teoría de la "nacionalidad oficial" de S. S. Uvarov se convirtió en la base de la ideología de la era Nikolaev. En las décadas de 1830 y 40 se forman las principales direcciones del pensamiento social, a partir de la necesidad de transformaciones en Rusia. Sus representantes se autodenominan: 1) eslavófilos; 2) occidentales; 3) revolucionarios. 4. Teatro El teatro empezó a desempeñar un papel cada vez más destacado en la vida pública. Los centros de la vida teatral fueron el Teatro Maly de Moscú (desde 1824) y el Teatro Alexandrinsky de San Petersburgo (desde 1832). Existían teatros en muchas ciudades de Rusia. En 1825, el Teatro de Ópera y Ballet Bolshoi comenzó a funcionar en Moscú. Se representaron tanto "Ay de Wit" de A. S. Griboyedov como "El inspector general" de N. V. Gogol. Compositores como A. A. Alyabyev, A. L. Gurilev, A. E. Varlamov escribieron canciones y romances basados en poemas de poetas rusos. La formación de la escuela nacional rusa de música está asociada con el nombre de M. I. Glinka (1804-1857), autor de romances, obras sinfónicas, óperas clásicas A Life for the Tsar (1836), Ruslan y Lyudmila (1842). A. S. Dargomyzhsky (1813-1869) fue un innovador en la música, creó la ópera-ballet El triunfo de Baco, las óperas La sirena y El invitado de piedra. Aunque las compañías extranjeras y los teatros de siervos continuaron desempeñando un papel importante en la vida teatral de Rusia, algunos terratenientes rusos se convirtieron en empresarios teatrales. Sus teatros se convirtieron en públicos. En los mismos años, la ópera de Glinka A Life for the Tsar se representó en el Teatro Bolshoi (posteriormente se representó en el escenario soviético bajo el nombre de Ivan Susanin). El brillo de los colores musicales, la ingeniosa ligereza de la técnica y la simplicidad clásica también se distinguen por otra ópera de Glinka: Ruslan y Lyudmila, que fue recibida con frialdad por el público. La trama de Pushkin también formó la base de la ópera "Sirena" de A. S. Dargomyzhsky. Esta ópera también tuvo una fría acogida por parte del público, acostumbrado a la música de compositores italianos. 5. Pintura El comienzo del siglo XIX se llama la edad de oro de la pintura rusa. En este momento, los artistas rusos alcanzaron tal nivel de habilidad que pusieron sus obras a la par de los mejores ejemplos del arte europeo. La primacía se quedó con el género histórico. Un conocido retratista de esta época fue O. A. Kiprensky (1782-1836). Su pintura atrae con cálidos tonos dorados en el espíritu del artista holandés Rembrandt. Alrededor de 1808-1809 Kiprensky escribió "Retrato de un niño A. A. Chelishchev". El artista parecía predecir el extraordinario destino de su héroe: a los 15 años ya participó en la Guerra Patria de 1812 y llegó a París. Las imágenes femeninas de Kiprensky tienen una gran profundidad. V. A. Tropinin (1776-1857) nació en una familia de siervos, el conde Morkov. Un carácter fuerte y el amor por el arte lo ayudaron a defender su derecho a hacer lo que ama. En 1823, bajo la presión del público, el conde le dio la libertad a Tropinin. En el mismo año, el artista presentó a la academia las obras "Retrato del artista Skotnikov" (1821), "El anciano mendigo" y "La encajera" (ambas de 1823). Habiendo recibido la libertad, el artista se instaló en Moscú. En el período de los años 20 a los 40. Siglo 1827 el maestro fue inusualmente popular y escribió muchas obras. Entre ellos se encuentran un retrato de Pushkin (1846), muy simple y "hogareño", "Autorretrato con una paleta en el contexto del Kremlin" (XNUMX), etc. El famoso artista S. F. Shchedrin (1791-1830) fue uno de los primeros en descubrir el efecto de color inusual del camino iluminado por la luna, que se hizo muy popular en la pintura rusa a mediados y la segunda mitad del siglo XIX. Su obra anticipó los descubrimientos de los pintores impresionistas franceses. K. P. Bryullov (2-1799) logró encontrar el punto medio entre el clasicismo que dominaba la pintura académica y las nuevas tendencias románticas. El primer trabajo importante de Alexander Ivanov (18-1806), de 1858 años, en una trama de la Ilíada de Homero, "Príamo preguntando a Aquiles por el cuerpo de Héctor" (1824), demostró que dominaba perfectamente el estilo académico de la pintura. En la pintura "La aparición de Cristo a María Magdalena" (1834-1836), las poses y gestos clásicos de los héroes se combinan con la iluminación cristiana de sus rostros, una sensación de milagro. Por esta imagen, Ivanov recibió el título de académico. Durante más de 20 años, el autor ha estado trabajando en la pintura "La aparición de Cristo al pueblo". 6. Arquitectura y escultura En la arquitectura del siglo XIX dominado por el clasicismo. Los edificios construidos en este estilo se distinguen por un ritmo claro y tranquilo, proporciones correctas; claramente cumplen con leyes de composición arquitectónica como: 1) simetría; 2) subrayando el centro; 3) la armonía general de las partes y el todo. Hubo diferencias significativas en la arquitectura de San Petersburgo y Moscú. Incluso a mediados del siglo XVIII. Petersburgo era una ciudad de obras maestras arquitectónicas, inmersa en la vegetación de las haciendas y en muchos aspectos era similar a Moscú. Entonces comenzó la construcción regular de la ciudad a lo largo de las avenidas que la atraviesan, rayos que se desvían del Almirantazgo. El clasicismo de San Petersburgo no es la arquitectura de edificios individuales, sino de conjuntos completos que sorprenden con su unidad y armonía. El trabajo de racionalización del centro de la nueva capital comenzó con la construcción del edificio del Almirantazgo según el proyecto de A. D. Zakharov (1761-1811). La construcción tuvo una importancia fundamental a principios del siglo XIX. el edificio Exchange en la vía de la isla Vasilyevsky. El nuevo edificio unió al resto de conjuntos de esta parte de la ciudad. El diseño de la Bolsa y el diseño de la flecha fueron confiados al arquitecto francés Thomas de Thomon. Nevsky Prospekt, la calle principal de San Petersburgo, ha adquirido la forma de un conjunto único desde su construcción en 1810-1811. Catedral de Kazán. Fue construido sobre el modelo de St. Peter en Roma por el arquitecto A. N. Voronikhin (1759-1814). En 1806, A. N. Voronikhin recibió la orden de reconstruir los edificios del Cuerpo de Cadetes de Minería (desde 1833, el Instituto de Minería). Habiendo preservado los edificios existentes, Voronikhin los unió con una fachada común: estricta, sin detalles decorativos. El edificio está decorado con una serie de obras escultóricas basadas en escenas antiguas, que simbolizan el propósito de esta institución. Fueron realizados por los escultores V. I. Demut-Malinovsky (1779-1846) y S. Pimenov (1784-1833). Durante cuarenta años, desde 1818 hasta 1858, se construyó la Catedral de San Isaac en San Petersburgo, el edificio más grande erigido en Rusia en la primera mitad del siglo XIX. El proyecto fue desarrollado por el arquitecto francés O. Montferrand (1-1786). Los motivos triunfales de la Columna de Alejandro se plasmaron en la decoración escultórica del arco del Edificio del Estado Mayor, que abarcaba la Plaza del Palacio desde el sur. Al mismo tiempo, el edificio del Estado Mayor, construido según el proyecto de K. I. Rossi, parecía repetir los solemnes motivos principales del Almirantazgo, ubicados oblicuamente desde él. Así, el conjunto de Palace Square se conectó con el conjunto de Admiralteisky Prospekt. El trabajo final sobre la formación de conjuntos de San Petersburgo está asociado con el trabajo de K. I. Rossi (1775-1849). Los edificios fueron construidos de acuerdo a su diseño. 1. Senado y Sínodo. 2. Teatro de Alejandría. 3. Palacio Mikhailovsky (ahora el Museo Ruso). No limitándose a la construcción de edificios individuales, el famoso maestro reconstruyó las calles y plazas adyacentes a ellos. Estas obras adquirieron tal envergadura que parecía que Rossi estaba cerca de realizar su sueño: convertir toda la ciudad en una obra de arte. Sin embargo, el arquitecto no tuvo en cuenta las necesidades diarias de las personas que vivían en la ciudad y sus creaciones comenzaron a convertirse en decoraciones grandiosas. Las manifestaciones del clasicismo de Moscú fueron características de los edificios individuales. Incluso el incendio de 1812 no eliminó la diversidad de las calles de Moscú, la pintoresca aleatoriedad de los edificios. En 1813, se organizó la Comisión para la Restauración de Moscú, que se dedicó a la reestructuración de la ciudad durante treinta años. En el mismo año, O. I. Bove (1784-1834) regresó a Moscú de la milicia popular y recibió el cargo de arquitecto. En las primeras décadas del siglo XIX. Moscú ha adquirido un nuevo aspecto. Y en esto, junto a Osip Bove, jugó un papel importante Domenico Gilardi (1785-1845). La primera gran obra del arquitecto fue la restauración de la Universidad de Moscú tras el incendio de 1812. Gilardi mantuvo la composición del edificio construido por M. F. Kazakov, pero cambió la fachada. Al mismo tiempo, el arquitecto Stasov continuó su trabajo. Sus edificios más famosos fueron dos iglesias de San Petersburgo: la Catedral de la Transfiguración y la Trinidad. Para la Catedral de la Transfiguración (1827-1829), el arquitecto eligió una forma de cubo simple y expresiva. Al diseñar la Catedral de la Trinidad (1828-1835), el maestro no podía desviarse de las formas de las antiguas iglesias del siglo XVIII. Como resultado, levantó un edificio cruciforme, completando cada uno de los antepechos de la cruz con un pórtico de 6 columnas y coronándolo con una pequeña cúpula sobre un tambor liso. Stasov ocupó un lugar especial en la arquitectura rusa de la primera mitad del siglo XIX, demostrando que una solución arquitectónica brillante no depende del propósito del edificio. En 1839-1852. Según el proyecto del arquitecto alemán Leo Klenze, se construyó el edificio del Nuevo Hermitage en San Petersburgo. El equilibrio tranquilo de sus partes, la decoración en estilo griego moderno, los poderosos atlantes de granito en la entrada, todo esto creó una imagen impresionante del museo, un depósito de obras maestras del arte mundial. K. A. Ton (1794-1881) en su trabajo trató de revivir las tradiciones de la arquitectura rusa antigua. Construyó iglesias de 5 cúpulas con ventanas estrechas y redondeadas, utilizó decoración rusa y bizantina. Todo ello sujeto a las estrictas proporciones y simetría del clasicismo, que Tone no pudo rechazar. A Nicolás I le gustaron las obras de Ton. En 1838-1849. bajo su liderazgo, se construyó el Gran Palacio del Kremlin. En 1839, a orillas del río Moskva, se colocó la Catedral de Cristo Salvador para conmemorar la liberación de Rusia de la invasión napoleónica. La escultura también floreció. Se erigió un monumento a Minin y Pozharsky en la Plaza Roja, obra de IP Martos (1754-1835). Siguiendo las tradiciones del clasicismo, el escultor vistió a sus héroes con ropajes antiguos. En los años 40-50. Siglo 1805 Nevsky Prospekt estaba adornada con esculturas de bronce de PK Klodt (1867-XNUMX) "Damadores de caballos", instaladas en los cimientos del puente Anichkov que cruza el Fontanka. El monumento a Nicolás I en la Plaza de San Isaac en San Petersburgo también pertenece a Klodt. CONFERENCIA N° 9. Cultura de la segunda mitad del siglo de oro 1. Características generales de la época 2ª mitad del siglo XIX - el momento de la aprobación final y consolidación de las formas y tradiciones nacionales en el arte ruso. A mediados del siglo XIX. Rusia experimentó graves trastornos: la guerra de Crimea de 1853-1856 terminó en derrota, el emperador Nicolás I murió, Alejandro ascendió al trono // llevó a cabo la ansiada abolición de la servidumbre y otras reformas. Años de gobierno 1855-1881. El "tema ruso" se hizo popular en el arte. La cultura rusa no estaba aislada dentro de las fronteras nacionales, no estaba separada de la cultura del resto del mundo. Los logros del arte extranjero resonaron en Rusia. A su vez, la cultura rusa, principalmente la literatura y la música, recibió reconocimiento mundial. La cultura rusa ha ocupado un lugar de honor en la familia de las culturas europeas. 2. Educación El sistema existente de educación pública no satisfizo el desarrollo social y económico del país. La baja tasa de alfabetización de la población general y la escasez de profesionales educados señalaron la necesidad de un cambio. Por lo tanto, la reforma de la educación pública se convirtió en parte integral de las reformas de la década de 1860. La era de la liberación dio un fuerte impulso al desarrollo cultural de Rusia, contribuyó a un crecimiento sin precedentes en el número de escuelas rurales y urbanas. El legado de la era de los siervos fue el bajo nivel de alfabetización de la gente. Incluso en San Petersburgo a finales de los 60. Siglo 7 la proporción de analfabetos (excluidos los niños menores de 44 años) era del 1871%. En Moscú, según el censo de 55, el XNUMX% eran analfabetos. Sobre el tema de la educación secundaria, hubo una larga discusión entre los partidarios de la escuela real y la clásica. Los partidarios de la dirección clásica ganaron la partida, confiando en los ministros conservadores de educación pública D. A. Tolstoy e I. D. Delyanov. El "Reglamento sobre las escuelas públicas primarias" del 14 de junio de 1864 introdujo, además de las escuelas estatales, zemstvo y dominicales. La carta de gimnasios y progimnasios, aprobada el 19 de noviembre de 1864, dividió las instituciones de educación secundaria (gimnasios) en clásicas y reales con un período de estudio de 7 años. Las tasas de matrícula eran bastante altas. En 1865 había 96 gimnasios, a mediados de la década de 1890. - alrededor de 600. En 1897, la tasa de alfabetización promedio era del 21,1%. Al mismo tiempo, había 2 veces más personas alfabetizadas en la ciudad que en el campo. La alfabetización fue más común entre los hombres (29,3%) que entre las mujeres (13,1%). El 18 de junio de 1863 se aprobó una nueva carta para las universidades. Se restableció el autogobierno universitario. En el período posterior a la reforma, se abrieron nuevas universidades en: 1) Odesa; 2) Varsovia; 3) Tomsk. Las universidades enseñaron a científicos tan eminentes como: 1) A. M. Butlerov; 2) D. I. Mendeleiev; 3) I. M. Sechenov; 4) S. M. Soloviev; 5) K. A. Timiryazev y otros. El estatuto universitario del 23 de agosto de 1884 abolió efectivamente la autonomía de las universidades. En 1858 también aparecieron los gimnasios femeninos. Antes de esto, las mujeres no podían ingresar a las universidades. En las décadas de 1860 y 70. los primeros cursos superiores para mujeres con programa universitario se organizaron en Moscú (Prof. V. I. Guerrier) y en San Petersburgo (Prof. K. N. Bestuzhev-Ryumin). Después de 1881, nuevamente se produjeron cambios en el campo de la educación. Y la infame circular del Ministerio de Educación Pública del 5 de junio de 1887 ("sobre los hijos de la cocinera") introdujo una restricción a la entrada al gimnasio para impedir "la entrada de los hijos de cocheros, lacayos, cocineras, lavanderas, pequeños comerciantes, etc. de personas”; se han elevado las tasas de matrícula. Después del permiso en 1858 para discutir en la prensa los problemas de la vida pública y las actividades gubernamentales, el número de publicaciones periódicas y títulos de libros aumentó dramáticamente. Las "Reglas provisionales", aprobadas el 12 de mayo de 1862, permitieron incluso la impresión de materiales críticos en ediciones costosas que eran inaccesibles para la gente común. Pero dado que el fiscal jefe y censor K.P. Pobedonostsev estaba profundamente preocupado por las bibliotecas y las salas de lectura, en 1888 se revisó el catálogo de libros permitidos para distribuir a los lectores. 3. Ciencia 2ª mitad del siglo XIX se convirtió en un período de nuevos descubrimientos destacados de la ciencia rusa, para cuyo desarrollo se crearon condiciones favorables. Se han reactivado los contactos entre científicos rusos y colegas de Europa occidental. I. M. Sechenov 1829-1905) sentó las bases de la fisiología rusa. II Mechnikov (1845-1916) fundó la escuela de microbiología y patología comparada. K. A. Timiryazev (1843-1920), investigando el proceso de fotosíntesis, sentó las bases de la escuela rusa de fisiología vegetal. 60-70 Siglo 1869 llamada la edad de oro de la química rusa. El mayor descubrimiento de esta época fue la ley periódica de los elementos químicos (1834), descubierta por D. I. Mendeleev (1907-1828) y registrada por él en forma de tabla. A. M. Butlerov (1886-XNUMX) desarrolló la teoría fundamental de la estructura química. Los descubrimientos en el campo de la tecnología dieron fama mundial a los científicos rusos. Estos son los inventos de P. N. Yablochkov (1847-1894): una lámpara de arco y un sistema de iluminación eléctrica desarrollado por él; A. N. Lodygina (1847-1923) - una lámpara incandescente eléctrica; A. F. Mozhaisky (1825-1890) - el primer avión patentado del mundo (1881). AF Mozhaisky estudió el vuelo de los pájaros, hizo modelos y en 1881 comenzó a construir un avión con dos motores de vapor con una capacidad de 20 y 10 caballos de fuerza. P. L. Chebyshev (1821-1894) realizó importantes descubrimientos en el campo del análisis matemático, la teoría de números y la teoría de probabilidades. Sentó las bases de la escuela matemática de Petersburgo. A. G. Stoletov (1839-1896) desempeñó un papel destacado en el desarrollo de la física. Posee una serie de estudios en el campo de los fenómenos fotoeléctricos, posteriormente utilizados en la creación de tecnología electrónica moderna. El descubrimiento de importancia mundial fue la invención del radiotelégrafo. A. S. Popov (1859-1905), que se ocupó de este problema, no pudo realizar completamente sus ideas: los intentos de establecer comunicaciones por radio en la marina se toparon con el escepticismo y la incomprensión del comando. Los logros de los científicos rusos en el campo de la investigación geográfica fueron de particular importancia. Los viajeros rusos visitaron lugares donde ningún europeo había pisado antes. En la 2ª mitad del siglo XIX. sus esfuerzos se centraron en explorar el interior de Asia. P. P. Semenov-Tyan-Shansky (1827-1914), jefe de la Sociedad Geográfica Imperial Rusa, exploró el Tien Shan, organizó una serie de importantes expediciones a Asia Central (N. M. Przhevalsky), a Nueva Guinea (N. N. Miklukho -Maclay), etc. . La ciencia geográfica mundial en esos años se basó en gran medida en los logros de los investigadores rusos. A finales del siglo XIX. terminó la era de los descubrimientos geográficos. Y solo las extensiones heladas del Ártico y la Antártida aún guardan muchos de sus secretos. La epopeya heroica, en la que los investigadores rusos tomaron parte activa, continuó a principios del siglo XX. S. M. Solovyov (1820-1879) y su alumno V. O. Klyuchevsky (1841-1911) trabajaron activamente en el campo de la ciencia histórica. En filosofía, se crearon escritos originales: 1) V. S. Soloviev; 2) K. N. Leontiev; 3) S. N. Trubetskoy. En la 2ª mitad del siglo XIX. Los científicos rusos han logrado un éxito significativo en varias ramas del conocimiento. Moscú y San Petersburgo se encuentran entre los centros científicos del mundo. 4. Literatura y pensamiento social Ficción de la segunda mitad del siglo XIX. continuó las tradiciones de A. S. Pushkin y N. V. Gogol. El choque de ideas, los problemas morales, los nuevos fenómenos en la vida pública, el camino del desarrollo de Rusia: estos y otros temas preocuparon a los héroes de las obras de I. S. Turgenev, F. M. Dostoevsky, L. N. Tolstoy. en la década de 2 aparecieron las primeras historias de A.P. Chekhov. El tema de la gente fue central en el trabajo de N. A. Nekrasov. Sutiles obras líricas fueron creadas por A. A. Fet, F. I. Tyutchev. En el último cuarto del siglo XIX. Los periódicos comienzan a circular ampliamente en Rusia. Sin embargo, las revistas siguieron siendo el tipo principal de publicaciones basadas en el tiempo. A finales del siglo XIX. También aparecieron periódicos en las provincias. El negocio de la publicación de libros se convirtió en una rama cada vez más creciente del espíritu empresarial. Algunas editoriales buscaron dar a sus actividades un enfoque educativo. ID Sytin (1851-1934) comenzó con la publicación de grabados populares, libros de sueños, oráculos. Luego comenzó a imprimir cartillas, calendarios, ficción y literatura de divulgación científica, a muy bajo precio, contando con la demanda masiva. A finales del siglo XIX. dos editoriales (F. A. Brockhaus (Leipzig) e I. A. Efron (Petersburg)) decidieron publicar en Rusia una enciclopedia alemana en ruso con una pequeña adición de material nuevo. Sin embargo, como resultado, los editores crearon una enciclopedia rusa independiente. El "Diccionario enciclopédico" de Brockhaus y Efron, en 82 volúmenes, se publicó en 1890-1907. y se convirtió en la mejor enciclopedia rusa. 5. Museos. Teatro. Música La Galería Estatal Tretyakov en Moscú es una de las mayores colecciones de bellas artes rusas, un centro cultural nacional de fama mundial. El museo lleva el nombre del fundador, el comerciante moscovita P. M. Tretyakov (1832-1898), quien donó su galería de arte a la ciudad en 1892, así como una pequeña colección de su hermano y una casa que comenzó a ser reconstruida en un edificio del museo Tretyakov quería crear un museo público de arte nacional, dando "una imagen completa de nuestra pintura". En 1881 se abrió a los visitantes. Los principales teatros del país en la segunda mitad del siglo XIX. Aún quedaban Pequeños y Alejandrinos. Actores y actrices talentosos, P. A. Strepetova, M. N. Ermolova, actuaron en el escenario. A finales de los 70. Siglo XNUMX comienza la actividad teatral del director K. S. Stanislavsky. Pintura y vida musical de la segunda mitad del siglo XIX. marcado por la aparición de nuevos talentos que dieron fama mundial al arte ruso. Sus puntos de vista estéticos fueron influenciados por las ideas del movimiento democrático de las décadas de 2 y 1850. En 60, un grupo de estudiantes de la Academia de las Artes, que abandonaron sus muros ("revuelta del 1863"), organizaron el "Artel de los Caminantes". Las mismas ideas inspiraron a los participantes del Círculo Musical de San Petersburgo: 1) M.A. Balakireva; 2) MP Mussorgsky; 3) N. A. Rimsky-Korsakov. Un lugar especial en la música rusa está ocupado por P. I. Tchaikovsky, autor: 1) óperas; 2) ballets; 3) obras sinfónicas y de cámara. En los años 60. Siglo 1836 en San Petersburgo, un pequeño grupo de compositores se reunió y se dispuso a continuar el trabajo de M. I. Glinka. Posteriormente, este grupo, según la acertada expresión del crítico de arte VV Stasov, se denominó "Mighty Handful". Su principal organizador y teórico fue M. A. Balakirev (1910-XNUMX). Además de él, el "Mighty Handful" incluía: 1) MP Mussorgsky; 2) N. A. Rimsky-Korsakov; 3) A. P. Borodin; 4) C. A. Cui. La actividad del "Mighty Handful" es un fenómeno tan llamativo en la cultura rusa que los contemporáneos hablaron de él como una "revolución musical" de las décadas de 1860 y 70. Habiendo hecho frente a la tarea con brillantez, el "Mighty Handful" finalmente aprobó el inicio nacional ruso en la música. P. I. Tchaikovsky (1840-1893) no fue incluido en el "Mighty Handful". Gravitó hacia formas musicales paneuropeas, aunque sin duda su obra pertenece a la escuela rusa. Su talento se manifestó especialmente brillantemente en los poemas sinfónicos "Romeo y Julieta", "La tempestad". Los ballets de Tchaikovsky ("El lago de los cisnes", "La bella durmiente", "El cascanueces") se han convertido en clásicos del ballet mundial. 6. Pintura El 9 de noviembre de 1863, un nutrido grupo de graduados de la Academia de las Artes se negó a escribir obras competitivas sobre el tema propuesto de la mitología escandinava. 14 estudiantes de la clase de historia solicitaron desafiantemente abandonar la Academia. Al encontrarse sin talleres y sin dinero, los rebeldes se unieron en una especie de comuna: el "Artel de los Artistas", encabezado por el pintor I. N. Kramskoy (1837-1887). Los trabajadores de Artel recibieron órdenes para la realización de varias obras de arte, vivían en la misma casa, se reunían en una sala común para conversar, discutir sobre pinturas y leer libros. Esta organización organizó exposiciones anuales, las mostró en diferentes ciudades de Rusia y distribuyó ingresos entre los miembros de la Asociación. Siete años más tarde se disolvió, pero en ese momento nació la "Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante", una asociación profesional y comercial de artistas que se mantuvieron en posiciones ideológicas cercanas. A mediados de los 90. siglo 1917 La asociación ha perdido su papel. En total, hasta 45 se realizaron 48 exposiciones; el último, el 1923, se dispuso en XNUMX. El mayor de los Wanderers, que trabajó en el género doméstico, fue G. G. Myasoedov (1834-1911). La obra que le reportó mayor éxito es Zemstvo está almorzando (1872). La pintura más famosa de otro Wanderer - V. M. Maksimov (1844-1911) - "La llegada de un hechicero a una boda campesina" (1875). Es evidente el significado acusatorio del cuadro (en aquella época era casi un requisito obligatorio para una obra de arte), que evidenciaba la superstición y la falta de ilustración del campesinado. VE Makovsky (1846-1920) trabajó casi exclusivamente en la pintura de género. En una de sus mejores obras, "En el bulevar" (1886-1887), el artista representó un lugar específico: el bulevar Tverskoy en Moscú. N. A. Yaroshenko (1846-1898) también pintó bastantes lienzos, pero la pintura "La vida en todas partes" (1887-1888) le dio fama. I.K. Aivazovsky (1817-1900), cuando aún era estudiante, eligió el paisaje marino como tema principal de su obra. Al establecerse en Feodosia, creó las mejores obras, la más famosa: "La novena ola" (1850). Otra obra destacada de Aivazovsky es El Mar Negro (1881). El artista a menudo pintaba de memoria y podía crear una pintura en dos horas. Poseía los talentos de un arquitecto, músico, poeta y arqueólogo. Las joyas antiguas que desenterró en Crimea todavía se conservan en el Hermitage. A. K. Savrasov logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un paisaje ruso simple. Su pintura "Han llegado los grajos" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran de nuevo su naturaleza nativa. I. I. Shishkin (1832-1898) se convirtió en el cantante del bosque ruso, la latitud épica de la naturaleza rusa. AI Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luz y aire. La pintura de paisajes rusa del siglo XIX alcanzó su pináculo. alcanzado en el trabajo del alumno de A. K. Savrasov I. I. Levitan (1860-1900). En la segunda mitad del siglo XIX. cuenta del florecimiento creativo de I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov. 7. Arquitectura y escultura En la 2ª mitad del siglo XIX. en relación con la expansión del uso del hierro y el vidrio, el comienzo del uso del hormigón, los arquitectos se centraron en la funcionalidad de los edificios. En la 2ª mitad del siglo XIX. la arquitectura y la escultura estaban en crisis. El realismo dominó el arte. Los arquitectos recurrieron a las tradiciones históricas, pero en la práctica esto condujo a una mezcla de diferentes estilos. Tal mezcla de diferentes géneros en una sola obra se llama eclecticismo. En este momento, la apariencia de las ciudades está cambiando rápidamente. Las casas de vecindad ocupaban las calles centrales, desplazando a las mansiones. Teatros, museos, bancos, grandes almacenes y estaciones de tren rivalizaban con templos y palacios en tamaño y abundancia de decoración. Al mismo tiempo, siguiendo la moda de Europa occidental, comenzaron a construirse galerías comerciales en Rusia. La construcción del pasaje animaba toda la manzana, ya lo largo de ella, como en un bulevar, se podía caminar de una calle a otra. En 1889-1893. Las filas comerciales superiores se construyeron en Moscú (arquitecto A. N. Pomerantsev). Se observaron tendencias similares en el campo de la escultura. A finales de los años 50. Siglo 1862 Se anunció un concurso para la creación de un monumento al Milenio de Rusia. Se suponía que iba a ser erigido en Novgorod en 1835. M. O. Mikeshin (1896-1880) se convirtió en el ganador de la competencia. El escultor logró el éxito solo abandonando la monumentalidad. Tal es el famoso monumento a A. S. Pushkin en el bulevar Tverskoy en Moscú (1838) por Alexander Mikhailovich Opekushin (1923-XNUMX). El monumento es pequeño; Esta es una obra no pensada para un espacio amplio. El poeta está de pie, pensando, en una pose libre. El escultor logró transmitir un momento de inspiración y hacer que la modesta apariencia de Pushkin fuera sublime y hermosa. CONFERENCIA No. 10. Cultura rusa de la Edad de Plata. 1. Características generales de la cultura de la Edad de Plata Cultura rusa de finales del siglo XIX - principios del XX. recibió el nombre de la Edad de Plata (término N. A. Berdyaev). Durante este período, hubo un encuentro de dos corrientes culturales diferentes: por un lado, prevalecieron las tradiciones provenientes del siglo XIX, por otro lado, apareció una tendencia a la búsqueda de formas no tradicionales. Una característica de esta época fue el hecho de que las escuelas que se apartaban de los temas sociopolíticos en el arte a menudo se consideraban representantes de la oposición (A. Blok y A. Bely, M. Vrubel, V. Meyerhold). Aquellos que continuaron conscientemente las tradiciones clásicas fueron vistos como portavoces de las ideas democráticas generales. A principios de siglo, surgieron muchas asociaciones artísticas en Rusia: el Mundo del Arte, la Unión de Artistas Rusos, etc. Aparecieron las llamadas colonias artísticas: Abramtsevo y Talashkino, que reunieron a pintores, arquitectos y músicos bajo un mismo techo. . En arquitectura se está impulsando el estilo Art Nouveau. Un rasgo característico de la cultura de principios del siglo XX fue el surgimiento y la rápida difusión de la cultura de masas urbana. El ejemplo más llamativo de este fenómeno fue el éxito sin precedentes de un nuevo tipo de espectáculo: el cine. 2. Educación y ciencia El crecimiento de la industria creó una demanda de personas educadas. Sin embargo, el nivel de educación ha cambiado ligeramente: el censo de 1897 registró 21 personas alfabetizadas por cada 100 habitantes del imperio, y en el Báltico y Asia Central, entre las mujeres y en el pueblo, este nivel era más bajo. Las asignaciones gubernamentales para la escuela aumentaron de 1902 a 1912. más de 2 veces. Desde principios de siglo, se ha planteado la cuestión de la educación primaria obligatoria (fue adoptada a nivel legislativo en 1908). Después de la revolución de 1905-1907. hubo una cierta democratización de la educación superior: se permitieron las elecciones de decanos y rectores, comenzaron a formarse organizaciones estudiantiles. El número de instituciones de educación secundaria y superior creció rápidamente: en 1914 había más de 200. Se fundó la Universidad de Saratov (1909). En total, para 1914 había unas 100 universidades en el país con 130 mil estudiantes. En general, el sistema educativo no respondía a las necesidades del país. No había continuidad entre los distintos niveles educativos. en las humanidades a principios del siglo XX. se produce un punto de inflexión importante. Las sociedades científicas comenzaron a unir no solo a la élite científica, sino también a los aficionados, todos los que quieran participar en actividades de investigación. Los más famosos fueron: 1) geográfico; 2) histórico; 3) sociedades arqueológicas y otras. El desarrollo de las ciencias naturales tuvo lugar en estrecho contacto con la ciencia mundial. El fenómeno más llamativo es el surgimiento del pensamiento religioso y filosófico ruso, un atributo de la filosofía rusa. Escuela histórica rusa a principios del siglo XX. ganado el reconocimiento mundial. Los estudios de A. A. Shakhmatov sobre la historia de la crónica rusa, V. Klyuchevsky (período anterior a Petrino de la historia rusa) se han vuelto ampliamente conocidos en el mundo. Los logros en la ciencia histórica también están asociados con nombres: 1) P. N. Milyukov; 2) N. P. Pavlov-Silvansky; 3) A. S. Lappo-Danilevsky y otros. La modernización del país también requirió una nueva afluencia de fuerzas en la esfera de las ciencias naturales. Se abrieron nuevos institutos técnicos en Rusia. Los científicos de clase mundial fueron el físico P. N. Lebedev, los matemáticos y mecánicos N. E. Zhukovsky y S. A. Chaplygin, los químicos N. D. Zelinsky e I. A. Kablukov. Moscú y San Petersburgo se han convertido en capitales científicas reconocidas del mundo. A principios de siglo, el "descubrimiento" geográfico de Rusia aún continuaba. Enormes extensiones inexploradas animaron a científicos y viajeros a realizar arriesgadas expediciones. Los viajes de V. A. Obruchev, G. Ya. Sedov, A. V. Kolchak ganaron gran popularidad. V. I. Vernadsky (1863-1945), enciclopedista, uno de los fundadores de la geoquímica, la doctrina de la biosfera, que más tarde formó la base de su idea de la noosfera, o la esfera de la mente planetaria, se encuentra entre los famosos científicos de esta época. En 1903, se publicó el trabajo del creador de la teoría de la propulsión de cohetes, K. E. Tsiolkovsky (1875-1935). Los trabajos de N. E. Zhukovsky (1847-1921) e I. I. Sikorsky (1889-1972) en la construcción de aviones, I. P. Pavlov, I. M. Sechenov y otros fueron de gran importancia. 3. Literatura. Teatro. Cine El desarrollo de la literatura estuvo en línea con las tradiciones de la literatura clásica rusa del siglo XIX, cuya personificación viviente fue L. N. Tolstoy. Literatura rusa de principios del siglo XX. representado por los nombres de A. P. Chekhov, M. Gorky, V. G. Korolenko, A. N. Kuprin, I. A. Bunin, etc. Principios del siglo XNUMX Fue el apogeo de la poesía rusa. Nacieron nuevas tendencias: acmeísmo (A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov), simbolismo (A. A. Blok, K. D. Balmont, A. Bely, V. Ya. Bryusov), futurismo (V. V. Khlebnikov, V. V. Mayakovsky) y otros. Este período se caracterizó por rasgos tales como: 1) pensamiento modernista de los creadores de cultura; 2) fuerte influencia del abstraccionismo; 3) mecenazgo. La prensa periódica ha adquirido gran importancia en la vida de la sociedad rusa. La liberación (1905) de la prensa de la censura preliminar contribuyó a un aumento en el número de periódicos (finales del siglo XIX - 105 diarios, 1912 - 1131 periódicos en 24 idiomas) y un aumento en su circulación. Las editoriales más grandes, I. D. Sytin, A. S. Suvorin, "Knowledge", produjeron ediciones baratas. Cada movimiento político tenía sus propios órganos de prensa. La vida teatral también fue rica, donde los teatros Bolshoi (Moscú) y Mariinsky (Petersburgo) ocuparon los primeros puestos. En 1898, K. S. Stanislavsky y V. N. Nemirovich-Danchenko fundaron el Teatro de Arte de Moscú (originalmente el Teatro de Arte de Moscú), en cuyo escenario se representaron obras de Chéjov, Gorki y otros. A principios del siglo XX. La atención de la comunidad musical se centró en el trabajo de compositores rusos tan talentosos como: 1) A. N. Skryabin; 2) N. A. Rimsky-Korsakov; 3) S. V. Rachmaninov; 4) I. F. Stravinsky. Particularmente popular entre varios segmentos de la población urbana fue el que apareció a finales de los siglos XIX y XX. cine; en 1908 se estrenó el primer largometraje ruso "Stenka Razin". Para 1914 se habían producido más de 300 pinturas en el país. 4. Pintura En las artes visuales, había una tendencia realista -I. E. Repin, la Asociación de Exposiciones Itinerantes- y tendencias vanguardistas. Una de las tendencias fue un llamado a la búsqueda de la belleza original nacional: las obras de M. V. Nesterov, N. K. Roerich y otros.El impresionismo ruso está representado por las obras de V. A. Serov, I. E. Grabar (Unión de Artistas Rusos), K. A Korovina , P. V. Kuznetsova ("Golubayaroza") y otros. En las primeras décadas del siglo XX. artistas unidos para organizar exposiciones conjuntas: 1910 - la exposición "Jota de diamantes" - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, R. R. Falk, A. V. Lentulov, D. D. Burliuk y otros artistas famosos de este período - K. S. Malevich, M. 3. Chagall, V. E. Tatlin. Un papel importante en el desarrollo de los artistas tuvo contactos con el arte occidental, una especie de "peregrinaje a París". La dirección artística "World of Art", que surgió a fines del siglo XIX, desempeñó un papel importante en el desarrollo del arte ruso. en petersburgo En 1897-1898. S. Diaghilev organizó y realizó tres exposiciones en Moscú y, con apoyo financiero, creó en diciembre de 1899 la revista "World of Art", que dio nombre al movimiento. "World of Art" abrió la pintura finlandesa y escandinava, los artistas ingleses al público ruso. Como asociación literaria y artística integral, el "Mundo del Arte" existió hasta 1904. La reanudación del grupo en 1910 ya no pudo devolverle su papel anterior. Los artistas A. N. Benois, K. A. Somov, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, L. S. Bakst y otros se unieron en torno a la revista. , directores de teatro y decoradores, escritores. Los primeros trabajos de M. V. Nesterov (1862-1942), quien se consideraba alumno de V. G. Perov y V. E. Makovsky, se realizaron sobre temas históricos de manera realista. La obra central de Nesterov es "Visión del joven Bartolomé" (1889-1890). K. A. Korovin (1861-1939) a menudo se llama un "impresionista ruso". De hecho, de todos los artistas rusos de finales de los siglos XIX-XX. dominó por completo algunos de los principios de esta dirección: una percepción alegre de la vida, el deseo de transmitir sensaciones fugaces, un juego sutil de luz y color. El paisaje ocupó un gran lugar en la obra de Korovin. El artista también pintó bulevares parisinos ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906), y espectaculares vistas al mar y la naturaleza de Rusia Central. Korovin trabajó mucho para el teatro, diseñó actuaciones. El arte de V. A. Serov (1865-1911) es difícil de atribuir a una dirección específica. En su obra hay lugar tanto para el realismo como para el impresionismo. Sobre todo, Serov se hizo famoso como retratista, pero también fue un excelente pintor de paisajes. Desde 1899, Serov participó en exposiciones de la asociación "World of Art". Bajo su influencia, Serov se interesó en el tema histórico (la era de Pedro I). En 1907 realizó un viaje a Grecia (cuadros "Odiseo y Nausicaa", "El rapto de Europa", ambos de 1910). El gran artista ruso M. A. Vrubel (1856-1910) es ampliamente conocido. La originalidad de su manera pictórica consistió en el aplastamiento interminable de la forma al borde. M. A. Vrubel es el autor de chimeneas de azulejos con héroes rusos, bancos con sirenas, esculturas ("Sadko", "Snow Maiden", "Berendey", etc.). Nativo de Saratov, V. E. Borisov-Musatov (1870-1905) trabajó mucho al aire libre (en la naturaleza). En sus bocetos, trató de capturar el juego de aire y color. En 1897, pintó el boceto Agave, y un año después apareció Autorretrato con hermana. Sus personajes no son personas específicas, el propio autor los inventó y los vistió con camisolas, pelucas blancas, vestidos con crinolinas. Las pinturas revelan un mundo poético e idealizado de viejos y tranquilos "nidos nobles", lejos de la confusión general de la era crítica moderna. 5. Arquitectura y escultura En arquitectura, se ha generalizado un nuevo estilo: moderno con su característico deseo de enfatizar el propósito de los edificios residenciales y públicos. Hizo un uso extensivo de: 1) frescos; 2) mosaico; 3) vidrieras; 4) cerámica; 5) escultura; 6) nuevos diseños y materiales. El arquitecto F. O. Shekhtel (1859-1926) se convirtió en un cantante del estilo Art Nouveau, el florecimiento de la arquitectura de este estilo en Rusia está asociado con su nombre. Durante su vida creativa, construyó una cantidad extraordinaria: mansiones urbanas y casas de campo, edificios residenciales de varios pisos, edificios comerciales e industriales, bancos, imprentas e incluso baños. Además, el maestro diseñó representaciones teatrales, ilustró libros, pintó iconos, diseñó muebles y creó utensilios para la iglesia. En 1902-1904. F. O. Shekhtel reconstruyó la estación de tren Yaroslavsky en Moscú. La fachada estaba decorada con paneles de cerámica hechos en el taller de Bramtsevo, el interior, con pinturas de Konstantin Korovin. En la primera década del siglo XX, durante el apogeo del Art Nouveau, el interés por los clásicos comenzó a resurgir en la arquitectura. Muchos artesanos utilizaron elementos del orden y la decoración clásicos. Entonces hubo una dirección estilística especial: el neoclasicismo. A la vuelta de los siglos XIX-XX. se formó una nueva generación de escultores que se opuso a la dirección realista. Ahora se dio preferencia no al detalle cuidadoso de la forma, sino a la generalización artística. Incluso ha cambiado la actitud hacia la superficie de la escultura, en la que se conservaron huellas dactilares o montones del maestro. Interesados en las características del material, a menudo preferían la madera, la piedra natural, la arcilla e incluso la plastilina. Aquí se distinguen especialmente A. S. Golubkina (1864-1927) y S. T. Konenkov, que se convirtieron en escultores de fama mundial. CONFERENCIA No. 11. Cultura rusa de los años 20-30. siglo XNUMX 1. Características generales de la época Vida cultural de la Unión Soviética en las décadas de 1920 y 30. contradictorias: la eliminación del analfabetismo de la población adulta, la familiarización con los logros de la cultura, la presión ideológica, la lucha contra cualquier manifestación de disidencia, la persecución de la religión, la expulsión de personalidades culturales del país y la represión contra los que quedaron. Los escritores y compositores que iniciaron su vida creativa en los años revolucionarios continuaron creando. Al mismo tiempo, existieron diversas corrientes en la literatura y el arte en el país: desde el realismo clásico hasta el modernismo en sus más diversas manifestaciones. La revolución de octubre de 1917 cambió la dirección del desarrollo del arte ruso. En la primera mitad de los años 20. los artistas continuaron con sus experimentos y búsquedas, pero la vida artística estaba bajo una creciente presión ideológica del estado. Muchos maestros se vieron obligados a irse al extranjero, y el resto fue perseguido en la prensa. Desde mediados de la década de 1920. la variedad de direcciones creativas comenzó a desaparecer gradualmente. Las actividades de escritores, artistas, compositores y artistas estaban controladas por las autoridades políticas. Al evaluar obras de literatura y arte, su afiliación partidaria pasó a primer plano. en la década de 1930 en el arte de la URSS se afirma el "Gran estilo". Las delicias de vanguardia resultaron ser completamente innecesarias para la nueva sociedad. Por lo tanto, desde principios de la década de 1930. se observan los primeros signos de un retorno a lo exteriormente tradicional en la cultura. La ideología estatal presentó el realismo socialista como el principal método artístico: arte académico, diseñado para educar a las personas en el espíritu de la moral comunista. En 1932, todas las asociaciones independientes fueron prohibidas por un decreto especial del gobierno y se creó un sistema estatal de uniones creativas: la Unión de Artistas de la URSS, la Unión de Arquitectos de la URSS, etc. 2. Educación y ciencia. Deporte Teóricos del marxismo ruso en la década de 1920. Establecieron un sello ideológico según el cual durante este período tuvo lugar una “revolución cultural”. El censo de población de 1920 reveló que en el país había 54 millones de analfabetos, por lo que la tarea de eliminar el analfabetismo era una de las principales. Se crearon miles de escuelas de alfabetización (escuelas educativas). Junto con la eliminación del analfabetismo, también se resolvieron las tareas de propaganda para consolidar la ideología bolchevique. Este trabajo fue supervisado por el Glavpolitprosvet." La red de clubes de trabajadores, salas de lectura y bibliotecas iba en aumento. Las escuelas del FZU se convirtieron en una nueva forma de formación para los trabajadores. También se formó personal en escuelas técnicas, escuelas especiales y centros de corta duración. cursos. Se han realizado cambios serios en el sistema de educación superior y secundaria especializada en el país. Durante las odas de la guerra civil, se hizo mucho para que las universidades fueran accesibles para los trabajadores. Se cancelaron los exámenes de ingreso y se aceptó a todos los que querían ingresar a las universidades. en la década de 1920 surgió una forma especial de educación superior: las facultades de los trabajadores (facultades de los trabajadores). Se tomaron medidas para cambiar radicalmente los planes de estudio de las instituciones de educación superior y universidades, para sacar de las universidades a los profesores y maestros desleales al gobierno. En 1921, se estableció en Moscú el Instituto de Profesores Rojos (IKP) para formar profesores marxistas en la educación superior. A finales de los años 30. en todas las repúblicas de la unión había instituciones de educación superior, y en todas sus capitales, universidades. En cuanto a la cantidad de estudiantes que estudian en universidades y escuelas técnicas, la Unión Soviética llegó a uno de los primeros lugares en el mundo. La construcción a gran escala se desarrolló durante los años del primer plan quinquenal (1928-1933). En este momento, los institutos pedagógicos, los colegios y las escuelas técnicas produjeron un número significativo de especialistas. El centro de la vida científica era la Academia de Ciencias de Moscú, que reunía a los mejores científicos dentro de sus muros. El gobierno soviético, con el fin de desarrollar la ciencia y aumentar el número de científicos, inició la creación de academias de ciencias republicanas, así como academias de rama (ciencias médicas, etc.). Se organizó toda una red de oficinas de diseño e ingeniería, a través de las cuales se introdujeron las ideas en la producción. Cabe señalar que el Estado apoyó hasta cierto punto las ciencias naturales y técnicas. Las humanidades se encuentran en una posición mucho más difícil. En 1929, la Academia de Ciencias Agrícolas de toda la Unión lleva el nombre de V.I. V. I. Lenin (VASKHNIL, presidente - N. I. Vavilov). Hasta su muerte en 1936, el conocido fisiólogo ruso IP Pavlov continuó con sus investigaciones. El criador I. V. Michurin logró un gran éxito. El Instituto de Genética de la Academia de Ciencias de la URSS, el Instituto de Cultivo de Plantas (VIR), desempeñó un papel destacado en el desarrollo de la ciencia mundial. Sin embargo, muchos científicos destacados pronto fueron reprimidos, incluidos N. I. Vavilov, S. P. Korolev y otros. El desarrollo de áreas científicas prometedoras (genética, etc.) se interrumpió durante mucho tiempo. También se formó el Instituto de Historia. En los años 30. siglo 1 la enseñanza de la historia se está desarrollando en las escuelas secundarias y superiores. El 1934 de septiembre de XNUMX se restauraron las facultades de historia en las universidades de Moscú y Leningrado. El Instituto de Historia, Filosofía y Literatura de Moscú desempeñó un papel importante en la formación de especialistas en humanidades. Los líderes del gobierno soviético también tomaron medidas para desarrollar los deportes: los atletas recibieron órdenes, premios en efectivo y el título de Maestros Honoríficos de Deportes de la URSS. En los años 30. Apareció toda una galaxia de atletas destacados que comenzaron a establecer récords mundiales. 3. Literatura. pensamiento público. Vida publica. Cine. Teatro En 1934, tuvo lugar el primer Congreso de Escritores Soviéticos de toda la Unión. Dos años más tarde, se creó la Unión de Escritores de la URSS bajo la dirección de M. Gorky, y se proclamó el realismo socialista como la única corriente oficial en la literatura soviética. El predominio del realismo socialista en los años siguientes aisló el arte soviético de los logros de la cultura mundial. Creó masivamente varios grupos y asociaciones. Uno de los grupos literarios influyentes, Serapion Brothers (1921), reunió principalmente a escritores en prosa (K. A. Fedin, V. V. Ivanov, M. M. Zoshchenko, V. A. Kaverin). El grupo literario "Pass" se creó en la revista "Krasnaya Nov" (M. Prishvin, V. Kataev). Los miembros del grupo abogaron por la preservación de la continuidad de las tradiciones de la literatura rusa y mundial. En 1924 surgió la Asociación Rusa de Escritores Proletarios (RAPP). Otro grupo literario, el Frente de Izquierda de las Artes (LEF, 1922), incluía a los poetas V. V. Mayakovsky, N. N. Aseev y S. M. Tretyakov. Algunos escritores y poetas destacados no pertenecían a ningún grupo ni asociación. A principios de los años 20. siglo XNUMX la poesía dominaba la literatura. Debido a la falta de papel, se difundió una forma de poesía "oral": 1) veladas literarias; 2) conciertos; 3) disputas. También hay nuevas historias y novelas de grandes maestros de la prosa, por ejemplo, A. N. Tolstoy ("Caminando a través de los tormentos" (1921)). En el contexto de la era revolucionaria, las obras simbolistas y formalistas se generalizaron. El problema del héroe quedó relegado a un segundo plano durante algún tiempo, y los problemas de trama, forma y estilo pasaron a primer plano. En la prosa se ha producido un giro hacia una mayor concreción e individualización de las imágenes. Empezaron a aparecer libros de contenido intimista y detectivesco, y también apareció la prosa social. De la segunda mitad de la década de 1920. las obras literarias comenzaron a llenarse de los mismos clichés, la gama de temas de la trama era limitada. Las novelas satíricas basadas en tramas utópicas sociales aventureras se han generalizado. A los escritores más cercanos a las autoridades se les proporcionaron honorarios elevados, amplios apartamentos y cabañas de verano, y atención médica de alta calidad. Así que el régimen totalitario domesticó a muchas figuras culturales. Comenzó a tomar forma una "intelectualidad artística soviética". Sin embargo, incluso durante estos años, tanto dentro como fuera de la corriente principal, se crearon obras significativas: 1) "Quiet Flows the Don" y la primera parte de "Virgin Soil Upturned" de M. A. Sholokhov; 2) "El Maestro y Margarita" de M. A. Bulgakov; 3) poemas y poemas de A. A. Akhmatova, P. N. Vasiliev, N. A. Klyuev, O. E. Mandelstam, M. I. Tsvetaeva; 4) novelas e historias de A. M. Gorky, A. N. Tolstoy, N. A. Ostrovsky, A. A. Fadeev, I. Ilf y E. Petrov, etc. La transición a la NEP dio vida al movimiento de "Smenovekhovites", que abarcó parte de la intelectualidad rusa (del nombre de la colección sociopolítica de 6 artículos de los autores de la orientación de cadetes: N. V. Ustryalova, Yu. A. Klyuchnikov y otros - "Cambio de hitos"), que reconoció el carácter profundamente ruso de la revolución, notó la coincidencia de los intereses del gobierno soviético y las necesidades del estado ruso. La Iglesia, como portadora de los valores espirituales del pueblo, no pudo conciliarse con el enfoque bolchevique de la cultura y la educación de las masas, que estuvo acompañada de la sustitución de los valores humanos universales por criterios de clase. De ahí la lucha despiadada contra la religión lanzada por el gobierno soviético en las décadas de 1920 y 1930. Todas las denominaciones religiosas extendidas en la URSS fueron perseguidas: 1) Ortodoxia; 2) protestantismo; 3) catolicismo; 4) uniatismo; 5) islamismo; 6) budismo; 7) judaísmo; 8) diversas formas de sectarismo. El cine sigue jugando un papel importante. Directores talentosos, camarógrafos, actores crearon películas que tuvieron un impacto indeleble en la mente de las personas ("Bright Path", "Volga-Volga", "Pig and Shepherd"). Los miembros de la dirección del partido vieron personalmente casi todas las películas estrenadas y fueron los máximos censores. En los escenarios de muchos teatros famosos (MKhAT, Maly Theatre), junto con los clásicos de la década de 1920. se representaron obras de nuevos dramaturgos sobre temas revolucionarios. 4. Pintura El desarrollo del arte también estuvo acompañado por la lucha de varias direcciones. La Asociación de Artistas de la Revolución (AKhR, 1922) fue la organización artística más masiva, que tenía como objetivo desarrollar las tradiciones errantes en el espíritu del "documentalismo artístico". Los miembros de la AHR crearon muchas pinturas hermosas (obras de I. A. Brodsky, E. M. Cheptsov, K. F. Yuon). La AHR, al igual que la RAPP, reivindicó un monopolio en el art. Otra asociación importante: la "Sociedad de Artistas de Caballete" (OST, 1925), organizada por graduados de VKhUTEMAS, buscó crear pinturas que fueran modernas no solo en su contenido, sino también en medios visuales (obras de A. E. Deineka, Yu. N Piménova y otros). La Sociedad de Artistas "4 Arts" (1924) se formó entre los ex miembros de las asociaciones "Blue Rose", "World of Art". Una cultura profesional impecable, el arte, la fidelidad a la tradición y, al mismo tiempo, búsquedas audaces caracterizaron a los miembros de este grupo (obras de P. G. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan y otros). El fundador del suprematismo K. S. Malevich y V. Kandinsky también trabajaron fructíferamente. La forma creativa de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939) es peculiar. Las impresiones de los antiguos íconos rusos y los lienzos del Renacimiento italiano, el Art Nouveau ruso y el fauvismo francés están intrincadamente entrelazados en sus pinturas. El resultado de la búsqueda de Petrov-Vodkin fue una verdadera obra maestra: "Bañando al caballo rojo" (1912). Muy importante para este artista fue la imagen de la madre. Una de las obras más significativas sobre este tema fue la pintura "1918 en Petrogrado" ("Madonna de Petrogrado", 1920). La obra de Marc Chagall (1887-1985), que abarca casi todo el siglo XX, se ha convertido en una de las páginas más interesantes de la pintura tanto rusa como europea. Dominó fácilmente las tradiciones de diferentes países, épocas y estilos, al tiempo que conservaba su letra única. La imagen de su provincia natal y sorprendentemente querida Vitebsk se convirtió en uno de los temas del trabajo de Chagall. V. E. Tatlin (1885-1953) - el artista de la vanguardia rusa, el fundador del constructivismo, quien llamó al proceso de su trabajo: "construcción de materiales", "cultura de materiales", etc. en la década de 1920 varias tendencias artísticas mantuvieron la continuidad con el arte moderno y vanguardista ruso. Por otro lado, surgieron nuevos tipos de actividad artística: el cine, la publicidad, el diseño. La pintura estaba estrictamente controlada. Se valoraron especialmente las pinturas y esculturas de contenido histórico y revolucionario, los retratos de dirigentes y líderes obreros. Muchos artistas se adentraron en la pintura de paisajes, en otros temas neutros, pero incluso allí estaban obligados a observar estrictamente las formas establecidas. Ya en la década de 1920. los críticos notaron el pintoresco "giro hacia el realismo". 5. Arquitectura y escultura Como resultado de la nacionalización de la tierra y las grandes propiedades inmobiliarias en las ciudades, el estado se convirtió en el único cliente de los trabajos de construcción en la Rusia soviética. En la primera década posrevolucionaria, su dictadura ideológica aún no había afectado al arte. Los concursos abiertos, los debates, los proyectos originales y los sistemas de enseñanza en las universidades de arte conformaron una imagen de un auge creativo sin precedentes a finales de los años 1910 y 1920. Arquitectura durante la década de 1920 caracterizado por una intensa búsqueda de nuevos estilos, formas innovadoras. En la primera mitad de la década de 1, cuando la construcción era limitada, se desarrollaron ampliamente los proyectos de varios edificios (casas de habitación, palacios de trabajo, clubes de trabajadores, casas comunales). El desarrollo fue un estilo arquitectónico basado en el llamado constructivismo. El neoclasicismo comenzó a revivir. El plan más grandioso, aunque incumplido, fue la construcción del Palacio de los Soviets en Moscú en el sitio de la Catedral de Cristo Salvador volada. Se suponía que el palacio estaría coronado con una enorme estatua de Lenin. Un ejemplo sorprendente de innovación técnica es la torre de radio de Moscú, erigida en 1922 según el proyecto de V. G. Shukhov (1853-1939). Fue uno de los primeros en utilizar estructuras de malla de acero de doble curvatura - hiperboloides, que tuvieron un gran futuro en la práctica de la construcción mundial. El proyecto de urbanización de la capital anticipó las posteriores ideas urbanísticas de Occidente. En 1929-1930. se desarrolló una animada discusión sobre la instalación en una sociedad socialista, una disputa entre "urbanistas" y "desurbanistas". Los primeros (incluidos A. A. y L. A. Vesnin) propusieron la idea de crear ciudades comunales con viviendas tipo hotel y la socialización completa de todas las formas de servicios culturales y comunitarios, incluida incluso la crianza de los niños. Sus oponentes (M. Ya. Ginzburg y otros) consideraron posible reemplazar las ciudades con una red de carreteras, a lo largo de las cuales los edificios residenciales se extendían en una cinta continua, y detrás de ellos, franjas industriales y agrícolas. Al mismo tiempo, se suponía que cada familia estaría dotada de una casa típica y un automóvil. A principios de los años 30. siglo 1932 en el desarrollo de la arquitectura soviética hubo un punto de inflexión brusco. En XNUMX, todas las asociaciones se fusionaron en la Unión de Arquitectos de la URSS. Aparecieron muchos edificios, desagradablemente llamativos en tamaño y abundancia de decoraciones. Al mismo tiempo, se llevó a cabo una construcción masiva en el país. Se desarrollaron proyectos modelo de edificios residenciales, escuelas e instituciones públicas. El desarrollo de la industria de la construcción tuvo como objetivo principal reducir el costo y acelerar el trabajo: desde 1927 comenzaron a usarse bloques de cemento, en 1940 se construyeron las primeras casas de paneles. En 1935, comenzaron los trabajos a gran escala en la reconstrucción de Moscú (el autor del proyecto fue V. N. Semenov). Para 1941, se reformó el conjunto del centro de Moscú, se actualizó el sistema de arterias de transporte de la ciudad, se construyeron 9 nuevos puentes sobre los ríos Moscú y Yauza y terraplenes de granito, tres líneas de metro, áreas verdes del Gorky Central Se dispuso el Parque de la Cultura y la Recreación. El arte de la escultura adquirió un significado social y político especial en Rusia después de 1917. La propaganda soviética buscaba crear una imagen de la modernidad como una era heroica; un cuento de hadas que se hace realidad ante nuestros ojos. Durante algún tiempo, la escultura soviética aún conservaba ecos del impresionismo, la modernidad y la vanguardia de principios del siglo XX, pero a finales de la década de 1920. el principal punto de referencia para la mayoría de los escultores fueron los clásicos. Aquí, por primera vez, se mostró la composición intensamente dramática de ID Shadr (1887-1941) "Cobblestone: el arma del proletariado"; el majestuoso, inspirado en la imagen del Imperio Ruso, el grupo de A. T. Matveev "Octubre. Obrero, campesino y soldado del Ejército Rojo" y las estatuas de V. I. Mukhina (1889-1953) "Mujer campesina" y "Trabajadora y mujer de granja colectiva (ambos de 1927). CONFERENCIA No. 12. Cultura de la era de la Gran Guerra Patria 1. Características generales de la época Las condiciones en que se desarrolló la cultura durante la Gran Guerra Patria fueron muy difíciles. Faltaba todo: papel, pinturas, mármol, telas, materiales de construcción. Toda la industria fue trasladada urgentemente a una base militar, los edificios y las ciudades fueron destruidos. El inicio patriótico en el arte fue muy fuerte. Numerosas figuras de la cultura llevaron a cabo una importante misión durante los años de la guerra: sus obras crearon un marco propicio en los países aliados para apoyar a la URSS en la lucha contra el fascismo. 2. Educación y ciencia Una condición necesaria para el desarrollo exitoso de la economía nacional del país fue la formación continua de nuevo personal en universidades y escuelas técnicas. En 1941, la admisión a las universidades se redujo a la mitad y su número disminuyó, el número de estudiantes se redujo en 3,5 veces y los períodos de estudio se redujeron a 3 años. Sin embargo, al final de la guerra, el número de estudiantes se acercó al nivel anterior a la guerra. La Academia de Ciencias Pedagógicas de la RSFSR (encabezada por V.P. Potemkin, fundada en 1943) desempeñó un papel importante. La guerra cambió la orientación pacífica del trabajo científico. El 23 de junio de 1941, en una reunión de emergencia, el Presidium de la Academia de Ciencias de la URSS llamó a los científicos a movilizar todas las fuerzas para luchar contra los invasores nazis. Los años de la guerra se convirtieron en una época de soluciones técnicas audaces y originales. En los primeros meses de la Gran Guerra Patriótica, muchos institutos de investigación se vieron obligados a evacuar hacia el este. Durante la evacuación, mantuvieron sus equipos de investigación. El presidium de la Academia de Ciencias de la URSS, evacuado a Sverdlovsk, siguió siendo el núcleo organizador de los científicos del país. Los temas de investigación estuvieron enfocados en las siguientes áreas: 1) desarrollo de problemas técnico-militares; 2) asistencia científica a la industria; 3) Movilización de materias primas. Depósitos de bauxita en los Urales del Sur, tungsteno, molibdeno, cobre, depósitos de manganeso en Kazajstán, grandes reservas de petróleo en Tataria fueron descubiertas y desarrolladas en el menor tiempo posible. Gracias a los geólogos A. E. Fersman, V. A. Obruchev y otros, se exploraron nuevos depósitos de mineral de hierro en Kuzbass, nuevas fuentes de petróleo en Bashkiria. También se han logrado grandes avances en los campos de la biología, la agricultura y la medicina. Los científicos soviéticos encontraron nuevas materias primas vegetales para la industria, buscaron formas de aumentar el rendimiento de los cultivos alimentarios e industriales. Los principales problemas fueron resueltos por científicos médicos. Pero muchos científicos notables continuaron languideciendo en las prisiones y campos del Gulag. Durante los años de guerra, N. I. Vavilov, P. A. Florensky y otros murieron allí. Desde 1943, comenzó a operar en Moscú un laboratorio bajo la dirección de I. V. Kurchatov, que comenzó a desarrollar la fisión de uranio. Y al final de la guerra, S. P. Korolev y Yu. B. Khariton, liberados del campamento, comenzaron a sentar las bases para el desarrollo de la tecnología de cohetes. La contribución de los matemáticos también fue significativa: 1) P. S. Aleksandrova; 2) I. M. Vinogradova. Los físicos A.F. Ioffe, S.I. Vavilov, P.L. Kapitsa, los químicos N.D. Zelinsky, A.E. Favorsky trabajaron activamente para la defensa. El científico A.P. Alexandrov resolvió con éxito el problema de la protección contra minas de los barcos. Durante los años de la guerra, los creadores de las notables armas y equipos militares soviéticos trabajaron fructíferamente. En el curso de la lucha armada, hubo una mejora cualitativa continua de los sistemas de artillería y aviones (autores V. G. Grabin, I. I. Ivanov, F. F. Petrov, B. I. Shavyrin y otros). Los éxitos en la producción de armas pequeñas se lograron con el papel principal de los diseñadores N. E. Berezina, S. V. Vladimirov, S. G. Simonov, F. V. Tokarev. Los científicos soviéticos lograron reducir muchas veces el desarrollo y la implementación de nuevos tipos de armas. Aproximadamente la mitad de todos los tipos de armas pequeñas y la gran mayoría de los nuevos modelos de sistemas de artillería que estaban en servicio con el ejército en 1945 se crearon y se pusieron en serie durante la guerra. Gracias a los esfuerzos de los constructores de tanques soviéticos, especialmente los trabajadores e ingenieros del Ural "Tankograd", la ventaja del enemigo en vehículos blindados se superó con relativa rapidez. Para 1943, la preponderancia de la saturación de las Fuerzas Armadas soviéticas con tanques y artillería autopropulsada comenzó a crecer. Un gran mérito en su creación perteneció a N. A. Astrov, N. L. Dukhov, Zh. Ya. Kotin, M. I. Koshkin, V. V. Krylov y otros. Desde la segunda mitad de 1942, la producción de aviones y motores de aviones ha ido en constante aumento. El avión de ataque Il-2 se convirtió en el avión más masivo de la Fuerza Aérea Soviética. 3. Literatura. Música. Teatro En la confrontación espiritual con los agresores fascistas, nuestra cultura desempeñó su propio papel especial. Un rasgo característico del desarrollo de la cultura es la profundización del interés en la herencia clásica nacional. Y esto no es casualidad. El fascismo con su división de los pueblos en "plenos" e "inferiores" fue un ejemplo de la destrucción del patrimonio cultural de muchos pueblos. En los días de severas pruebas, el periodismo patriótico pasó a primer plano. Los autores se han liberado en gran medida de los estereotipos de los años anteriores a la guerra, sus obras se han vuelto más cercanas y comprensibles para las personas. La poesía experimentó un verdadero auge. El poema más famoso de los tiempos de guerra "Espérame" de K. M. Simonov, los soldados recortados de las páginas de los periódicos, reescritos, pasados de mano en mano. El poema de A. Tvardovsky sobre Vasily Terkin se convirtió en un trabajo sobresaliente, cuyo personaje principal combinó las características de muchas personas reales y personajes de cuentos populares. Un hombre que pensó de manera independiente, un hombre de juicios y acciones independientes, que sintió una conexión profunda con la historia de su pueblo, ganó la guerra. Los poemas de Pushkin y las novelas de Tolstoy, Turgenev, la música de Glinka y Tchaikovsky adquirieron un nuevo significado. En los días más difíciles del sitio de Leningrado, D. Shostakovich creó la ingeniosa Séptima Sinfonía. Actores de drama y teatro musical, artistas pop también contribuyeron a la causa común de la lucha contra el enemigo. Los teatros de primera línea eran muy populares entre los soldados y comandantes. La actividad concertística de músicos y artistas en los frentes y en la retaguardia adquirió gran escala. A los conciertos asistieron L. A. Ruslanova, L. O. Utesov, K. I. Shulzhenko y otros. El tema patriótico se ha convertido en uno de los principales en documentales y largometrajes. Había alrededor de 150 camarógrafos en los frentes durante los años de la guerra. 4. Pintura y arquitectura La pintura de los años de guerra es significativamente diferente de la anterior a la guerra. Hubo etapas en su desarrollo. Al comienzo de la guerra, básicamente arreglando lo que vio. Los planes no siempre tuvieron éxito, las pinturas carecían de profundidad en la divulgación del tema, el poder de generalización. Pero siempre ha habido una gran sinceridad, pasión, admiración por las personas, franqueza y honestidad de visión artística, un deseo de ser extremadamente concienzudo y preciso. El laconismo, la simplicidad de los medios visuales, pero también una cierta franqueza son características de las pinturas de trama de 1941-1942. Un punto brillante sobre un fondo oscuro es la figura de una mujer en la pintura de S. Gerasimov "Madre de un partisano" (1943). A. Deineka persigue el mismo objetivo en la película "Defensa de Sebastopol" (1942). Aunque el espectador sabe que Sebastopol fue abandonada por nuestras tropas, estos marineros que luchan hasta la muerte son percibidos como ganadores. Los maestros más antiguos V. N. Baksheev, N. Krymov, A. N. Kuprin, I. E. Grabar también trabajaron en el género del paisaje durante los años de guerra. Estos años también conservaron paisajes casi documentales, que con el tiempo se convirtieron en un género histórico, como “Desfile en la Plaza Roja el 7 de noviembre de 1941”. K. F. Yuon (1942), quien capturó ese día memorable para todos los soviéticos, cuando los soldados iban directamente desde la plaza cubierta de nieve a la batalla. "Leningrado en los días del bloqueo y la liberación": este es el nombre de una serie de más de tres docenas de autolitografías de A.F. Pakhomov (1908-1973), que comenzó en 1941 y completó después de la guerra. El propio Pakhomov sobrevivió al bloqueo y sus dibujos están llenos de sentimiento trágico y admiración por el coraje de sus compatriotas. El mundo entero giró alrededor de su dibujo "En el Neva por agua", que representa a niñas envueltas, extrayendo agua del Neva con sus últimos esfuerzos. En primer lugar, se desarrolla el retrato, porque los artistas buscaron transmitir el carácter heroico de nuestro hombre. Al principio, estos eran retratos extremadamente modestos, que solo fijaban las características de un hombre en tiempos de guerra: los partisanos bielorrusos F.A. Modorov y los soldados del Ejército Rojo V.N., Yakovlev. Más tarde, aparecieron imágenes ceremoniales, solemnes, a veces incluso patéticas, como, por ejemplo, el retrato del mariscal G.K. Zhukov de P. Korin (1945). P. Konchalovsky trabajó mucho en el género del retrato durante los años de la guerra. Crea personajes optimistas y amantes de la vida en su forma decorativa habitual. Los retratos de la intelectualidad pintados durante los años de guerra por M. Saryan son de particular importancia, la monumentalidad de la imagen (académico I. A. Orbeli, 1943; compositor A. I. Khachaturyan, 1944; poeta M. Lozinsky, 1944; escritor M. . Shaginyan, 1944 y otros). Durante los años de la guerra, Saryan también se dedicó al paisaje y la naturaleza muerta. Cabe señalar una naturaleza muerta especial, llamada por él "A los soldados armenios, participantes en la Guerra Patria" (1945), que representa las frutas y flores de Armenia: como regalo y agradecimiento a quienes lucharon y conquistaron, y como un recuerdo de los muertos. En 1941-1945. tanto los géneros domésticos como los paisajísticos se están desarrollando. Un lugar destacado en la formación de ambos durante los años de guerra pertenece a A. Plastov. Ambos géneros se combinan en su pintura "El fascista voló" (1942): abedules jóvenes, cielos grises, campos lejanos familiares para cada uno de nosotros. Contra el telón de fondo de este pacífico paisaje otoñal, la atrocidad del piloto fascista que mató al pastorcillo parece aún más monstruosa. Los pinceles de Plastov se refieren también a los paisajes muy brillantes y conmovedores de nuestra patria. En el último año de la guerra, A. Plastov pintó un hermoso cuadro "Cosecha" (1945): un anciano serio y cansado y niños cenan en las gavillas cosechadas. B. Nemensky representó a una mujer sentada sobre soldados dormidos y llamó a su obra "Madre" (1945). En la pintura histórica aparecen imágenes de los héroes del pasado. En los últimos años de la guerra, Kukryniksy creó una de sus mejores pinturas, recurriendo a la imagen de la antigüedad: Sophia de Novgorod como símbolo de la invencibilidad de la tierra rusa ("La huida de los nazis de Novgorod", 1944-1946). La pintura monumental, por supuesto, tuvo pocas oportunidades de desarrollo durante los años de la guerra. Pero, a pesar de esto, el arte de los "materiales eternos", frescos y mosaicos, siguió existiendo. Así, por ejemplo, en la Leningrado sitiada, los mosaicos para el metro se montaron con los cartones de Deineka. Los autores de los carteles más famosos fueron los dibujantes Moor (D. S. Orlov) y Denis (V. N. Denisov). El cartel heroico de la Gran Guerra Patria adoptó las mejores tradiciones del cartel revolucionario. En los primeros días de la guerra, apareció en las calles el famoso cartel de I. M. Toidze "¡La Madre Patria llama!". (1941). Si en el período inicial de la guerra el personaje principal de los carteles era un soldado soviético que luchaba, como, por ejemplo, en el cartel de A. A. Kokorekin "¡Por la patria!" (1942), luego con el inicio de un punto de inflexión en la guerra a favor de la Unión Soviética, las tramas trágicas fueron reemplazadas por imágenes que inspiran confianza en la victoria. Es difícil hablar de la arquitectura de este período. Faltaba mano de obra y materiales. La guerra trajo consigo devastación, especialmente en las regiones occidentales cercanas a las fronteras. Todo el trabajo de construcción durante este período se asoció principalmente con la instalación de equipos evacuados, la creación de edificios para las necesidades de la industria. CONFERENCIA No. 13. La cultura soviética de los años 1950-1980 1. Características de la cultura del período en estudio Las características de la cultura de la URSS de este período consistieron en la lucha del gobierno con las desviaciones de las "tareas de construcción social". La presión y el control por parte del partido fueron tan grandes que oprimieron la libertad de artistas y científicos. Las discusiones masivas en varias ramas de la ciencia de la época tuvieron un impacto negativo en sus participantes. Tras la llegada al poder de N. S. Khrushchev, sus reuniones con la intelectualidad se hicieron habituales, en las que el secretario general criticaba a los "formalistas" y vanguardistas por ser "incomprensibles". Cabe señalar que Jruschov estaba poco versado en cuestiones de cultura y la mayoría de las figuras culturales "progresistas" no podían oponerse abiertamente a él. El desarrollo de la cultura adquirió un carácter utilitario. L. I. Brezhnev se pronunció en contra de dos extremos de la cultura: "calumnia" y "embellecimiento de la realidad". Se criticaron las obras dedicadas a temas de actualidad. Se apoyaron las obras en el espíritu del neoestalinismo. Con el fin de controlar la cultura a mediados de la década de 1970. se introdujo el sistema de órdenes estatales. Aumento de la censura. El conocimiento de los ciudadanos soviéticos con la cultura artística extranjera fue constantemente limitado. El desarrollo de la cultura en los años 1960-80. era contradictorio. Aunque los fondos para el desarrollo de la cultura aumentaban constantemente, los logros no estaban a la altura de los costos. 2. Educación y ciencia Durante este período, el liderazgo de la URSS comenzó a prestar gran atención a la educación. En 1946, el gobierno soviético también aumentó significativamente el gasto en ciencia (fueron 2,5 veces más altos que el gasto del año anterior). Al mismo tiempo, se restauraron las Academias de Ciencias de Ucrania, Bielorrusia y Lituania, y se crearon en Kazajstán, Letonia y Estonia. En la posguerra se organizó toda una serie de institutos de investigación. Guerra y represión en la década de 1930 asestó un duro golpe a la intelectualidad, por lo que en la década de 1940 - principios de los 50. en la Unión Soviética había escasez de especialistas con educación superior y secundaria. En la década de 1940 - principios de los 50. La ciencia y la tecnología soviéticas lograron una serie de éxitos en el campo de la física, la química y la mecánica de precisión, pero se dirigieron principalmente a las necesidades militares. En 1949, se probó una bomba atómica en la URSS y se estaban realizando investigaciones en el campo de las armas químicas y bacteriológicas. Las ramas de la ciencia que no estaban directamente relacionadas con la defensa estaban sujetas a un estricto control. Indicativa a este respecto fue la persecución de la cibernética, que fue declarada ciencia contraria a las leyes del materialismo. Esto tuvo un impacto negativo en el nivel de desarrollo mundial de la URSS. Una posición de monopolio en las ciencias agrícolas fue ocupada por los partidarios del académico T. D. Lysenko, quien prometió aumentar rápidamente el rendimiento de los cultivos sin inversiones de capital serias. Después de que N. S. Khrushchev llegó al poder, hubo cierta emancipación de la ciencia histórica. Gradualmente, hubo una desviación de los dogmas del curso breve en la historia del PCUS (b), una revisión del papel de Stalin en la historia del estado soviético. Creció el culto a la personalidad del propio Jruschov. Durante los años del plan de 7 años (1959-1965) hubo un cambio significativo en el campo del progreso técnico. En julio de 1956, el primer avión de pasajeros a reacción soviético TU-104 despegó hacia el cielo. En 1957, se lanzó un misil balístico intercontinental de varias etapas. El 4 de octubre de 1957 se lanzó el satélite terrestre artificial soviético. La URSS se convirtió en pionera en la exploración espacial. El 12 de abril de 1961, el piloto-cosmonauta soviético Yu. A. Gagarin realizó el primer vuelo espacial de la historia. A mediados de los años 1950-principios de los 60. el desarrollo de los medios de comunicación (los medios de comunicación). La radiodifusión cubrió todo el país. La época del "deshielo" se caracterizó por el surgimiento de la ciencia y la cultura soviéticas. Se prestó mucha atención a la educación secundaria y superior. En diciembre de 1958, se adoptó una ley según la cual, en lugar de la educación de 7 años, se introdujo la educación obligatoria universal de 8 años. En 1957, se lanzó en la URSS el acelerador de partículas elementales más potente del mundo, el sincrofasotrón. En 1956, se estableció en Dubna un importante centro de investigación internacional, el Instituto Conjunto para la Investigación Nuclear. Los trabajos de los físicos soviéticos, los académicos L. D. Landau, A. D. Sakharov y otros, ganaron fama mundial y comenzó la producción de tecnología informática doméstica. El estado de crisis de la educación escolar provocó intentos de reforma de la escuela (1983-1984). Pero la falta de preparación, la incomprensión de las causas de la crisis en este ámbito llevó a un rápido rechazo de la reforma. Ya en 1985-1986. ella se dio la vuelta. Los mismos problemas enfrentaban la educación superior. A pesar de que el número de universidades y universidades crecía constantemente en el país, la industria y la agricultura del país necesitaban personal calificado. Las principales razones de esto fueron: 1) uso irracional de graduados universitarios; 2) bajo nivel de su formación; 3) una disminución en el prestigio de un graduado. La situación en la ciencia era un poco mejor. La ciencia soviética no se quedó atrás de la ciencia de los países occidentales solo en áreas fundamentales, mientras que en el campo aplicado, y especialmente en la informatización, estuvo en los últimos rangos. La ciencia soviética ha logrado éxitos significativos en los campos de la física, la química y la exploración espacial. 1985-1991 en el campo de la educación, la ciencia y la cultura se caracterizan de manera ambigua. En el campo de la educación, los cambios comenzaron a ocurrir a partir de 1988. La escasez de docentes aumentó, ya que comenzaron a dedicarse al comercio para asegurar un ingreso digno. El interés de los jóvenes por obtener una educación ha disminuido drásticamente. Gradualmente introdujo la educación alternativa: 1) se crearon gimnasios; 2) liceos y colegios. Durante la segunda mitad de la década de 2. en la URSS, prácticamente no hubo descubrimientos serios, y las principales ramas de la ciencia, como la astronáutica, la física nuclear, la biología molecular, etc., apenas mantuvieron el nivel alcanzado en el período anterior. 3. Literatura La campaña contra el cosmopolitismo que se desarrolló a fines de la década de 1940 y principios de la de 50 tuvo un impacto negativo en el desarrollo de la literatura y el arte. Su finalidad era: 1) denigrar todo lo que no sea soviético, no socialista; 2) poner una barrera entre la URSS y los países occidentales. En 1946-1948. Se adoptaron decisiones del Comité Central del Partido “Sobre las revistas “Zvezda” y “Leningrado”, “Sobre el repertorio de los teatros dramáticos y las medidas para mejorarlo”, “Sobre la película “Big Life”, “Sobre la ópera de V. Muradeli”. La Gran Amistad". Fueron perseguidos personajes famosos como compositores y escritores soviéticos: S. S. Prokofiev, A. N. Khachaturyan, N. Ya. Myaskovsky, A. A. Akhmatova, M. M. Zoshchenko y otros, cuyas obras fueron clasificadas como antisoviéticas. Durante los años del "deshielo", el nivel de vida del pueblo soviético aumentó notablemente. Desde 1956 se establece la jornada laboral de 6 horas para los adolescentes de 16 a 18 años. En 1956-1960. ha terminado la transferencia de todos los trabajadores y empleados a una jornada laboral de 7 horas, y en el trabajo subterráneo y peligroso, a una jornada laboral de 6 horas. Durante el "deshielo" hubo un notable aumento de la literatura y el arte, lo que se vio facilitado en gran medida por la rehabilitación de algunas figuras culturales reprimidas bajo Stalin. En 1958, el Comité Central del PCUS adoptó una resolución “Sobre la corrección de errores en la evaluación de las óperas “La Gran Amistad” y “Bogdan Khmelnitsky”. Al mismo tiempo, fue en la esfera de la cultura donde las recaídas del estalinismo se manifestaron de manera especialmente clara. En 1957-1962 Se llevaron a cabo "reuniones" de líderes del partido con figuras culturales y artísticas, en las que se evaluaron extremadamente duras obras antiestalinistas como las novelas "No solo de pan" de Dudintsev, "Palancas" de A. A. Yashin, "Opinión propia" de D. A. Granin, y la novela "Doctor Zhivago", que ni siquiera se publicó en la URSS, se convirtió en el motivo de la persecución de B. L. Pasternak. Como parte del proceso literario y artístico del "deshielo", la formación de una capa de intelectuales, la oposición al régimen existente: disidentes. El surgimiento de la literatura "samizdat" y "tamizdat" también perteneció a esta época. En muchas ciudades, el número de estudios de teatro ha aumentado de forma espectacular. Nuevas películas comenzaron a aparecer en las pantallas. Es necesario nombrar las películas de T. E. Abuladze. La penetración de productos culturales occidentales, especialmente películas de video, en el país ha aumentado significativamente. El prestigio de las revistas Novy Mir (editor A.T. Tvardovsky), Yunost (editor V.P. Kataev) crecía constantemente. Un verdadero impacto para millones de personas soviéticas fue la publicación de un cuento de A. I. Solzhenitsyn, Un día en la vida de Ivan Denisovich. Cabe señalar que Jrushchov apoyó la publicación de este libro e incluso aprobó públicamente su candidatura al Premio Lenin. Sin embargo, la I.A. Solzhenitsyn no fue premiado, y el propio Jruschov no volvió sobre este tema. 4. Pensamiento público. Estándar de vida En la segunda mitad de la década de 2. El movimiento disidente comienza a crecer en el país. Se generalizó entre la intelectualidad de las grandes ciudades. El concepto de "disidencia" incluía diversas manifestaciones. Figuras culturales que intentaron expresar abiertamente sus dudas se volvieron peligrosas para la dirección del país; muy a menudo fueron encarcelados o expulsados de la URSS. En 1960, los escritores A. D. Sinyavsky y Yu. M. Daniel fueron condenados por publicar sus obras en Occidente. En 1965 AI Solzhenitsyn fue privado de su ciudadanía soviética y expulsado por la fuerza de la URSS. El director de cine A. A. Tarkovsky, el director Yu. P. Lyubimov, el escritor V. A. Nekrasov, el poeta I. A. Brodsky, el violonchelista M. L. Rostropovich y otros terminaron en el extranjero. A la ideología del neoestalinismo también se opuso la prosa de "pueblo" de V. P. Astafiev y B. A. Mozhaev. Los libros y películas de V. M. Shukshin ocuparon un lugar especial en la cultura de esos años. Otro rasgo específico de la cultura de las décadas de 1960 y 1970 fue el llamado. "revolución de la grabación". Las grabaciones de canciones, así como de discursos satíricos, reproducidos en casa, eran prácticamente incontrolables y se generalizaron. Los líderes reconocidos fueron los bardos V. S. Vysotsky, B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich y otros. Aparecen y se fijan elementos de una cultura pop juvenil especial. Desde mediados de la década de 1970. comenzó la inflación. La escasez tuvo un efecto profundo en la conciencia de las masas. Al mismo tiempo, la propaganda oficial libró una lucha intensificada contra el "materialismo". En las décadas de 1970 y 1980. entre los escritores, se deben destacar a F. A. Iskander, los poetas I. A. Brodsky, N. M. Korzhavin, A. A. Galich, los directores A. A. Tarkovsky, Yu. P. Lyubimov, A. A. German, T. E. Abuladze, S. N. Paradzhanov, los hermanos Mikhalkov y otros. Se produjeron grandes cambios en la literatura y el arte. Un fenómeno significativo fue el regreso al pueblo soviético de las obras de los autores de la "diáspora rusa": los filósofos N. A. Berdyaev y V. D. Solovyov, los escritores D. S. Merezhkovsky, M. A. Aldanov, I. A. Bunin y V. D. Nabokov, los poetas N. S. Gumilyov e I. A. Brodsky y muchos otros Comenzaron a aparecer muchas obras del ganador del Premio Nobel de literatura A. Solzhenitsyn, principalmente el archipiélago Gulag y la epopeya histórica La rueda roja. Comenzó a aparecer la llamada prensa "informal". 5. Pintura En 1947, se estableció la Academia de Artes de la URSS, y ya en la década de 1950. en el campo de las bellas artes se instauró un rígido sistema educativo y productivo. El futuro artista tuvo que pasar por una serie de etapas obligatorias: 1) escuela de arte; 2) escuela o instituto. Completó sus estudios con una gran pintura temática y luego se convirtió en miembro de la Unión de Artistas. El estado fue el principal cliente y comprador de sus obras. El estilo principal fue el llamado realismo socialista (realismo socialista), o Sots Art. En la pintura soviética de finales de la década de 1950 y principios de la de 60. se instauró el "estilo severo". La fuente de inspiración de los maestros del "estilo severo" fue la vida de la gente común, que transmitieron en un espíritu poético sublime. Las imágenes en las pinturas "Nuestra vida cotidiana" (1960) de P.F. Nikonov y "Rafters" (1961) de N.A. Andronov son generalizadas y lacónicas. Algunos maestros, en contraposición a los tópicos impuestos por el realismo socialista, recurrieron a otros géneros: 1) un retrato; 2) paisaje; 3) naturaleza muerta. N. S. Khrushchev criticó a los artistas abstractos y formalistas en las exposiciones. En particular, el escultor E. Neizvestny, que no tiene idea ni de sus obras ni del propio autor. La reunión de E. N. Neizvestny y N. S. Khrushchev pasó a la historia. El artista, el comandante de combate de la Guerra Patria, se quitó la camisa frente al jefe de estado y mostró terribles cicatrices de heridas en la espalda. Jruschov estaba asombrado y avergonzado. 6. En círculos de intelectuales creativos En los círculos de la intelectualidad creativa (escritores, artistas, cineastas (más tarde se les llamó "años sesenta"), se formó la oposición al arte oficial. Ya a finales de los años 1950. había un grupo de artistas apasionados por el surrealismo europeo y americano. Se declararon plenamente en la 2ª mitad de los 60 y en los 70. siglo XNUMX Cada artista desarrolló su propio conjunto de imágenes-signos, fácilmente reconocibles. Vladimir Borisovich Yankilevsky (nacido en 1938) se graduó en el estudio de arte del Instituto Poligráfico de Moscú. Sus obras - "Atmósfera de Kafka" (1969), una serie de grabados "Mutaciones" (década de 1970) y otras - son jeroglíficos compuestos por varios iconos que evocan asociaciones con tablas, diagramas, gráficos, etc. Posteriormente, Yankilevsky comenzó a crear tres -objetos dimensionales. Ilya Iosifovich Kabakov (nacido en 1933) eligió un "diccionario" pictórico diferente para sus obras: imágenes para libros infantiles, stands, periódicos murales, carteles. Sin embargo, en las composiciones del artista, pierden sus funciones habituales, y se invita al espectador a encontrarles otro propósito. El hijo de E. L. Kropivnitsky, Lev Evgenyevich Kropivnitsky (1922-1994) y V. I. Nemukhin (nacido en 1925) utilizaron las técnicas del expresionismo abstracto en su trabajo. Además, Lev Kropivnitsky ilustró libros. En los mismos años, un artista talentoso y amigo de V. S. Vysotsky M. M. Shemyakin fue expulsado del país. Maestros de diferentes generaciones, que hasta ahora solo soñaban con la libertad de expresión, ahora se entregaron con entusiasmo a experimentos en el espíritu de las tendencias artísticas occidentales modernas. Los artistas soviéticos que trabajaron fuera del marco del arte oficial se hicieron famosos en Occidente, ya que sus obras fueron adquiridas principalmente por extranjeros. Los críticos occidentales llamaron a estos maestros "inconformistas" (del inglés "dissenters"). En la exposición de 1962 en el Manege de Moscú, N. S. Khrushchev sometió a los "inconformistas" a duras críticas. Después de la exposición, los "inconformistas" pasaron a la clandestinidad: organizaron muestras de su trabajo en apartamentos privados, a veces en clubes y cafés. La siguiente gran actuación de los "inconformistas" fue una exposición en un terreno baldío en el distrito moscovita de Belyaevo (1974). Las autoridades de la ciudad, en presencia de periodistas extranjeros, la dispersaron con la ayuda de excavadoras (pasó a la historia con el nombre de "Exposición de excavadoras"). El evento recibió publicidad internacional y dos semanas después, con el permiso de las autoridades, se realizó una nueva exposición al aire libre en Izmailovo. Desde entonces, en exposiciones oficiales hasta mediados de los 1980. se permitió una mayor variedad de temas, tradiciones y formas de actuación. En la década de 1970-80. entre los "inconformistas", las formas de arte de vanguardia, como las acciones, las representaciones, se hicieron cada vez más populares. Aquí el artista no representaba ninguna obra, sino a sí mismo como portador de la idea. En la década de 1980-90. El arte ruso se desarrolló en paralelo con el arte occidental. Surgieron galerías privadas (MA Gelman, A. Salakhova y otras) para apoyar formas de arte "no tradicionales". 7. Arquitectura y escultura Procesos similares tuvieron lugar en la arquitectura. Entonces, en la década de 1950. la dirección del partido condenó la "decoración" y el "lujo excesivo". Se realizó un curso para la construcción masiva de edificios residenciales. El ascetismo y la sencillez se convirtieron en normas. La posición dominante entre las formas arquitectónicas estaba ocupada por un paralelepípedo, entre los materiales de construcción: hormigón (el Palacio de Congresos del Kremlin, el Teatro Taganka). Y en los años 1970 y 80. una variedad de formas, estilos, materiales se hizo popular. Aparecen estructuras de titanio y vidrio, el estilo histórico gusta especialmente a los arquitectos. CONFERENCIA No. 14. Cultura de Rusia 1991-2003 1. Características generales del período La cultura del período en estudio se caracteriza por los siguientes rasgos: 1) una amplia variedad de estilos, géneros y tendencias; 2) el estado deja de dictar los cánones, estilo y temas en el arte; 3) se eliminan las restricciones en la ciencia y la enseñanza; 4) nacen nuevos mitos en la cultura; 5) la cultura está perdiendo su principal cliente y su financiación se reduce drásticamente; 6) el arte de masas pasa a primer plano; 7) en la década de 1990. hubo un regreso de una serie de nombres: los rusos aprendieron sobre capas de cultura como la cultura de la Edad de Plata (el trabajo de los poetas O. E. Mandelstam, A. A. Akhmatova, M. N. Tsvetaeva, N. S. Gumilyov, etc.) y la diáspora rusa ( V. D. Nabokov, M. A. Allanov y otros) 2. Educación y ciencia La ciencia y la educación se encontraron en condiciones difíciles. Curiosamente, el lugar principal en la política estatal se le da a la educación secundaria. Está regulado por la ley de educación, adoptada en 1992. Al mismo tiempo, el contenido de la educación ha cambiado cualitativamente: se ha orientado hacia la persona y se ha correlacionado con los estándares mundiales. Las escuelas secundarias y superiores están experimentando dificultades debido a la falta de recursos materiales, la disminución del nivel de enseñanza y la falta de voluntad de las estructuras de poder y los líderes políticos para proporcionar una financiación normal. La falta de preparación de la mayoría de las instituciones educativas para operar en una economía de mercado, para ganar dinero por su cuenta, también tuvo un efecto. Pero la educación superior ahora tiene una gran demanda y se está desarrollando activamente: se están abriendo universidades, están surgiendo nuevas especialidades prometedoras. Así, a mediados de 2001, había alrededor de 600 universidades estatales y 250 no estatales en Rusia. Un rasgo característico es la forma paga - comercial - de educación. En cuanto a la ciencia, la ciencia postsoviética se adaptó extremadamente mal a una economía de mercado. lugar común en la década de 1990. se convirtió en la llamada "fuga de cerebros" en el extranjero - muchos científicos han optado por mejores condiciones de trabajo. Sin embargo, una gran cantidad de científicos se quedaron en Rusia, trabajan y logran buenos resultados con una financiación modesta. Se da prioridad en la financiación a los científicos que trabajan en las ciencias naturales (industrias fundamentales y aplicadas). Los patrocinadores de fondos juegan un papel importante (nacionales, por ejemplo, la Fundación Potanin, extranjeros, la Fundación Ford, la Fundación Soros). Los científicos en humanidades, que han tenido la oportunidad de comunicarse libremente con colegas extranjeros, hoy no están encadenados por la antigua uniformidad ideológica. Revelan más objetivamente la historia de la Patria, su cultura y su contribución al desarrollo de la civilización mundial. 3. Literatura, cine, teatro. medios de comunicación en masa La literatura sigue evolucionando. Aparecen nuevos nombres: 1) A. S. Petrushevskaya (nuevo estilo - "gris sobre gris"); 2) V. G. Sorokin (naturalismo); 3) V. O. Pelevin (modernismo); 4) B. Sh. Akunin (género policiaco). El lector ruso descubre y relee las obras maestras de la literatura mundial: las obras de G. G. Márquez, P. Coelho y otros. A fines de la década de 1990 el cine doméstico comienza a desarrollarse. Las pinturas de N. S. Mikhalkov y S. V. Bodrov se comparan favorablemente. En cuanto a los actores, muchos de ellos trabajan en la televisión, en el teatro. El arte teatral tiene una gran demanda en la actualidad. Los musicales son populares. El teatro de O. Tabakov "Snuffbox" es mundialmente famoso. Constantemente se abren nuevos teatros (hay más de 200 solo en Moscú), se realizan exposiciones de arte, festivales de música, etc.. El arte circense se desarrolla. En una situación diferente se encuentran los archivos y museos, que para sobrevivir prestan servicios pagos a la población y personas jurídicas (por ejemplo, alquilan locales para presentaciones y exposiciones). Entre los museos, el Museo de Cera de San Petersburgo es especialmente popular. En general, la falta de fondos priva a las bibliotecas de la oportunidad de aumentar sus fondos, a los museos de reponer sus colecciones, a las editoriales de publicar literatura seria, etc. El mundo del espectáculo ruso se está desarrollando activamente, tratando de acercarse lo más posible a los estándares estadounidenses y europeos. Un auténtico boom en los años 1990. sobrevivió a los medios: hay muchos periódicos nuevos, revistas, canales de televisión. Un lugar especial entre ellos lo ocupa el canal "Cultura", que presenta los fenómenos y eventos de la cultura rusa y mundial. La falta de publicidad es una de las ventajas de este canal. Las formas de transmitir la cultura están cambiando a nivel mundial: apareció Internet y se convirtió en una red mundial masiva. 4. Pintura, arquitectura y escultura La pintura y la escultura rusas se encuentran hoy en condiciones difíciles. El retratista oficial del presidente de la Federación Rusa, Vladimir Putin, Nikas Safronov, realizó una gran cantidad de retratos del presidente, así como de figuras de la cultura mundial (por ejemplo, el retrato de Sophia Loren, estilizado como "Gioconda" por L.da Vinci). El retratista A. M. Shilov ("Danza con Cupido") está trabajando activamente. Ampliamente conocido entre los artistas es el amigo de V. Vysotsky, que vive en América, M. M. Shemyakin (una serie de pinturas "Masquerade", escenas de la vida del siglo XVIII). Las obras y proyectos escultóricos de Zurab Tsereteli, incluido el monumento a Pedro el Grande (2002), son populares en todo el mundo. Hay un repunte en la industria de la construcción. Pero la construcción de edificios residenciales según proyectos individuales, así como edificios residenciales de apartamentos múltiples según proyectos de diseño no estándar, pasa a primer plano. CONFERENCIA N° 15. Cultura de la era primitiva 1. Características generales del período La cultura de la era primitiva es el fundamento de toda cultura posterior de la humanidad. Muchos fenómenos de la vida de la sociedad moderna se originan en la profunda antigüedad de la era primitiva: 1) idioma; 2) escritura; 3) arte; 4) religión; 5) mitología; 6) ciencia; 7) moralidad, etc. Algunos problemas modernos se resuelven total o parcialmente sobre la base del estudio de la era primitiva: la historia del surgimiento del hombre, el origen de las razas, los pueblos, el surgimiento de la mitología, la religión, el arte, etc. Cabe señalar que la era primitiva no ha pasado irrevocablemente al pasado. Todavía sigue existiendo en áreas locales: 1) la selva amazónica; 2) en las regiones centrales de África; 3) en las islas de Oceanía; 4) en el interior de Australia. La era primitiva abarca un enorme período desde la aparición del hombre hasta el surgimiento de las sociedades y estados de primera clase, así como de la escritura. La raza humana existe desde hace unos 2,5 millones de años. El Homo sapiense (el hombre razonable) tiene sólo unos 40 mil años. 2. Cultura material El hombre utiliza herramientas desde hace más de 2 millones de años. Esto le abrió amplias oportunidades: 1) uso de los recursos naturales; 2) adaptación al medio ambiente; 3) caza colectiva; 4) protección de los enemigos. Durante el Neolítico: 1) se están mejorando las herramientas; 2) métodos de procesamiento de piedra (aserrado, taladrado, pulido); 3) aparecen arcos, flechas, cerámica. Junto a la caza, se están extendiendo la pesca, la recolección, la agricultura y la ganadería. Estos dos grandes logros de la economía primitiva hicieron del hombre un hombre. El requisito previo más importante para la descomposición de la sociedad primitiva fue la transición al uso de metales. 3. El surgimiento del arte. Mitología Con la llegada del arte se produjo un salto cualitativo en el desarrollo de la sociedad humana. El arte primitivo se ha convertido en un nuevo fenómeno. El punto de partida de la creatividad artística humana podría ser: sus necesidades estéticas, el instinto sexual, el pensamiento mitológico, la práctica religiosa, la necesidad de consolidar y trasladar la experiencia acumulada, la necesidad de entretenimiento, etc. El desarrollo biológico y cultural ha ayudado al hombre a utilizar símbolos. Ningún ser vivo, excepto el hombre, tiene esta capacidad. La mitología ocupa un lugar importante en la cultura primitiva. Siendo la forma principal de la cosmovisión de una persona en una etapa temprana de desarrollo, muestra cómo se realiza a sí mismo, al mundo que lo rodea y su lugar en este mundo. La literatura también se formó sobre la base de diversas formas de creatividad verbal. De la mitología surgieron formas de conciencia social como: 1) arte; 2) ideología política, etc. En la antigüedad, el hombre aún no se distinguía del medio ambiente. Transfirió sus propias propiedades, sentimientos a los objetos naturales, los dotó de almas y espíritus. La característica más importante del mito es que al reemplazar algunos símbolos en el mito con otros, hace que los objetos descritos sean más accesibles para la comprensión. Como han demostrado los estudios, en las primeras etapas de desarrollo, los mitos eran primitivos y breves. Posteriormente, la mitología se convirtió en un extenso sistema de mitos conectados entre sí, formando ciclos ramificados. Así quedó: 1) antiguo; 2) eslavo antiguo; 3) mitología escandinava, etc. Los científicos distinguen varios tipos de mitos: 1) antropogónico; 2) solares; 3) lunares; 4) astral; 5) zooantropomórfico; 6) cosmogónico; 7) teogónico, etc. Una de las formas más comunes de creencias primitivas fue el culto a los antepasados: la veneración de los espíritus de los parientes fallecidos. Se creía que estos espíritus, malos y buenos, pueden influir en la vida de las personas. Había muchas formas en que la gente trataba de propiciar los espíritus de sus antepasados y neutralizar su mala voluntad. Las variedades de creencias primitivas son: 1) animismo; 2) totemismo; 3) fetichismo. El desarrollo de la agricultura en el período tardío de la era primitiva requirió el ordenamiento del calendario y, en consecuencia, las observaciones astronómicas. El trabajo de riego condujo a la formación de la técnica de cálculos geométricos, el desarrollo del intercambio, a la mejora de los sistemas de conteo. En última instancia, todo esto condujo a la acumulación de conocimientos matemáticos. Enfermedades, epidemias, guerras obligaron al uso y perfeccionamiento de la medicina primitiva. Los movimientos terrestres y marítimos sirvieron de incentivo para el desarrollo de la geografía y la cartografía. Y con el advenimiento de la fundición de minerales, nacieron las bases de la química. 4. Artes visuales En la era primitiva se formaron todo tipo de bellas artes: 1) gráficos (dibujos, siluetas); 2) pintura (imágenes en color, realizadas con pinturas minerales); 3) escultura (figuras talladas en piedra o moldeadas en arcilla); 4) arte decorativo (tallado en madera, piedra, hueso; relieves, ornamentos). Los orígenes de este tipo de creatividad artística se remontan a la antigüedad, como por ejemplo: 1) música; 2) cantar; 3) baile; 4) representaciones teatrales. Las primeras obras de arte primitivo que nos han llegado pertenecen al Paleolítico Superior, su edad es de unos 40 mil años. Entre ellos, un lugar especial lo ocupan las llamadas "Venus", imágenes aparentemente asociadas con el culto a la madre antepasada. Se encontraron imágenes expresivas generalizadas de animales: un mamut, un caballo, un ciervo, un oso, un bisonte, escenas de caza para ellos. A finales del siglo XIX. se descubre la pintura rupestre primitiva (cueva de Altamir en España). Más tarde, los investigadores descubrieron docenas de cuevas similares en España, Francia y también en Rusia (Cueva Kapova, Urales del Sur). El primer período de desarrollo del arte rupestre se caracterizó por: 1) dibujos primitivos; 2) signos poco claros; 3) líneas onduladas; 4) huellas de manos. Hacia el final del primer período aparecen dibujos de contornos inciertos de animales, que comienzan a rellenarse con pintura. El segundo período se caracteriza por una transición de una imagen plana de contorno a la transferencia de volumen y detalles individuales. En el tercer período, el arte rupestre alcanzó su mayor apogeo. Las pinturas son llamativas en su: 1) escala y realismo; 2) la perfección de la transferencia de volúmenes; 3) proporciones de figuras; 4) perspectiva; 5) movimiento; 6) el uso de la policromía. Posteriormente se observa una simplificación de la imagen, las figuras se convierten en símbolos. 5. El surgimiento de la escritura El surgimiento de la escritura fue de gran importancia. Los sistemas modernos de escritura de letras y sonidos fueron precedidos por sus diversas formas, siendo una de las primeras la escritura pictográfica, que consiste en imágenes individuales específicas. Con el inicio de la era Mesolítica, la imagen comienza a dominar a la persona. El color y el volumen dan paso al movimiento. Si la pintura rupestre paleolítica consta de muchas figuras que no tienen relación compositiva entre sí, entonces el arte rupestre de múltiples figuras reproduce escenas de caza, recolección de miel, acciones rituales, danzas, batallas, etc. En el Neolítico, el arte sufre profundos cambios cualitativos. La cultura deja de estar unificada, adquiere rasgos distintos y carácter original en diferentes territorios. 6. Mayor desarrollo del pensamiento abstracto, acumulación de conocimiento racional. Con el desarrollo del pensamiento abstracto, el lenguaje, la mitología, la religión, la acumulación de conocimiento racional, una persona tuvo la necesidad de incorporar imágenes complejas en el arte: el sol, la tierra, el fuego, el agua. Un adorno que consiste en motivos abstractos estilizados está ganando popularidad: una cruz, un círculo, una espiral, un triángulo, un cuadrado, etc. Al mismo tiempo, existe el deseo de decorar todos los objetos que usó una persona. Adornos o símbolos individuales cubrían cerámicas antiguas, el tipo más común de arte decorativo. El hombre se adornó: 1) coloración del cuerpo; 2) collares; 3) cuentas; 4) pulseras. Entre los fenómenos más misteriosos del arte primitivo se encuentra un grupo de monumentos megalíticos: 1) menhires; 2) dólmenes; 3) cromlechs. Las estructuras megalíticas fueron el prototipo de la arquitectura monumental. Ya en el umbral del surgimiento de las primeras civilizaciones, aparecieron fortificaciones ciclópeas o en bruto, templos, tumbas, que a su vez se asoció con la estratificación de la sociedad en clases, la separación de la nobleza, la complicación de las ideas religiosas y la práctica religiosa. Los datos arqueológicos acumulados permiten rastrear el surgimiento y desarrollo de otros tipos de creatividad artística primitiva: 1) música; 2) danza; 3) representación teatral; 4) artes aplicadas. Huesos tubulares encontrados con agujeros perforados en los lados, cuernos perforados, cráneos de animales con rastros de numerosos golpes son ejemplos de los primeros instrumentos musicales de viento y percusión. La danza también ocupó un lugar importante en el sistema del arte primitivo. Los bailes eran: 1) rito; 2) militar; 3) caza; 4) masculino; 5) mujeres, etc. La danza está íntimamente ligada a la representación teatral. Con mucha confianza, también se puede adivinar sobre la existencia en esta era del tipo de creatividad más accesible: la gente oral: 1) canciones; 2) cuentos; 3) cuentos de hadas; 4) mitos; 5) epopeyas. El arte primitivo se convirtió en el comienzo de un reflejo figurativo del mundo circundante, un medio para su conocimiento, así como la formación del mundo interior de la persona misma. El estudio de los monumentos del arte primitivo nos permite rastrear la evolución de los estilos, formas, medios y métodos de la creatividad artística, para comprender los patrones de formación y desarrollo de toda la cultura artística mundial. CONFERENCIA N° 16. Cultura de China 1. Características de la cultura china La civilización china es una de las más antiguas del mundo. Según los propios chinos, la historia de su país comienza a finales del tercer milenio antes de Cristo. mi. La cultura china ha adquirido un carácter único: es racional y práctica. China se caracteriza por cierto dogmatismo. Un nuevo pensamiento podría desarrollarse solo en forma de comentarios sobre los viejos dichos de los sabios. La cultura china ha influido mucho en el desarrollo de los países vecinos (Japón, Corea y los estados del sudeste asiático). El conocimiento del arte, la literatura y la música chinos se ha considerado durante mucho tiempo la principal virtud de un asiático educado. 2. Educación y ciencia. Religión. días festivos nacionales El conocimiento y el aprendizaje fueron tratados con gran respeto en China. El conocimiento generalmente significaba postulados de la esfera de las humanidades. En cuanto a otras ciencias (matemáticas, astronomía, medicina, etc.), los datos de observación acumulados durante muchos cientos de años fueron generalizados, pero no comprendidos teóricamente. Estas áreas de conocimiento no eran prestigiosas. ¿Con qué están relacionados los logros de los chinos en el campo de las ciencias exactas y técnicas? Las matemáticas se originaron en China en la antigüedad. Los matemáticos chinos escribieron ensayos sobre cálculos utilizando un poste en un círculo. Desde el siglo V antes de Cristo mi. los chinos conocían las propiedades de un triángulo rectángulo, en el siglo I. norte. mi. se creó un tratado que resume el conocimiento matemático acumulado en China durante varios siglos. Se desarrolló la astronomía. Ya en el II milenio antes de Cristo. mi. los antiguos habitantes de China dividieron el año en 12 meses, el mes en 4 semanas. Los médicos chinos han hecho una gran contribución a la medicina mundial. De las invenciones técnicas, cabe mencionar el molino de agua. El conocimiento de la escritura se basa en fuentes, muchas de las cuales se compilaron en los primeros períodos de la historia china. Se sabe que ya en el siglo XV. antes de Cristo mi. En China, había un sistema desarrollado de escritura jeroglífica (más de 2000 jeroglíficos). El gran invento fue la fabricación de papel, cuya producción comenzó en el año 105 d.C. mi. Se cocinaba con corteza de árbol, trapos, cáñamo. El autor de este mayor descubrimiento en la historia de la humanidad fue el oficial Tsai Lun. La creación de mitos en China se remonta a la antigüedad. El lugar de numerosos dioses venerados en la cultura china está ocupado por sabios legendarios y héroes culturales como Huangdi. Las enseñanzas filosóficas posteriores (confucianismo, taoísmo y budismo) sin duda enriquecieron la cultura china. Es característico que todos los sistemas religiosos de China tenían mucho en común: todos tenían un culto a la obediencia, reverencia por los mayores y antepasados, y la idea de una actitud pasiva y contemplativa hacia la realidad. Estas ideas definieron la psicología nacional china. El budismo, que llegó a China en los siglos I y II, también tuvo un impacto muy significativo en la cultura china. Mucho está relacionado con el budismo en la historia de la cultura. Por ejemplo, la leyenda sobre el origen del té y el consumo de té. En el futuro, el budismo, como el taoísmo, dará paso al confucianismo, que desarrolló criterios para evaluar las acciones de cada chino. El amor chino por las ceremonias es ampliamente conocido. En la China imperial, todos los eventos significativos en la vida de una persona, familia y sociedad se organizaban con un ritual ceremonial complejo. Entre las fiestas con la historia más antigua, se destacan las siguientes: 1) festival de primavera (Año Nuevo); 2) un festival de faroles; 3) festival del bote del dragón; 4) Festival del Medio Otoño; 3. Literatura La literatura china tiene sus raíces en la antigüedad profunda. El monumento literario chino más antiguo es la antología poética Shijing (Libro de las Canciones). La literatura china es bastante inusual en su diversidad de géneros. Conocido por ejemplo: 1) prosa rimada "fu"; 2) versos "shi"; 3) versos "tsy"; 4) novelas. Durante la dinastía Han, se escribió la principal obra histórica china, las Notas históricas de Sim Qian. Este trabajo contiene una descripción detallada de personalidades y eventos prominentes. El budismo introdujo a China en la prosa artística. Se considera que el apogeo del desarrollo cultural del país son los tiempos de las dinastías Sui, Tang y Song. Fue durante estos años que la versificación impregnó literalmente a toda la sociedad china culta. Se regalaron poemas a amigos, familiares, mecenas. Durante las dinastías Ming y Qing, las novelas se generalizaron. Durante estos años, se escribieron 4 famosas novelas clásicas chinas: 1) "Tres Reinos" de Luo Guanzhong; 2) "Remansos del río" de Shi Naian; 3) El viaje de Chen'en al oeste; 4) "Sueño en la Cámara Roja" de Cao Xue-qin. Estas novelas tuvieron un gran impacto en la cultura china y luego fueron traducidas a muchos idiomas alrededor del mundo. 4. Ficción china de las décadas de 1920 y 30 Principios del siglo 1920 estuvo marcado por el crecimiento de la autoconciencia nacional de los chinos, lo que contribuyó al derrocamiento del sistema imperial en el país. La revista New Youth, que apareció en estos años, criticó la cultura tradicional china y pidió la rápida introducción de las normas occidentales. Ficción china de las décadas de 30 y XNUMX caracterizado por la influencia de las ideas socialistas y comunistas, la sátira dura sobre el orden existente. El camino de la literatura china después de 1949 (la creación de la República Popular China) está asociado con el desarrollo de problemas tales como: 1) cambios en el campo; 2) la emancipación de las amplias masas del campesinado; 3) la lucha de liberación nacional del pueblo chino. Al mismo tiempo, el movimiento progresivo de la literatura y el arte a principios de la década de 1950. repetidamente obstaculizado por varias campañas ideológicas del Partido Comunista Chino (por ejemplo, la discusión sobre la evaluación de la novela "Sueño en la Cámara Roja"). Sufrió un número significativo de escritores conocidos. El décimo aniversario de la "revolución cultural" (10-1966) causó aún más daño a la literatura china. Durante estos años cesó por completo la publicación de ficción y la gran mayoría de revistas. 5. Teatro. Música El papel del teatro chino fue significativo, todas las representaciones en las que estuvieron acompañadas de música. Allá por el siglo I antes de Cristo mi. En China se conocían más de 80 tipos de instrumentos musicales nacionales. En el proceso de largo desarrollo, se han formado gradualmente 5 tipos principales de música tradicional: 1) canciones; 2) música de baile; 3) música de cuentos de canciones; 4) música de óperas locales; 5) música instrumental. Cada emperador de China tenía un grupo de músicos y bailarines en la corte. En China, la música profesional se consideraba un acto indigno de una persona noble, e incluso los músicos de la corte eran representantes de los estratos sociales más bajos. A principios del siglo XX. La música china ha sido significativamente influenciada por la música europea. Los cambios significativos en la sociedad, la influencia de las ideas de izquierda contribuyeron a la aparición de obras de estilo popular, que reflejan los estados de ánimo populares. Con el fin de enriquecer la vida cultural de la gente, en muchas ciudades del país se celebraban regularmente importantes festivales de música, como la "Primavera de Shanghai". El teatro chino unido: 1) baile; 2) cantar; 3) habla; 4) acción; 5) acrobacias. Ya en la antigua China existían varios tipos de espectáculos: 1) circo; 2) bailes acrobáticos; 3) teatros de marionetas y sombras. En las ciudades de la China medieval había teatros permanentes. Los actores en China eran considerados la clase más baja y tenían que cumplir con muchas reglas y prohibiciones. Las artes teatrales de China incluyen: 1) más de 300 géneros tradicionales; 2) más de 60 tipos de teatro de sombras y marionetas; 3) ópera europea; 4) teatro de danza (ballet). Dado que prácticamente no hay accesorios teatrales en el escenario, se utilizan gestos condicionales. La acción no está limitada en el tiempo ni en el espacio. 6. Danza. Ballet. Cine El ballet, que tiene profundas raíces históricas en el arte de la danza folclórica, se ha convertido en un nuevo tipo de arte teatral en China. Desde principios de la década de 1950 hasta mediados de la década de 1960. se crearon una serie de espectáculos de ballet sobre temas históricos y contemporáneos, y en la década de 1980. Ya se han presentado más de 100 nuevas producciones. Uno de los más famosos es el ballet "Flores en la ruta de la seda", que narra la amistad del pueblo chino de la era de la dinastía Tang con los pueblos de otros países. En la década de 1950 El ballet europeo penetró en el escenario chino. El cine en China apareció en la década de 1920, pero logró su mayor éxito después de 1949. Recientemente, las películas chinas se han vuelto cada vez más populares en el mundo y reciben premios en festivales internacionales de cine. Además de largometrajes, filmó: 1) documental; 2) divulgación científica; 3) películas animadas. 7. Pintura Guohua es un género tradicional de la pintura china. Las pinturas están escritas en tinta negra o gris con un pincel sobre papel o seda. El maestro, con unos pocos trazos de tinta negra de varios espesores, crea los contornos generales del paisaje y las figuras humanas, sin escribir los detalles. Los paisajes fueron y siguen siendo el tema principal de "guohua": montañas y ríos, flores y pájaros. Las imágenes en su conjunto y sus detalles individuales, por regla general, tienen su propia interpretación. Por ejemplo, un pino a menudo representado en lienzos simboliza resistencia y longevidad, un sauce: feminidad, modestia y sofisticación, una orquídea: simplicidad y nobleza, etc. Para los artistas chinos no existía la perspectiva lineal, y las montañas, que abundaban en sus pinturas, eran percibidas como un símbolo. El budismo, especialmente el budismo Chan, desempeñó un papel importante en el florecimiento de la pintura clásica china. Muchos investigadores asocian las artes aplicadas, el florecimiento de la pintura y la escultura con el budismo: muchas estatuas de diversas deidades y santos se colocaron en los templos budistas. Se desarrolló especialmente la pintura (en tinta sobre papel, seda), así como el arte de los frescos. Los monasterios budistas, al igual que los taoístas, han sido uno de los centros de la cultura china durante muchos siglos. Generaciones de poetas, artistas, científicos y filósofos pasaron un tiempo aquí, buscaron inspiración y crearon. En los archivos y bibliotecas de los monasterios se acumularon tesoros invaluables de la cultura escrita, trabajaron traductores, compiladores y escribanos. Fueron los monjes budistas chinos quienes inventaron el arte de la xilografía, es decir, la tipografía, la reproducción de texto utilizando matrices (tableros con jeroglíficos de espejo tallados en ellos). Los géneros de las bellas artes occidentales también se han generalizado en China: 1) aceite; 2) grabado; 3) acuarela. Simultáneamente con la pintura, la caligrafía, que se consideraba el pináculo de todas las artes, se desarrolló en China. Los chinos aprecian en su escritura la fuerza, expresividad y elegancia de las líneas, la armonía compositiva de la combinación de elementos gráficos. Este tipo de arte alcanzó un florecimiento especial en los siglos IV-V, cuando se establecieron las cuatro cualidades máximas de la caligrafía: 1) estilo lleno de energía y vitalidad; 2) severidad, fuerza; 3) equilibrio; 4) calidad estética. 8. Arquitectura. Artes y manualidades Ya en el II milenio antes de Cristo. mi. Se desarrolló el tallado de jade y hueso. El jade verde era un objeto de culto en China, era venerado como una "piedra eterna" que guarda la memoria de los antepasados. El valor del jade era tan grande que desempeñó el papel del oro y la plata: se hicieron monedas a partir de él, se estimó la pureza de la arena dorada. Los productos de jade se producen principalmente en Beijing y Shanghái. La talla de marfil se desarrolla en Beijing, Guangzhou y Shanghai. El centro más importante para la producción de productos con esmalte cloisonné es Beijing. Los bordadores generalmente conocen docenas de técnicas de trabajo que le permiten transmitir sutilmente la textura del objeto, las transiciones y tonos de colores, el volumen del objeto representado, así como la perspectiva espacial. Arquitectura interesante e inusual de China. Ya en el 2er milenio antes de Cristo. mi. los chinos construyeron edificios de 3-XNUMX o más pisos con un techo de varios niveles. Típico era un edificio que consistía en soportes en forma de pilares de madera con un techo de tejas, que tenía bordes elevados y una cornisa claramente marcada: una pagoda. Este tipo de edificación fue la principal en China durante muchos siglos. En el siglo III. antes de Cristo mi. En China se construyeron más de 700 palacios imperiales. El salón central de uno de ellos acogió a más de 10 personas. La época en que se formó un único estado centralizado en el país (221-207 a. C.) estuvo marcada por la construcción de la parte principal de la Gran Muralla China, que ha sobrevivido parcialmente hasta el día de hoy. Se sabe que fue construido por más de 2 millones de presos, muchos de los cuales fueron castigados por disentir. La longitud del muro es de más de 4 mil km. CONFERENCIA N° 17. Cultura de la India 1. Características de la cultura india. India es uno de los países más antiguos del mundo que sentó las bases de la civilización global de la humanidad. Los logros de la cultura y la ciencia indias tuvieron un impacto significativo en los pueblos árabe e iraní, así como en Europa. El apogeo de la cultura hindú cae en la Edad Media. 2. Literatura. La ciencia. Religión La literatura india tiene unos 40 siglos de existencia. Es tan heterogéneo y fue creado en tantos idiomas que es sumamente difícil describirlo. La más antigua es la literatura védica. Durante mucho tiempo los Vedas tuvieron el carácter de arte oral. La literatura épica aparece en la primera mitad del I milenio antes de Cristo. mi. Mahabharata (Gran India) es considerada la obra épica más antigua. No menos famosa es otra epopeya: "Ramayana" ("Evagaciones de Rama"). Un destacado representante de la literatura bengalí es Rabindranath Tagore (1861-1941), poeta y escritor, músico y artista. El pináculo del reconocimiento de la obra poética de Tagore fue la concesión del Premio Nobel de Literatura de 1913 por su colección de poemas Un puñado de canciones. Una de las canciones patrióticas de Tagore, "El alma del pueblo", se convirtió en el himno nacional de la India. La ciencia india ha hecho grandes avances. Los antiguos científicos indios desarrollaron el sistema decimal de conteo e introdujeron el concepto de cero. Con errores menores, determinaron la distancia de la Tierra a la Luna y al Sol, calcularon el radio de la Tierra e hicieron muchos descubrimientos astronómicos y científicos. Ya en la época de la civilización india (XNUMXer milenio aC), planificaron ciudades, construyeron estructuras monumentales, sabían escribir, usaban un sistema de medidas y pesos. Todas las principales religiones del mundo están representadas en la India: 1) hinduismo; 2) islam; 3) cristianismo; 4) budismo; 5) judaísmo; 6) Zoroastrismo. India también tiene sus propias religiones (nacionales), como el jainismo y el sijismo. El hinduismo es el más extendido en el país, practicado por más del 80% de la población. Le sigue el Islam (alrededor del 12%), luego el cristianismo, el sijismo, el budismo, el jainismo, etc. La coexistencia pacífica de diferentes religiones en India ha creado una atmósfera única de identidad en la cultura de este país. Las opiniones religiosas de los indios sobre el mundo se expresan vívida y sucintamente en sus bellas artes. 3. Música. Baile. Teatro. Película La música clásica de la India tiene sus propios detalles. No hay armonía europea en ello. La música religiosa india nunca ha sido escrita. Esto es lo que determina la infinitud, lo que proporciona al intérprete una oportunidad única para improvisar. La música clásica india se interpreta con instrumentos nacionales indios. Estos incluyen principalmente vinos y sitares, así como una gran cantidad de tambores diferentes. La danza clásica india tiene sus raíces en la antigüedad. Está lleno de contenido específico. Cada movimiento de las piernas, brazos, ojos, cejas y otras partes del cuerpo tiene su propio significado, por lo que se puede leer la danza india y, a menudo, se acompaña de un recitativo de danza. El teatro indio es uno de los teatros más antiguos del mundo: su teoría y práctica se desarrollaron alrededor del siglo II a. antes de Cristo mi. El cine indio es un fenómeno único que no tiene análogos en el cine mundial. El cine indio es original. Es una continuación natural del drama musical y de danza y requiere una formación especial de los actores que puedan bailar y cantar profesionalmente. Siempre es nacional: la acción de cualquier película siempre está conectada con la India y su gente. 4. Pintura Una de las páginas más brillantes en la historia del desarrollo de la cultura india es la pintura. La pintura como dirección del arte tomó forma en el proceso de ilustrar las enseñanzas hindúes. Estas son principalmente ilustraciones para leyendas. Especialmente muchas ilustraciones están dedicadas a la deidad popular: Krishna, una de las encarnaciones del dios Vishnu. En las miniaturas indias, casi siempre hay un contraste entre un primer plano multicolor y un fondo simple de un solo color (rojo o azul). El pensamiento artístico de los indios representaba criaturas mitológicas. Cada uno de ellos fue preservado y disuelto en el otro, como resultado de lo cual surgió una criatura sin precedentes completamente nueva, combinando caprichosamente los elementos de sus progenitores. Tal es Hanuman (mitad hombre y mitad mono). Otro de los personajes más importantes es Ganesha. Se le representa con cuerpo humano y cabeza de elefante. La originalidad del arte indio radica en la originalidad del pensamiento: religioso y artístico. 5. Arquitectura La arquitectura de la antigua India era predominantemente de madera y no se ha conservado. Destruyendo muchos templos hindúes y jainistas antiguos, los padishahs de la dinastía Mughal (siglo XVI) erigieron mezquitas, madrasas, mausoleos y fortalezas, muchas de las cuales son obras maestras de la cultura mundial hasta el día de hoy. La siguiente etapa fatídica fue el comienzo del siglo XVIII. colonización de la India por parte de Gran Bretaña, que terminó con la completa esclavización del país. Durante más de 200 años de dominación británica, se introdujeron en la vida india muchas tradiciones culturales y políticas europeas, que definen en gran medida el rostro de la India actual. Solo en enero de 1950, India fue proclamada República y finalmente obtuvo la libertad. Las religiones indias crearon en el arte una atmósfera única de movimiento, incompletitud. Un ejemplo vívido de la encarnación clásica en el arte de la interacción contradictoria entre lo finito y lo infinito, lo material y lo espiritual, con el claro dominio de lo infinito y lo espiritual, es una muestra de una estructura budista de culto: una estupa. Todos sus componentes están imbuidos de este principio, desde un diseño de base cuadrada hasta una tapa semiesférica. Los "paraguas" al final del poste, los escalones de ascenso al nirvana, también se consideran símbolos de poder. La estupa estaba decorada con relieves y esculturas de Buda, escenas de la vida de los santos. Una de las estupas más antiguas construidas durante el Imperio Maurya es la estupa Sanchi (siglos III-II a. C.). 6. Escultura El relieve arquitectónico y escultórico en la antigua India se caracterizó por la atención al detalle. Para hacer la imagen más clara y comprensible, el artista descuidó la perspectiva. Es interesante que la escultura suele ser semicircular, es decir, no tiene respaldo o vuelve a crecer en la pared. Ocasionalmente encontrado en la India y escultura redonda. Allá por el siglo I antes de Cristo mi. templos de cuevas comenzaron a ser tallados en las rocas. Estos son templos budistas - chaityas. En el arte budista primitivo, la figura del propio Buda casi nunca se encuentra. Su imagen se reemplaza según el contenido de la flor de loto representada, luego el árbol sagrado detrás de la cerca, luego la rueda con radios, luego la estupa, luego los pies (huellas de Buda). Solo después de que las enseñanzas budistas se generalizaron entre la gente y el camino sagrado de Buda se hizo conocido por todos, fue posible representarlo en forma humana. siglos IV-VI fueron el apogeo del arte antiguo de la India. En ese momento, el norte de la India se unió en el poderoso estado de los Guptas. Se han conservado notables ejemplos de pinturas de este período en templos de cuevas budistas y monasterios en Ajanta. Se crearon 29 cuevas, cuyas paredes, techos y columnas están pintadas con escenas de tradiciones y leyendas budistas y decoradas con esculturas y tallas. Posteriormente aparece una especie de templo en forma de torre. Estos templos tenían una forma ovalada alargada, en su parte superior había un paraguas en forma de loto o pirámide rectangular. La multitud principal de creyentes se desvió del templo desde el exterior. En el patio de los templos, así como en las paredes, había esculturas. Cuando el famoso viajero ruso, el comerciante de Tver Afanasy Nikitin en el siglo XV. visitó la India, vio allí los santuarios de otra religión extendida en este país: el Islam: se trataba de mezquitas, así como de mausoleos, que no estaban en la antigua India. Esta nueva arquitectura indo-musulmana enriqueció el arte de la India y lo hizo aún más diverso en forma y contenido. Sin embargo, la conquista musulmana asestó un duro golpe al desarrollo de la arquitectura hindú. Muchos magníficos templos hindúes fueron destruidos y no se erigieron nuevos edificios significativos. CONFERENCIA N° 18. Cultura del Antiguo Egipto 1. Periodización y características generales de la cultura del Antiguo Egipto La civilización del Antiguo Egipto es una de las más antiguas del mundo. Ella le dio a la humanidad grandes monumentos de arquitectura, bellas artes, escritura. La historia de la cultura del Antiguo Egipto se suele dividir en los siguientes periodos: 1) período predinástico (IV milenio, 33-30 siglos aC); 2) el reino antiguo (siglos XXX-XXIII aC); 3) el reino medio (siglos XXI-XVIII aC); 4) nuevo reino (siglos XVI-XI aC); 5) tiempo tardío (XI-332 aC). Durante mucho tiempo, la cultura egipcia se desarrolló aisladamente. En el mundo tradicional de los reinos orientales, prácticamente no hubo cambios. Las reglas y cánones de la creatividad artística que se habían desarrollado en la antigüedad permanecieron casi sin cambios. La inviolabilidad y la grandeza del poder del rey se enfatizaron de una vez por todas mediante métodos establecidos. El culto funerario tuvo una gran importancia en la religión del Antiguo Egipto. Sin embargo, incluso en el marco de un apego tan estricto a las tradiciones y los cánones, el arte del antiguo Egipto no estuvo exento de movimiento. Los rasgos característicos de la cultura del antiguo Egipto eran la conciencia del poder, el deseo de preservarlo y aumentarlo, la sed de inmortalidad. El arte en su conjunto tenía un carácter monumental que abrumaba al espectador. 2. Religión El politeísmo que existía en Egipto no contribuyó a la centralización del estado. El faraón Amenhotep IV (siglo XIV aC) intentó llevar a cabo reformas religiosas para establecer el monoteísmo. La característica más importante de la religión y la cultura del antiguo Egipto fue la protesta contra la muerte. Los egipcios creían en la inmortalidad del alma: esta era la doctrina principal de la religión egipcia, y el apasionado deseo de inmortalidad determinaba toda la cosmovisión de los egipcios. El deseo de inmortalidad se convirtió en la base para el surgimiento del culto funerario, que desempeñó un papel extremadamente importante en la historia del antiguo Egipto. La condición principal del más allá, los egipcios consideraban la preservación del cuerpo del difunto. Esta inquietud llevó al surgimiento del arte de hacer momias. Para prolongar la vida después de la muerte, era importante cuidar la construcción de una tumba para el cuerpo. 3. Educación y ciencia. Literatura El surgimiento de la escritura egipcia se atribuye al siglo XXX. antes de Cristo mi. A pesar de la complejidad de la escritura jeroglífica, ya en el período más antiguo, no solo los sacerdotes, escribas y nobles, sino también los constructores estaban alfabetizados. En el III milenio antes de Cristo. mi. en la corte del faraón aparecieron escuelas en las que se formaban los futuros escribas. La ciencia era una parte importante de la cultura egipcia: sin conocimiento científico, era imposible administrar la economía, la construcción, los asuntos militares y el gobierno. Matemáticas desarrolladas bajo la influencia de necesidades prácticas. Los egipcios aprendieron a determinar con precisión el momento de la siembra, la maduración y la cosecha del grano. Crearon un calendario preciso basado en observaciones de los cuerpos celestes. La medicina ha hecho progresos significativos. El desarrollo de la ciencia médica se vio facilitado por la costumbre de la momificación de los cadáveres, gracias a la cual los sacerdotes y médicos podían estudiar la anatomía del cuerpo humano y sus órganos internos. El logro de la medicina egipcia antigua puede considerarse la doctrina de la circulación sanguínea y el corazón como su órgano principal. Los egipcios establecieron una conexión entre el daño cerebral y la disfunción de las partes del cuerpo. Ya en el período más antiguo, se desarrolló la especialización de los médicos: por ejemplo, los médicos diferían "uterino", oftálmico, dental. Al II milenio antes de Cristo. mi. incluyen los mapas geográficos más antiguos que nos han llegado. También se acumuló conocimiento histórico. En Egipto, durante mucho tiempo mantuvieron una lista de reyes que indicaba las fechas exactas del reinado y una descripción detallada de los eventos que tuvieron lugar durante los años de su reinado. La civilización del Antiguo Egipto dejó a la humanidad un rico patrimonio literario. El rasgo más característico de la literatura egipcia antigua es su conexión inextricable con la religión y el carácter tradicional indispensable de las historias antiguas. La mayoría de las obras literarias eran la forma de arte de los mitos. La literatura cumplía la función de explicar cuestiones sobre el origen del mundo, el significado de la vida y la muerte, los fenómenos naturales, etc. Muchas de estas obras, además de un reflejo de la realidad, también contienen elementos de fantasía. 4. Música, pintura La cultura musical de Egipto es una de las más antiguas del mundo. La música acompañaba todas las ceremonias religiosas, las celebraciones masivas y, por tanto, estaba íntimamente relacionada con la danza y la literatura. Se le atribuyen poderes mágicos. Los músicos gozaban de un gran respeto en la sociedad, se les consideraba parientes de los faraones. Jugado en: 1) lira; 2) tambor; 3) flauta doble; 4) arpa. La pintura también era muy común en el antiguo Egipto. La mayoría de los murales de la antigüedad no se han conservado, pero se han derrumbado muchas muestras del Reino Medio. Las criptas de este período fueron pintadas con frescos en el interior. Representaron escenas de la vida, la vida de las personas, la naturaleza a orillas del Nilo. Los sirvientes fueron retratados como muy pequeños. En las tumbas de reyes y nobles, se encontraron los llamados "ushebti", numerosas figurillas de esclavos, músicos, cocineros en poses libres y desinhibidas, que se distinguen por la emotividad y el movimiento. Con el tiempo, las tramas se vuelven más diversas, las escenas se vuelven más dinámicas. El esquema de color se vuelve más suave y rico. Las imágenes de las paredes del Nuevo Reino han sufrido cambios significativos. En los relieves y murales de los templos, las composiciones dinámicas y complejas fueron reemplazadas por temas suaves y pausados. Vemos los carros de carreras rápidas del gran conquistador Tutmosis III, historias de grandes viajes, escenas de caza y magníficas fiestas. El color de las pinturas está enriquecido con tonos rosados cálidos y dorados que transmiten tonos de piel humana. 5. Arquitectura Una característica importante de la cultura egipcia antigua fue la construcción de pirámides. La aparición de estructuras como las pirámides llevó a la búsqueda de nuevas formas arquitectónicas para exaltar el poder real. En el siglo XXVIII. antes de Cristo mi. el arquitecto del faraón Djoser, Imhotep, creó una estructura dirigida hacia arriba a partir de siete escalones decrecientes colocados uno encima del otro (el número 7 es sagrado, la altura es de 70 m). Los seguidores de Imhotep, desarrollando aún más sus ideas, llegaron a la creación de pirámides del llamado tipo clásico, con bordes lisos, que golpearon la imaginación de los contemporáneos y descendientes lejanos. El período del Imperio Nuevo es especialmente interesante por su arquitectura. Los faraones de la dinastía XVIII conquistaron grandes territorios (Sudán, Palestina, parte de Turquía, etc.), ya que allí se concentraron importantes recursos: oro, resinas. Innumerables riquezas permitieron a los gobernantes de Egipto decorar el país y la capital, Tebas, con magníficos templos. De particular importancia es el culto de la deidad suprema Amón-Ra. El principal tipo de estructura arquitectónica en el período del Nuevo Reino es el templo. En la capital de Egipto, Tebas, se crearon dos famosos complejos de templos en Karnak y Luxor, dedicados al culto de Amón-Ra. Si las tumbas de los faraones se convirtieron en lugares secretos de enterramiento, entonces la construcción de templos mortuorios se volvió aún más importante para la glorificación de los reyes. Un lugar especial entre los templos mortuorios lo ocupa el templo de la reina Hatshepsut (siglo XV a. C.). Las tendencias emergentes en las artes visuales propiciaron su extraordinario auge, que pasó a la historia con el nombre de periodo de Amarna (inicios del siglo XIV a. C.). Esto fue precedido por serios trastornos en la vida política y religiosa de Egipto (ver el comienzo de la conferencia, la reforma de Akhenaton). Las obras de arte encontradas en la tumba del faraón Tutankamón también están hechas en las tradiciones del estilo Amarna. A finales de los siglos XIII-XI. antes de Cristo mi. comienza un período de declive prolongado. Se está parando la construcción de grandes estructuras, se están perdiendo las habilidades de los maestros plásticos y de la pintura. 6. Escultura La arquitectura de Egipto estaba indisolublemente unida a la escultura, y la escultura se asociaba principalmente con ideas sobre el más allá. El hombre fue representado en poses estáticas. Los escultores buscaron crear una impresión de monumentalidad. Las estatuas están pintadas en colores tradicionales. 1. Hombres - en marrón rojizo. 2. Mujer - en amarillo. Se utilizaron incrustaciones de piedras y metales preciosos. Junto a la pirámide del faraón Khafre se encuentra una asombrosa estatua de la llamada Gran Esfinge, una criatura fantástica con el cuerpo de un león y la cabeza retratada de un rey. La base de esta estructura es una piedra caliza, hábilmente procesada por artesanos. Las dimensiones de la estatua son enormes: longitud 57 m, altura 20 m La tarea de la esfinge es proteger el camino de la Ascensión, a lo largo del cual se arrastró el sarcófago con el cuerpo del faraón. Los rasgos del retrato de la esfinge coinciden con los del faraón Khafre. Las estatuas del príncipe Rakhotep y su esposa Nofret pueden servir como ejemplos clásicos de la escultura del Reino Antiguo. Durante el apogeo del Reino Medio, se formó una nueva dirección en el arte plástico de Egipto. Los maestros comienzan a prestar más atención a las características individuales del individuo. Con la ayuda de detalles cuidadosamente elaborados, se esfuerzan por mostrar el carácter de una persona, su edad y su estado de ánimo. El nuevo estilo de armonía y belleza también se manifiesta en las bellas artes y la escultura del Nuevo Reino. Entonces, los retratos del trono de Hatshepsut representan a una faraona con atuendo real completo e incluso con una barba artificial, tal es el canon. Pero hay otras imágenes de la reina, donde aparece con todo el encanto de la ternura y belleza femenina. Los logros más significativos del período de Amarna están asociados con el desarrollo de un nuevo estilo de formas plásticas, con una nueva interpretación de la imagen de una persona. El arte siguió el camino del acercamiento a la vida real, el camino de revelar el verdadero mundo interior del hombre. El pináculo de las artes plásticas del período que se examina son los bustos de retratos de la bella esposa de Akenatón, la reina Nefertiti. La hermosa cabeza de Nefertiti sobre un cuello largo y flexible está rematada con una corona real. La impresión se ve reforzada por los cálidos tonos carne del revestimiento, combinados con un lujoso collar y una corona azul brillante de la reina. No solo en la interpretación de las imágenes, sino también en el esquema de la trama de lo representado, aparecen muchas cosas nuevas. Escenas cotidianas e incluso íntimas aparecen en los relieves y pinturas murales de Akhetaton. El faraón está representado rodeado de una familia con su amada esposa y niños jugando. CONFERENCIA N° 19. Cultura de la Antigüedad (Antigua Grecia y Antigua Roma) 1. Características de la cultura antigua. La cultura antigua en la historia de la humanidad es un fenómeno único, un modelo a seguir y un estándar de perfección creativa. Algunos investigadores lo definen como un "milagro griego". La cultura griega se formó sobre la base de las culturas del Egeo y Creta-Micenas y se convirtió en la cuna de la cultura europea moderna. La especial posición geográfica de Grecia es la intersección de concurridas rutas comerciales marítimas; ciudades-estado con su democracia; una forma especial de pensar (contemplación más un alto nivel de lógica) es el contenido y la originalidad de la cultura griega. La antigua Grecia fue mucho más allá de las fronteras nacionales, creando un arte que era comprensible tanto para los helenos como para todos los demás pueblos. Antigua Roma significa no solo la ciudad de Roma, sino también todos los países y pueblos conquistados por ella como parte del estado romano. El arte romano fue creado tanto por los romanos como por: 1) los antiguos egipcios; 2) griegos; 3) sirios; 4) habitantes de la Galia; 5) la antigua Alemania y otros pueblos. La antigua Roma le dio a la humanidad un ejemplo de un entorno cultural enriquecido: ciudades cómodas con calles pavimentadas, puentes magníficos, edificios de bibliotecas, archivos, palacios con muebles sólidos, todo lo que es característico de una sociedad civilizada moderna. La periodización de la cultura antigua es muy compleja. 2. Religión En la cultura antigua, existe el deseo de expresar su comprensión del mundo. Se están desarrollando categorías estéticas que expresan valoraciones y aspectos importantes de la cosmovisión griega. 1. Armonía. 2. Simetría. 3. Belleza. La religión antigua se caracteriza por el politeísmo - politeísmo. Las primeras deidades en Roma incluyen a los patronos del hogar: los penates, lares, las almas deificadas de los antepasados y la diosa Vesta, cuyas sacerdotisas (vestales) mantenían un fuego inextinguible en su templo. Poco a poco surgieron dioses más individualizados. Por ejemplo, entre los antiguos griegos: Zeus the Thunderer, el dios supremo; dios de la guerra Ares; el dios del elemento agua Poseidón; diosa del amor Afrodita. Entre los romanos, Júpiter, Marte, Neptuno, Venus correspondían a estos dioses. Numerosos colegios sacerdotales (vestales, augures) mantuvieron el respeto a los dioses y la observancia de las costumbres y tradiciones. El culto estaba encabezado por un colegio de pontífices encabezado por el gran pontífice. 3. Teatro. Música El teatro jugó un papel importante en la vida de los antiguos romanos. Podría expresar sus sentimientos y emociones. El teatro no solo reflejaba la vida de los antiguos griegos y romanos, sino que también servía como manifestación de su interés por la política. La antigua Grecia dejó 3 nombres de los autores de la tragedia: 1) Esquilo; 2) Sófocles; 3) Eurípides; 4) Aristófanes es comediante. El estado se hizo cargo de los ciudadanos pobres, dándoles dinero para visitar el teatro. El destino del teatro en la época helenística es interesante. La primera obra del creador de la "nueva comedia", la comedia costumbrista Menandro (342-291 a. C.), está dedicada a la vida de las familias atenienses comunes con sus preocupaciones. La dramaturgia y el teatro griegos surgieron de las festividades rurales en honor a Dionisio, el dios de la vinificación, acompañadas de cantos, danzas y representaciones con la participación de los mimos. Más tarde, un artista especial se destacó del coro: un actor. La improvisación fue reemplazada por una fijación precisa del papel del actor y el coro. El teatro popular tenía características organizativas: constaba de 3 partes: 1) orquestas (escenarios); 2) asientos para espectadores; 3) pieles (vestidor). En la era temprana, las decoraciones eran estructuras de madera maciza, más tarde, decoraciones pintadas. El contenido de la tragedia griega requería el uso de máquinas teatrales. Los más comunes eran una plataforma retráctil y un dispositivo que permitía a los dioses y otros actores elevarse por los aires y descender. Los roles de las mujeres siempre han sido interpretados por hombres. Los actores griegos usaban máscaras en la cara, que fueron reemplazadas incluso durante la interpretación de un papel. Para aumentar su altura, los actores de la tragedia usaron koturny, zapatos de plataforma. En la era helenística, el arte del actor se convirtió en una profesión. Los orígenes del drama y el teatro romano se remontan a las fiestas rurales de la cosecha. Edificios de teatro permanentes en Roma hasta mediados del siglo I. antes de Cristo mi. no tenía. En la comedia, la acción suele tener lugar en una calle de la ciudad. La arquitectura del teatro romano tenía una serie de características que lo distinguían del griego. Los asientos para los espectadores estaban dispuestos en uno o más niveles en forma de semicírculo. Los espectáculos de circo y las peleas de gladiadores que se celebraban en el Coliseo eran muy populares. La música también tuvo una gran importancia en la antigüedad. Los griegos creían que la armonía en la música crea el estado de ánimo de una persona. El canto y la ejecución de instrumentos musicales constituyeron una parte importante de las competencias de diversas políticas. La música entre los griegos estaba estrechamente asociada con la poesía y la danza. Los grandes trágicos griegos, Esquilo, Sófocles, Eurípides, no solo fueron dramaturgos brillantes, sino también compositores. Los principales instrumentos musicales de los antiguos griegos: 1) lira; 2) cítara; 3) arpa. En Roma también existía una cultura musical distintiva. Se han conservado descripciones de antiguos cantos triunfales, nupciales, funerarios y de copas, cuya interpretación iba acompañada de tocar un instrumento musical. Los romanos nobles y ricos mantuvieron las orquestas alejadas de los esclavos. 4. Iluminación La educación de los ciudadanos nacidos libres en la Antigua Grecia tenía como objetivo formar propietarios de esclavos que supieran cómo mantener a los esclavos en sujeción y proteger su estado de los enemigos externos. Dependiendo de las condiciones de desarrollo, se desarrollaron varios sistemas de educación, de los cuales los más famosos fueron dos: 1) espartano; 2) Ateniense. En Esparta (Laconica), los niños que llegaban a la edad de 7 años eran colocados en una institución educativa cerrada, donde permanecían hasta la edad adulta. La educación estaba dirigida principalmente al entrenamiento físico. La enseñanza de la lectura y la escritura no estaba incluida en el programa de educación obligatoria. Se llevaron a cabo conversaciones con los niños sobre temas políticos, y trataron de desarrollar un discurso corto pero significativo ("lacónico"). La educación ateniense era mucho más versátil y establecía como tarea una combinación de principios morales, estéticos y físicos. Hasta la edad de 7 años, los niños se criaban en casa; luego asistieron a escuelas primarias, donde aprendieron a leer, escribir y contar, y más tarde aprendieron a cantar, tocar instrumentos musicales y memorizar poemas de Homero. Desde los 12-13 años, los muchachos se mudaron a la palestra, donde recibieron educación física. Los jóvenes más ricos asistían entonces al gimnasio, donde estudiaban filosofía, política y literatura. Las niñas se criaron en la familia, acostumbradas a las labores domésticas y al manejo de esclavos. La educación romana como sistema se desarrolló durante el período de la república. Con el desarrollo de las ciudades, surgieron escuelas en las que se enseñaba a los niños a leer, escribir y contar. Los aristócratas daban a sus hijos su educación inicial en casa. En el sistema de educación se prestó mucha atención al entrenamiento físico de la juventud. En la era del Imperio, la educación se vuelve cada vez más formal. 5. Ciencia En la antigüedad, el conocimiento científico también se desarrolló activamente. Entre las ciencias destacan: 1) geografía (Eratóstenes); 2) física (Demócrito); 3) filosofía (Sócrates, Platón, Aristóteles, Demócrito, etc.). Bajo los auspicios del estado, se está formando la famosa biblioteca y escuela científica de Alejandría, el Alexandria Museion, el prototipo de las nuevas academias europeas de ciencias. El estado se hizo cargo de la reposición de la biblioteca local. El conocimiento de las ciencias naturales de Roma se formó sobre la base del desarrollo de una producción centenaria, la experiencia de los propios romanos y la asimilación de la cultura de otros pueblos del Mediterráneo. Obras conocidas: 1) 3 libros "Sobre la agricultura" de M. T. Varron; 2) "Sobre la agricultura" de Catón el Viejo; 3) Columela "Sobre la agricultura"; 4) el poema de Virgilio "Geórgicas"; 5) "Diez libros de arquitectura" de Vitruvio. El crecimiento territorial del Imperio Romano contribuyó a la expansión del conocimiento geográfico: apareció un gran mapa geográfico y obras geográficas. También se desarrolló la medicina. Las matemáticas entre los romanos se aplicaban estrictamente en la naturaleza y se contentaban con cálculos aproximados. 6. Literatura La literatura se desarrolló rápidamente. Período siglos VI-IV. antes de Cristo mi. llamado "Clásicos griegos". El desarrollo de la poesía lírica, que surgió de la bebida y los cantos nupciales, atestigua la atención a la persona, el mundo de sus sentimientos y experiencias. La gran poetisa griega Safo canta la belleza y el amor en sus poemas. Pero este no fue el caso en los poemas de Homero. La literatura busca reflejar las debilidades y los vicios del hombre: nace un género de prosa especial: una fábula. "Padre de la fábula" Esopo denuncia sabia y despiadadamente los lados oscuros del alma humana. La literatura del pueblo romano comenzó a tomar forma en el siglo III a. antes de Cristo mi. Junto a la poesía culta, también existió en Roma la poesía profana. El monumento literario más antiguo de la prosa latina es el discurso contra Pirro pronunciado en el Senado por Apio Claudio el Ciego en el 280 a. mi. El autor romano, cuyas obras conocemos, descendientes, en su totalidad, fue el dramaturgo Plauto (c. 254-184 a. C.). Un ejemplo de oratoria fueron los discursos de Mark Tullius Cicero (106-43 aC). Junto con la literatura en prosa, la poesía latina también logró un gran éxito en la obra de Lucrecio Cara (c. 99-55 a. C.), el autor del poema filosófico Sobre la naturaleza de las cosas. Cayo Valerio Catulo (c. 84-54 a. C.) fue un destacado poeta lírico. Se hizo famoso como autor de poemas líricos originales dirigidos a la amada mujer Lesbia. Las obras literarias más importantes fueron creadas por los poetas Virgilio (70-19 a. C.) y Horacio (65-8 a. C.). El creador de la elegía romana clásica fue Tibull (c. 50-19 a. C.). Publius Ovid Nason (43 a. C. - 17 d. C.) se hizo famoso por sus letras de amor, el libro "La ciencia del amor". Sus "Metamorfosis" ("Transformaciones") y "Heroides" ("Mensajes") son un tratamiento poético de los mitos griegos y romanos. De particular importancia es el "Satyricon" de Petronio (siglo I), una de las primeras novelas antiguas, en la que se da una imagen acusatoria de la vida de una provincia italiana depravada. 7. Pintura La era de los clásicos especialmente altos (450-400 a. C.) no toleraba modelos con fallas: todo en una persona debe ser perfecto. El reinado del emperador Nerón, uno de los gobernantes más crueles de la historia romana, fue el apogeo del retrato. La evolución de su imagen se puede rastrear en toda una serie de retratos. Los retratos posteriores representan a Nerón como una naturaleza compleja y contradictoria. Los artistas de la Antigua Roma por primera vez prestaron mucha atención al mundo interior de una persona y lo reflejaron en el género del retrato, creando obras que no tenían igual en la antigüedad. Muy pocos nombres de artistas romanos han sobrevivido hasta nuestros días. La pintura de la época de la república se caracteriza por retratos muy cercanos al original. Transmiten todas las características más pequeñas del rostro humano, además de dotarlo de las características de la vejez, el final de la vida. El personaje principal del retrato era un anciano patricio de voluntad fuerte que, según las leyes romanas, tenía "derecho de vida o muerte" sobre todos los miembros de su casa. A mediados del s. I. en las artes visuales, el género de la naturaleza muerta (del francés "naturaleza muerta") comenzó a tomar forma, mostrando objetos inanimados. Los romanos representaron tanto carnicerías, en las que cuelgan los cadáveres de animales muertos, como obras simbólicas: por ejemplo, una mesa dorada sobre un fondo de cortinas escarlata. El emperador Trajano rechazó peinados exuberantes, ricos claroscuros. El arte de su tiempo apuesta por el ideal de la aparente sencillez: aquí aparece la grandeza y el poder, antes ausentes en las obras de arte. Con el advenimiento de la era de los "emperadores soldados", los maestros dejaron de representar el cabello exuberante, casi se quitaron el bigote y la barba. La era de la geometría en Grecia (siglos IX-VIII aC) ha sido subestimada durante mucho tiempo por los científicos; se la consideraba pobre en la decoración de cosas. Los murales estuvieron dominados por el estilo geométrico, llamado así por las formas claras y lógicas de las principales técnicas decorativas: 1) rombo; 2) cuadrado; 3) rectángulo; 4) círculo; 5) zig-zag; 6) línea. Sin embargo, cada vasija contiene mucha información sobre el mundo, encriptada en su forma y pintura. 8. Arquitectura Los griegos crean una ciudad en la que se forma un sistema reflexivo y claro de formas arquitectónicas: un orden (del latín ordo - "orden", sistema), que luego se convierte en la base de la arquitectura griega y nueva europea. Los romanos por primera vez comenzaron a construir ciudades "típicas", cuyo prototipo fueron los campamentos militares romanos. Se colocaron dos calles perpendiculares, en cuya intersección se erigió el centro de la ciudad. La planificación urbana estuvo sujeta a un esquema estrictamente pensado. Los romanos inventaron el hormigón, el material de construcción más importante, con la ayuda de la cual arreglaron los edificios en construcción. Los primeros órdenes griegos son el dórico y el jónico (los nombres están asociados a los lugares de su origen). Posteriormente aparece el orden corintio, próximo al jónico. En el siglo VII antes de Cristo mi. se está completando la formación de los principales tipos de templos. Los arquitectos eligieron el orden de los templos según el género, el espíritu y la autoridad olímpica de la deidad. Hubo exposiciones y debates. En los años 60. siglo V antes de Cristo mi. Se reconstruyó el templo de Zeus en Olimpia, el santuario panhelénico más importante, donde se celebraban los Juegos Olímpicos cada 4 años. La historia de Roma se divide en dos etapas. 1. El primero, la era de la república, que llegó a fines del siglo VI. antes de Cristo mi. 2. La segunda etapa, la imperial, comenzó durante el reinado de Octavio Augusto y se prolongó hasta el siglo IV. norte. mi. Otro atractivo de Roma: la plaza del mercado - el foro. Por un lado, lindaba con el impresionante edificio del archivo estatal: el Tabularium. Los templos se elevaban en la plaza, entre ellos el Templo redondo de Vesta. Aquí también se levantaron columnas, a las que se adjuntaron listas: las proas de los barcos enemigos derrotados (columnas rostrales) y pasó un "camino sagrado" a lo largo del cual se colocaron bancos. El extenso foro estaba rodeado por una columnata de 2 pisos. Había un gran anfiteatro, diseñado para 20 mil espectadores, superó con creces las necesidades de los habitantes de la ciudad. Interesantes edificios de casas romanas - "domuses". Estas eran estructuras rectangulares que se extendían a lo largo del patio y daban a la calle con paredes en blanco en los extremos. La sala principal era un atrio (lat. atrio - "entrada") con un agujero en el centro del techo, debajo del cual había una piscina para recoger agua. En general, el atrio servía como "pilar del mundo", conectando cada casa romana con el cielo y el inframundo. En el atrio había un armario para guardar máscaras de cera de antepasados e imágenes de buenos espíritus patronos: lares y penates. Por dentro se pintaron las casas. Los frescos bellamente conservados muestran cómo era el entorno de vida típico de un romano. Nerón decidió darle a Roma un nuevo aspecto. Por decreto del emperador, se quemaron en secreto varias manzanas de la ciudad, en cuyo sitio el emperador erigió la famosa Casa Dorada. Varias de sus salas se han conservado, algunas de las salas tienen una forma inusual (por ejemplo, octogonal). En los años 70-80. siglo primero norte. mi. se construyó el grandioso anfiteatro Flavio, llamado Coliseo (del latín collosseo "enorme"). Fue construido en el sitio de la destruida Casa Dorada de Nerón y pertenecía a un nuevo tipo arquitectónico de edificios. El Coliseo Romano era un enorme cuenco con filas escalonadas de asientos, cerrado desde el exterior por una pared anular. Tenía capacidad para unos 50 mil espectadores. Había 4 niveles de asientos en el interior. En los días soleados, un enorme dosel de lona, el velarium, se colocaba sobre el Coliseo. En los anfiteatros se daban diversas representaciones: batallas navales, batallas de personas con animales exóticos, luchas de gladiadores. Los romanos prácticamente no representaron tragedias, e incluso las comedias no tuvieron éxito. La segunda obra maestra de la arquitectura de la era Flavia es el famoso Arco Triunfal de Tito. El arco fue erigido en honor al gobernante en el año 81, después de su muerte. Inmortalizó la campaña de Tito en el 70 a Jerusalén. Las cenizas de Tito fueron enterradas en el ático. Por eso enterraban únicamente a personas con un carisma especial (del griego "don divino"), es decir, dotadas de cualidades personales excepcionales. Otros ciudadanos descansaron a lo largo de los caminos fuera de las puertas de la ciudad de Roma. Bajo Troya, el Imperio Romano alcanzó el apogeo de su poder. Este emperador fue considerado el mejor de todos en la historia romana. El monumento más famoso de Troyan en Roma es su foro. Arquitectura romana en el siglo III los términos (baños) de Caracalla son especialmente grandiosos. Las termas para los romanos eran algo así como un club, donde la antigua tradición de las abluciones rituales fue creciendo gradualmente con complejos para el entretenimiento y las clases, palestras y gimnasios, bibliotecas y salas para lecciones de música. Las Termas de Caracalla ocupaban un colosal terreno con césped, disponían de salas de agua caliente, templada y fría. 9. Escultura. florero pintura En la escultura antigua del período arcaico, las estatuas de dioses antropomórficos (similares a los humanos) todavía son comunes. Y los personajes de las estatuas de los siglos VII-VI. antes de Cristo mi. no solo dioses, sino también jóvenes, kuros y niñas, ladran, participantes en procesiones religiosas. Las estatuas individuales se asemejan a columnas: los brazos están muy pegados al cuerpo, los pies están al mismo nivel. Las figuras masculinas y femeninas tienen casi las mismas proporciones: cinturas delgadas y hombros anchos, con la única diferencia de que las estatuas masculinas aparecen muy a menudo desnudas y las estatuas femeninas con túnicas. A finales del siglo VI - principios del siglo V. antes de Cristo mi. las proporciones de las figuras se vuelven más naturales y sus movimientos más libres. Las formas del cuerpo se vuelven más fuertes, más reales, y la sonrisa desaparece de los rostros. Los escultores Fidias, Miron, Polikleitos trabajaron en la antigua Atenas. Gran parte de su trabajo nos ha llegado en copias romanas en mármol. El mayor desarrollo de la escultura está asociado con un aumento en el interés por el mundo interior del hombre. La masculinidad y severidad de las imágenes de los clásicos están siendo reemplazadas por la escultura, donde los autores logran transmitir el sutil y rico mundo espiritual por medios plásticos. Aquí, el famoso maestro antiguo Praxiteles (c. 390-330 a. C.) se mostró magníficamente. Nativo de la isla de Paros, Skopas (siglo IV a. C.), transmite la intensidad de las emociones, a veces un colapso trágico. El escultor Lysippus, trabajando en bronce, se impuso otras tareas. Otro elemento importante del arte de la antigüedad son los jarrones pintados. Sus formas y tamaños variaban mucho. Existían diferentes tipos de embarcaciones, tales como: 1) cráter; 2) pelíka; 3) ánfora; 4) nefora; 5) hidria; 6) canfar; 7) clave; 8) kílix; 9) lenif; 10) lutfor; 11) enochoa; 12) psíquico; 13) skyphos; 14) stamos. En Ática, siglo VI antes de Cristo mi. - el área de Atenas - Las vasijas de estilo de figuras negras eran populares: las figuras negras se ubicaban sobre un fondo claro. Sin embargo, introdujeron una serie de innovaciones, como el barniz. El alfarero y el pintor de jarrones pusieron sus firmas en los jarrones. Pero durante unos 30 años. siglo VI antes de Cristo mi. el estilo de figuras rojas se puso de moda: las figuras se volvieron claras y el fondo oscuro. CONFERENCIA No. 20. Cultura de Japón 1. Características de la cultura japonesa La periodización de la historia y el arte japoneses es muy difícil de entender. Los períodos (especialmente a partir del siglo VIII) se distinguieron por las dinastías de gobernantes militares (shogunes). El arte tradicional de Japón es muy original, sus principios filosóficos y estéticos difieren de los occidentales. Su formación estuvo influenciada por la especial actitud de los japoneses hacia la belleza de su naturaleza nativa, que desde la antigüedad se percibía como una perfección creada por Dios. Adorando la belleza de la naturaleza, los japoneses intentaron vivir en armonía con ella y respetar su grandeza. 2. Literatura La tradición literaria japonesa es considerada una de las más antiguas. Las primeras obras escritas datan del siglo VIII. Su aparición está asociada con el préstamo de la escritura jeroglífica china. La literatura japonesa ha sido durante mucho tiempo influenciada por la literatura china. Los primeros monumentos escritos de la literatura japonesa son colecciones de mitos y leyendas japoneses sobre las hazañas de dioses y héroes legendarios. siglo VIII considerado el apogeo de la literatura cortesana (prosa y poesía). En este momento, se formaron géneros literarios como la leyenda y el "diario". Durante el período de Kamakura y Muromachi, cuando la clase militar y los samuráis jugaban un papel destacado en la sociedad japonesa, las crónicas militares ganaron gran fama y popularidad. Las tramas de las crónicas militares sirvieron de base para muchas obras de teatro al estilo de noh, kabuki y jeruri. El género clásico de la poesía japonesa se considera poemas llamados "versos cortos", que consta de 5 líneas (31 sílabas - distribución a lo largo de las líneas 5-7-5-7-7). Esta es la poesía "elevada" en japonés, que disfrutó del patrocinio especial de la corte imperial. En la corte, se organizaron concursos especiales de poesía, los mejores poemas se combinaron en colecciones imperiales. En el siglo XNUMX las leyendas, parábolas y relatos que surgían en forma oral adquirieron gran popularidad. Entonces se forma la prosa del autor. El género principal durante mucho tiempo fue el gesaku: historias entretenidas de género, cuyo contenido principal eran historias divertidas de la vida circundante. La literatura en el género de gesaku se dividió en varias áreas: 1) "historias ingeniosas", cuyo tema principal eran principalmente historias entretenidas y, a menudo, cínicas, incluidas historias de la vida de los "barrios divertidos"; 2) "libros de historietas"; 3) "libros de pasiones humanas": historias sentimentales pero muy realistas sobre damas de los "distrito de las delicias" y sus admiradores. El estilo gesaku no sobrevivió a la caída del shogunato Tokugawa, en la nueva literatura japonesa de finales del siglo XIX y principios del XX. ha habido un punto de inflexión marcado causado por la influencia y la popularidad de la literatura occidental. 3. Religión Los principios estéticos del arte japonés se formaron bajo la influencia de las tres doctrinas religiosas y filosóficas más importantes que determinaron la cosmovisión tradicional de los habitantes de la Tierra del Sol Naciente: 1) sintoísta; 2) confucianismo; 3) Budismo. La veneración de la naturaleza como un principio divino tomó forma en la antigua religión nacional de los japoneses: el sintoísmo. Inicialmente, cada clan tenía sus propias deidades patronas; sin embargo, el panteón sintoísta oficial se formó a partir de las deidades patronas del clan ascendente Yamato. En honor a las deidades sintoístas, se construyeron numerosos templos, ubicados, por regla general, en la espesura del bosque y en las montañas. Cada templo estaba rodeado por un jardín con un pequeño estanque y piedras cubiertas de musgo; el templo estaba rodeado de puertas sagradas, y el camino hacia él estaba decorado con numerosos faroles de piedra. El confucianismo, como el budismo, llegó a Japón desde China. El confucianismo suele entenderse como la doctrina religiosa y filosófica tradicional china antigua, que elevó los principios éticos a la categoría de leyes universales. Según los cánones confucianos, el principio rector del universo es el cielo. El representante plenipotenciario del Cielo en la tierra es el emperador, de cuya justicia depende el bienestar del estado. Los ciudadanos deben honrar al emperador, observar estrictamente las leyes y los rituales y observar los principios morales. La persona ideal, desde el punto de vista confuciano, es un marido ilustrado y noble, que se preocupa por los intereses de su estado y es devoto de su emperador. El budismo desempeñó un papel importante en el desarrollo del arte tradicional japonés. En el corazón de la filosofía budista está la idea de que el llamado mundo real (samsara) es de hecho una ilusión humana que apareció debido a una mala comprensión de la esencia de las cosas. Esto conduce a una cadena de múltiples renacimientos, cada uno de los cuales representa tormento y sufrimiento. La filosofía budista también establece que una persona puede, mediante los esfuerzos correctos, liberarse de estos sufrimientos y salir del ciclo del samsara. El budismo zen y las artes relacionadas son un tema especial. El budismo zen comenzó a afianzarse en Japón en el siglo XIV, y el fundador del shogunato Ashikaga (Muromachi) tomó el budismo zen bajo su patrocinio. De acuerdo con los conceptos zen, el estado de iluminación (satori) se logra a través de la experiencia directa: meditación, práctica espiritual y comunicación con maestros espirituales. El budismo zen estaba especialmente cerca de la clase samurái. Las ideas zen inspiraron artes como: 1) teatro pero; 2) el arte de decorar flores (ikebana); 3) ceremonia del té, arquitectura. La estética japonesa tradicional, que combina los ideales sintoístas, confucianos y budistas, ha desarrollado principios especiales, cuya comprensión es la clave del arte japonés. Los más importantes de estos principios son: 1) furyuu (gusto exaltado, educación y desarrollo de la mente, especialmente este principio aplicado a la pintura de paisajes, el arte del jardín, la arquitectura, la ceremonia del té y la decoración floral); 2) mono-pero consciente; 3) wabí; 4) sabio; 5) yugen. La tradición de las artes escénicas japonesas tiene 5 géneros teatrales principales: 1) bugaku; 2) pero; 3) Kegen; 4) bunraku; 5) kabuki. Todas estas cinco tradiciones todavía existen hoy. A pesar de las diferencias significativas, están unidos por principios estéticos comunes que subyacen en el arte tradicional japonés. 4. Teatro El magnífico y lujoso atuendo de los actores cumple una función estética especial en el teatro; máscaras que expresan los matices más sutiles de los sentimientos humanos con profundo psicologismo. En los dramas, el énfasis principal estaba en las imágenes psicológicas. La comprensión de las habilidades actorales del teatro comenzó desde la primera infancia y mejoró a lo largo de la vida. El teatro pero también del público requería formación y educación. El repertorio es muy variado; Actualmente se conocen unas 240 obras de teatro de diverso contenido. Cabe señalar que en el teatro clásico, todos los roles, incluidos los de las mujeres, son interpretados solo por hombres. La tradición del teatro kabuki está ligada a la cultura urbana. Kabuki era un espectáculo favorito de los habitantes de la ciudad de todos los estratos y niveles de riqueza y se adaptaba a los gustos de este público. El surgimiento del teatro kabuki se remonta a principios del siglo XVII. Tanto la apariencia como el comportamiento de la compañía sorprendieron a la audiencia, por lo que los bailes que realizaron se llamaron kabuku, que significa "desviarse", "shock". Inicialmente, el teatro kabuki era predominantemente femenino, pero el gobierno, descontento con el comportamiento frívolo de las actrices, en 1629 prohibió la participación de mujeres en el teatro. Los hombres jóvenes comenzaron a reemplazar a las mujeres en el kabuki, pero desde 1652, el shogunato prohibió el kabuki masculino por las mismas razones. Desde entonces, solo los hombres adultos pueden participar en las representaciones teatrales de kabuki, y las representaciones están sujetas a una estricta censura. Paralelamente a la tradición del kabuki, también se desarrolló la tradición del teatro de títeres japonés, jeruri. Cada muñeca, que mide aproximadamente 1/2 a 2/3 de la altura de una persona, es controlada por 3 personas a la vez; Las muñecas tienen ojos, párpados, cejas, boca, brazos y piernas móviles. Los titiriteros están vestidos de negro, dos asistentes incluso tienen gorras negras en sus rostros. El recitador no solo lee el texto, sino que también "expresa" todas las marionetas a la vez. 5. Pintura Las corrientes religiosas de Japón influyeron en el desarrollo del arte japonés. La historia legendaria de Japón, las hazañas de dioses y héroes se han convertido en la base de la trama de muchas obras de arte japonesas. Un paisaje natural idealizado servía como expresión de los principios estéticos confucianos en la pintura, haciendo que el espectador se esforzara por alcanzar la perfección y la impecabilidad. Las ideas zen también inspiraron el arte, incluida la pintura monocromática con tinta sobre papel. La pintura budista se generalizó, centrándose en las imágenes canónicas del panteón budista. Los objetos de arte budista incluyen inscripciones caligráficas. La pintura tradicional japonesa se caracteriza por una amplia variedad de estilos, formas y técnicas. Las obras pintorescas podían tener la forma de pergaminos colgantes, pergaminos de formato horizontal, desplegándose a medida que se contemplaban, podían tener la forma de hojas de álbum separadas, adornaban abanicos, pantallas, paredes. La base de todos los estilos de pintura son dos direcciones principales: 1) continental (procedente de China); 2) Japonés. Hasta aproximadamente el siglo X en la pintura japonesa dominada por la dirección china. En la Edad Media, la dirección namban era popular, literalmente "bárbaro del sur", como los japoneses llamaban a los europeos. Los artistas de Namban imitaron la pintura occidental. De principios del siglo XVIII. en Japón se pone de moda el estilo bundzing, literalmente "pintura ilustrada" ("impresionismo japonés"). Este género influenció al artista Katsushika Hokusai. Ukiyo-e es uno de los estilos más populares del arte japonés. Apareció en la primera mitad del siglo XVII y en la segunda mitad del siglo XIX. cayó en mal estado. Por lo general, ukiyo-e se entiende como obras de género populares y extendidas: pintura y, en particular, grabado. El término ukiyo-e significa "el mundo del dolor"; así es como se llama el mundo del samsara. En el siglo 1 estas ideas han sido algo repensadas. El mundo de los placeres transitorios también comenzó a llamarse ukiyo-e, solo que estaba escrito con un jeroglífico diferente con el mismo sonido, que literalmente significa "pasado flotante". Los artistas de ukiyo-e se centraron en los habitantes de este voluble mundo de placeres fugaces: 1) bellas damas; 2) geishas y cortesanas famosas; 3) actores de teatro kabuki; 4) escenas eróticas; 5) fiestas y fuegos artificiales; 6) flores y pájaros. Finales del siglo XVIII-principios del XIX considerada la edad de oro del ukiyo-e. Durante estos años trabajaron maestros como Kitagawa Utamaro (1753-1806), y otros, en los primeros treinta años del siglo XIX. uno de los temas favoritos de ukiyo-e es el paisaje. Katsushiku Hokusai es considerado el maestro insuperable del grabado paisajístico japonés. También se debe tener en cuenta que en Japón, el ukiyo-e se ha considerado durante mucho tiempo un género "bajo", por lo que se ha perdido una gran cantidad de obras. Es de destacar que los extranjeros ayudaron a los propios japoneses a considerar ukiyo-e como obras de arte en toda regla. La estética Ukiyo-e tuvo un gran impacto en el desarrollo del impresionismo, especialmente en artistas como E. Degas, C. Monet y especialmente en W. Van Gogh. 6. Arquitectura, escultura. Artes y manualidades Japón desde el siglo V construyeron templos budistas. Abiertos para su visualización, sirvieron como decoración del área; sus techos altos de varios niveles encajan orgánicamente en el relieve, mezclándose armoniosamente con el paisaje circundante. La estructura del complejo del templo real generalmente incluía pagodas, un campanario, una sala de sermones, una biblioteca (depósito de manuscritos), una sala de meditación, una habitación para monjes y un refectorio. Los castillos grandiosos con torres altas, decorados con techos de varios niveles, se convirtieron en un rasgo característico de la arquitectura japonesa de los siglos XVI-VII. Fuertes grandes y bien fortificados eran las capitales de líderes samuráis específicos. Castillos gradualmente cubiertos de ciudades enteras. Dichos castillos eran muy diferentes de las fortificaciones anteriores, castillos de montaña en picos de montañas remotas. El corazón del castillo era la torre principal de madera, erigida sobre una base de piedra. Se construyeron muros de piedra alrededor de esta torre con dependencias y patios contiguos, y se cavaron zanjas protectoras. El dueño del castillo y su círculo íntimo vivían en la torre principal, había varios tipos de torres: 1) soltero; 2) doble; 3) y, a veces, 3 o 4 torres de diferentes tamaños se alzaban sobre una plataforma. Cada castillo tenía, por regla general, varias puertas. Para las necesidades de la defensa del castillo, se utilizó todo un sistema de zanjas, trincheras, canales, estanques, compuertas de agua y tuberías de agua secretas, que abastecían al castillo con agua de fuentes subterráneas. En algunos patios se podrían disponer jardines tradicionales. Composición estrictamente pensada de pequeños jardines japoneses, modelos en miniatura del Universo invitan a los anfitriones a descansar y reflexionar en su soledad. Los artículos para el hogar en Japón desempeñaban el papel de atributos rituales. Masters buscó darles una apariencia impecable. Por ejemplo, muchos tazones para la ceremonia del té fueron valorados inusualmente por "el sello de la belleza de otro mundo", que contiene todo el Universo. Lo mismo se aplica plenamente a muchas otras obras de arte: 1) figuras netsuke; 2) cajas inro; 3) productos de laca; 4) un elegante kimono de manga corta con una decoración exquisita y caprichosa; 5) pantallas; 6) ventiladores; 7) linternas; 8) armas tradicionales japonesas. CONFERENCIA N° 21. Cultura de los países árabes 1. Características de la cultura de los países árabes. La geografía del mundo árabe moderno es sorprendentemente diversa. La Península Arábiga fue dividida entre ellos por Arabia Saudita, Yemen, Omán y otros estados. Irak se convirtió en el sucesor de las civilizaciones de Mesopotamia; Siria, Líbano y Jordania ocupan los territorios de la antigua Siria. Egipto heredó las posesiones del antiguo Egipto que se extendían a lo largo del Nilo. En la costa norteafricana del mar Mediterráneo, que recibió el nombre de Magreb (árabe, "oeste") de los geógrafos árabes medievales, se encuentran los estados de Libia, Túnez, Argelia y Marruecos. La historia y la cultura de los países árabes también está estrechamente relacionada con Irán y Turquía. La cultura árabe medieval también se desarrolló en aquellos países que sufrieron arabización (adopción del Islam), donde la lengua árabe clásica dominó durante mucho tiempo como lengua estatal. El mayor florecimiento de la cultura árabe se produjo en los siglos VIII-XI: 1) poesía desarrollada con éxito; 2) se compilaron los famosos cuentos de hadas "Las mil y una noches"; tradujo muchas obras de autores antiguos. Los árabes durante este período hicieron una contribución significativa al mundo de la ciencia matemática, el desarrollo de la medicina y la filosofía. Crearon monumentos arquitectónicos originales. 2. Religión. islam El Islam era la base de la vida religiosa de los habitantes de Oriente. El Islam (árabe, "sumisión") es la más joven de las religiones del mundo. En el mundo moderno, el Islam es la segunda religión mundial en términos de número de seguidores. Es una religión monoteísta, y en casi todos los países de mayoría musulmana, el Islam es la religión del estado. Pero el Islam no es sólo una religión. Este es un sistema de relaciones entre una persona y la sociedad, que determina la forma de vida de un musulmán. El Islam se originó en Arabia en el siglo VII y fue fundado por Mahoma. Esta religión se desarrolló bajo la influencia del cristianismo y el judaísmo. A raíz de las conquistas árabes se extendió por Oriente Próximo y Medio, en algunos países del Lejano Oriente, Asia y África. La forma ideal de Estado islámico es una teocracia secular igualitaria. Todos los creyentes, independientemente de su condición social, eran iguales ante la ley divina; imán o mullah: el jefe de la oración común, que puede ser dirigida por cualquier musulmán que conozca el Corán. Sólo el Corán tiene poder legislativo, mientras que el poder ejecutivo -religioso y laico- pertenece a Dios y se ejerce a través del califa. Las direcciones principales del Islam: 1) sunnismo; 2) chiísmo; 3) Wahabismo. Reformadores de la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. (por ejemplo, al-Afghani) entendieron la reforma como la limpieza del Islam de distorsiones y acrecentamientos a través de un retorno a la comunidad musulmana primitiva. En el siglo XX. en gran medida como reacción a la influencia de Occidente, surgen en los países musulmanes ideologías basadas en valores islámicos (panislamismo, fundamentalismo). 3. Vida y costumbres de los musulmanes. Sharia La fuente principal de la doctrina musulmana es el Corán (en árabe, "lectura en voz alta"). La segunda fuente de la doctrina musulmana - la Sunnah - ejemplos de la vida de Mahoma como ejemplo de solución de problemas sociopolíticos religiosos. La Sunnah se compone de hadices que hablan de las declaraciones de Mahoma sobre un tema en particular. A través de la revelación, los signos y los nombres, una persona puede comprender solo parcialmente el significado de lo divino en el mundo, y un musulmán está obligado a creer en esto. Cada grupo religioso en el Islam estaba unido en una comunidad separada (ummah). El Corán, además de sermones, oraciones, hechizos, historias edificantes y parábolas, contiene normas rituales y legales que regulan varios aspectos de la vida de la sociedad musulmana. De acuerdo con estas instrucciones, se construyen las relaciones familiares, legales y de propiedad de los musulmanes. La parte más importante del Islam es la Sharia, un conjunto de normas morales, legales, culturales y otros principios que regulan toda la vida social y personal de un musulmán. Las normas tradicionales de comportamiento de la sociedad oriental se combinaron con el pensamiento y la mitología tradicionales, una parte importante de la cual estaba representada por ángeles y demonios, o genios. Los musulmanes tenían mucho miedo al mal de ojo, creían en la inmortalidad del alma y el más allá. En el Oriente árabe se concedía gran importancia a los sueños. La adivinación también estaba muy extendida. 4. Ciencia. Literatura. lenguaje árabe Desde el siglo VII. cómo se desarrollan las ciencias aplicadas a las disciplinas religiosas: 1) gramática; 2) matemáticas; 3) astronomía. Su desarrollo tuvo lugar en el proceso de estrechos contactos entre musulmanes y otras culturas orientales: 1) sirio; 2) persa; 3) indio. Los principales logros científicos de los científicos árabes se remontan a la Edad Media. La contribución de los árabes a la ciencia matemática fue significativa. Abu-l-Wafa dedujo el teorema del seno de trigonometría, calculó la tabla de senos, introdujo el concepto de secante y cosecante. El poeta y científico Omar Khayyam escribió Álgebra. También se ocupó con éxito del problema de los números irracionales y reales. En 1079 introdujo un calendario más preciso que el gregoriano moderno. La medicina árabe medieval fue glorificada por Ibn Sina - Avicena (980-1037), autor de la enciclopedia de medicina teórica y clínica. Abu Bakr, un famoso cirujano de Bagdad, dio una descripción clásica de la viruela y el sarampión, aplicó vacunas. La filosofía árabe se desarrolló en gran medida sobre la base de la herencia antigua. También se desarrolló el pensamiento histórico. Si en los siglos VII-VIII. en árabe, aún no se habían escrito escritos históricos propiamente dichos, y había muchas leyendas sobre Mahoma, las campañas y conquistas de los árabes, entonces en el siglo IX. se están compilando importantes obras sobre la historia. El historiador más famoso de los siglos XIV-XV. fue Ibn Khaldun, el primero de los historiadores árabes que intentó crear una teoría de la historia. Como principal factor determinante del proceso histórico, destacó las condiciones naturales del país. La literatura árabe también disfrutó de la atención de los eruditos. A la vuelta de los siglos VIII-IX. Se compiló la gramática árabe, que formó la base de todas las gramáticas posteriores. La escritura árabe se considera el mayor valor cultural. Los centros de la ciencia árabe medieval fueron las ciudades de Bagdad y Basora. La vida científica de Bagdad fue especialmente animada, donde se creó la Casa de la Ciencia, una especie de asociación de la academia, el observatorio y la biblioteca. Ya en el siglo X. en muchas ciudades, aparecieron escuelas musulmanas secundarias y superiores: madrazas. En los siglos X-XIII. en Europa, el sistema decimal de signos para escribir números, llamados "números arábigos", se hizo conocido a partir de los escritos árabes. Omar Khayyam (1048-1122), un poeta y científico persa, obtuvo una fama mundial duradera gracias a sus poemas: 1) filosófico; 2) hedónico; 3) rubai de pensamiento libre. En los siglos X-XV. Poco a poco, se formó la colección mundialmente famosa de cuentos populares árabes "Las mil y una noches". Estos son cuentos sobre Ali Baba, Aladino, Simbad el marinero y otros. Los orientalistas creen que el apogeo de la poesía, la literatura y la cultura árabes en su conjunto cae en los siglos VIII y IX: durante este período, el mundo árabe en rápido desarrollo fue a la cabeza de la civilización mundial. Del siglo XII el nivel de la vida cultural está decayendo. Comienza la persecución de cristianos y judíos, que se expresó en su exterminio físico, se oprime la cultura secular y aumenta la presión sobre las ciencias naturales. La quema pública de libros se convirtió en una práctica común. 5. Artes visuales y caligrafía El Islam, defendiendo el monoteísmo estricto, luchó desde la antigüedad contra los cultos tribales de los árabes. Para destruir la memoria de los ídolos tribales, la escultura fue prohibida en el Islam, las imágenes de seres vivos no fueron aprobadas. Como resultado, la pintura tampoco recibió un desarrollo significativo en la cultura árabe, limitándose a los ornamentos. Del siglo XII comenzó a desarrollar el arte de las miniaturas, incluidos los libros. El libro escrito a mano fue valorado en la sociedad musulmana como un santuario y un tesoro. Con todas las diferencias en técnicas y temas artísticos, las ilustraciones de libros de esa época tienen mucho en común. La convencionalidad en la representación de la escena y los personajes en miniaturas se combina con un dominio de la línea y el color, y una gran cantidad de detalles. Las poses de los actores son expresivas. Imágenes más populares: 1) escenas de recepciones reales; 2) compañeros; 3) caza; 4) batallas. Los pintores de la corte a menudo servían al mismo tiempo que los historiadores de la corte que acompañaban al sultán en las campañas militares. El artista no buscó reproducir la realidad terrenal. El mundo verdadero tenía que ser comprendido especulativamente, a través de la lectura del Corán, la recitación de oraciones, la inscripción y la contemplación de inscripciones sagradas del Corán, hadices, los nombres de Alá y Mahoma. La palabra sagrada del Corán acompañó a un musulmán durante toda su vida. En la cultura medieval musulmana de Oriente y Occidente, el grado de dominio de la "belleza de la escritura", o caligrafía, se convirtió en un indicador de la intelectualidad y educación de una persona. Se desarrollaron varias escrituras. En el corazón de los 6 estilos de escritura se encontraba el sistema de "escritura legal", un sistema de proporciones que determinaba la proporción de los elementos verticales y horizontales de las letras, así como las letras de una palabra y una línea. Una pluma de caña - "kalam" sirvió como herramienta de escritura, cuyo método de afilado dependía del estilo elegido y las tradiciones de la escuela. Los materiales para escribir eran papiro, pergamino y papel, cuya producción se estableció en Samarcanda (Asia Central) en los años 60. siglo VIII Las hojas se cubrieron con una pasta de almidón y se pulieron con un huevo de cristal, lo que hizo que el papel fuera denso y duradero, y las letras y los patrones aplicados con tinta de colores eran claros, brillantes y brillantes. En general, las bellas artes estaban alfombradas, sus rasgos característicos eran florales y estampados. La combinación de colores vivos, sin embargo, fue siempre estrictamente geométrica, racional y sujeta a la simbología musulmana. 6. Arquitectura del Islam Cabe señalar que la arquitectura árabe medieval se desarrolló sobre la base del procesamiento de las tradiciones griega, romana e iraní por parte de los árabes. Del siglo X los edificios comienzan a decorarse con adornos florales y geométricos, que incluían inscripciones estilizadas: escritura árabe. Tal adorno, los europeos lo llamaron arabesco, se construyó sobre el principio del desarrollo infinito y la repetición rítmica del patrón. El lugar principal en la construcción de ciudades estaba ocupado por edificios religiosos: mezquitas. Eran un patio cuadrado rodeado de galerías sobre pilares o columnas. Con el tiempo, las mezquitas comenzaron a diferir en su propósito. Una pequeña mezquita servía como lugar de oración individual. La catedral, o mezquita del viernes, estaba destinada a las oraciones colectivas realizadas por toda la comunidad el viernes al mediodía. El templo principal de la ciudad se conoció como la Gran Mezquita. Características distintivas de cualquier mezquita desde finales del siglo VII hasta principios del siglo VIII. se convirtió en el mihrab y minbar. Desde el siglo VIII El elemento más importante de la mezquita catedral era el minarete, una torre alta desde la que se proclamaba la llamada a la oración. El mundo árabe también vio nacer un fenómeno tan singular como el arte morisco. El arte morisco es un nombre convencional para un estilo artístico (una mezcla de estilos árabe y gótico) que se desarrolló en el norte de África y Andalucía (sur de España) en los siglos XI-XV. Más claramente, el estilo morisco se manifestó en la arquitectura. La perla de la arquitectura morisca de los siglos XIII-XIV. - Alhambra (Granada en España). Los macizos muros de la fortaleza, torres y puertas, pasadizos secretos esconden y protegen el palacio. La composición se basa en un sistema de patios (Patio de los Arrayanes, Patio de los Leones) ubicados en diferentes niveles. Las características distintivas son los frágiles patrones de piedra tallada con forma de escarcha y las inscripciones en las paredes, las columnas torcidas delgadas, las rejas de las ventanas de hierro forjado y las vidrieras multicolores. CONFERENCIA N° 22. Cultura de la Edad Media 1. Características generales de la cultura En el siglo IV, comenzó la Gran Migración de Naciones: la invasión de tribus del norte de Europa y Asia al territorio del Imperio Romano. Cayó el Imperio Romano de Occidente; su otra parte, Bizancio, existiría durante algún tiempo más. Ha llegado la Edad Media, una era histórica que sigue al Mundo Antiguo y precede al Renacimiento. Los orígenes de la cultura medieval se originan en gran medida en la era de la antigüedad. Además del cristianismo, la Edad Media adoptó desde la antigüedad algunas formas artísticas, así como habilidades artesanales. 2. Educación y ciencia En los siglos VII-VIII. había escuelas en los monasterios, donde los maestros eran monjes, y los alumnos, que eran muy pocos, eran hijos de caballeros. Aquí se enseñaba teología y las "siete artes libres", además de escribir y contar. Más tarde, la educación se amplió (pero no para todos, sino solo para la nobleza): estudiaron latín, derecho, medicina y árabe. Las universidades surgieron de estas escuelas (de la palabra universum - "comunidad"): 1) en Bolonia (Italia, 1088); 2) Córdoba (España, IX); 3) Oxford (1209); 4) Sorbona en París (1215); 5) Viena (1348), etc. Las universidades gozaban de autogobierno interno (elegían un rector, etc.). La población general estudiada aquí. Formas de educación: una conferencia (lectura de un texto especializado y un comentario sobre él) o una disputa (una disputa abierta entre los participantes del seminario), después de la graduación se emitió un certificado. También había libros de texto. La ciencia de la Edad Media fue descubierta por teólogos de los siglos IV-V. - los llamados "padres de la iglesia": 1) Agustín el Beato; 2) Ambrosio; 3) el filósofo Boecio; 4) los historiadores Jordán y Beda el Venerable. El centro del "Renacimiento carolingio" fue la llamada academia, un círculo científico en la corte de Carlomagno, creado en 794 sobre el modelo de la escuela antigua. El teólogo y poeta Alcuin se convirtió en el líder de la academia. En los siglos XII-XIII. la ciencia continúa evolucionando. La escolástica se convierte en su base, una doctrina en la que la realidad fue comprendida con la ayuda de la lógica de la razón. Al mismo tiempo, los escolásticos a menudo se dejaban llevar por la forma verbal, detrás de la cual se adivinaba mal el contenido, es decir, escribían y hablaban en un lenguaje pesado e incomprensible. El destacado científico de la Edad Media fue Tomás de Aquino (1225-1247), maestro, autor de 18 obras sobre teología y filosofía. Otro científico famoso fue Roger Bacon (1214-1294), naturalista, profesor de matemáticas y filosofía. 3. Cosmovisión. Literatura. Teatro Los bárbaros adoraban las fuerzas de la naturaleza; los ritos mágicos jugaron un papel muy importante en sus vidas. Con el surgimiento y desarrollo de los estados en Europa, el núcleo de la vida humana y la cosmovisión se convierte en la religión cristiana. Toda la vida se considera sólo como un breve segmento, lleno de peligros para el alma humana. El ideal es la vida sin adornos y alegrías viciosas, la fe sincera en Dios, la observancia de los rituales, así como cualidades de la naturaleza como la humildad, la paciencia, la virtud, la fe, la esperanza, etc. Poder ilimitado, tanto espiritual como material y político , - adquirir la iglesia y el clero. Si los tratados de la Alta Edad Media no estaban dirigidos a segmentos específicos de la población, entonces la literatura de la Edad Media estaba basada en clases. Los investigadores destacan: 1) campesino; 2) urbano; 3) literatura caballeresca. Los principales géneros: 1) novelas; 2) poesía; 3) poemas; 4) épico (noble); 5) cuentos; 6) biografías; 7) cuentos; 8) canciones; 9) ensayos educativos, etc. Obras destacadas: 1) la épica "Canción de Roland"; 2) "Canción de los Nibelungos"; 3) "Canción de Lado"; 4) la novela "Tristán e Isolda"; 5) un ciclo de novelas sobre el rey Arturo y el caballero Lancelot; 6) una serie de novelas sobre Fox Renard; 7) fábulas; 8) novelas. El número de actividades de entretenimiento y educativas se ha incrementado dramáticamente. Los predicadores hablaron ante las catedrales, los profesores y los estudiantes discutieron. También se organizaron representaciones teatrales religiosas. Las catedrales fueron construidas por maestros urbanos (y no monásticos, como antes). Los propios habitantes del pueblo eran a menudo los clientes o creadores de obras de arte para decorar las catedrales. 4. Pintura de la Edad Media Dado que las tribus bárbaras eran constantemente nómadas, su arte temprano está representado principalmente por: 1) armas; 2) joyería; 3) varios utensilios. Los artesanos bárbaros preferían los colores vivos y los materiales caros, mientras que no se valoraba más la belleza del producto, sino el material del que estaba hecho. La pintura romana sirvió de modelo a los miniaturistas. El autor de una miniatura medieval no es solo un ilustrador; es un narrador talentoso que, en una escena, logró transmitir tanto la leyenda como su significado simbólico. "Renacimiento carolingio" (renacimiento francés "renacimiento"): así es como los investigadores llamaron al arte de esta época. Muchos monasterios francos tenían scriptoria (talleres de escritura de libros), en los que los monjes reescribían manuscritos antiguos y compilaban otros nuevos, tanto eclesiásticos como seculares. Los manuscritos se colocaban en marcos de marfil o metales preciosos con inserciones de piedras preciosas. En el diseño de libros, además de la ornamentación compleja, a menudo se usaban motivos del arte cristiano: coronas, cruces, estatuillas de ángeles y pájaros. Hacia finales del siglo III. el rollo de papiro fue reemplazado por pergamino; en lugar de estilo (palos para escribir), comenzaron a usar plumas de ave. En la época de los carolingios, el arte de la miniatura -ilustración de libros- alcanzó un extraordinario florecimiento. No había escuelas en miniatura, pero había centros para la producción de manuscritos ilustrados en los monasterios (por ejemplo, un taller de escritura de libros en Aquisgrán). Los templos carolingios en el exterior estaban decorados con mucha modestia, pero en el interior brillaban con pinturas murales, frescos. Muchos investigadores han señalado la gran importancia de las bellas artes en un mundo bárbaro donde la mayoría de la gente no sabía leer. Por ejemplo, en la iglesia de St. San Juan Bautista (siglo VIII) en la ciudad de Müster (actual Suiza) son los frescos más antiguos que se conocen. El arte del Imperio Otto jugó un papel muy importante en el desarrollo del estilo románico. Las pinturas murales de la época románica prácticamente no se han conservado. Eran edificantes; los movimientos, gestos y rostros de los personajes fueron expresivos; las imágenes son planas. Como regla general, las escenas bíblicas se representaban en las bóvedas y las paredes del templo. En el muro occidental había escenas del Juicio Final. En los siglos XIII-XIV. junto con libros eclesiásticos, ricamente ilustrados con imágenes de santos y escenas de la Historia Santa, se han generalizado: 1) libros de horas (colecciones de oraciones); 2) novelas; 3) crónicas históricas. 5. Arquitectura Después de la aparición en los siglos V-VIII. Los estados de las tribus germánicas se convirtieron al cristianismo. Comenzaron a erigirse iglesias cristianas de piedra. Los templos se construyeron con piedras macizas, la madera se utilizó para los techos. Las iglesias se construyeron siguiendo el modelo de las basílicas romanas. En la mayoría de los casos, las columnas se tomaron prestadas de templos antiguos: las ruinas sirvieron como una especie de cantera para la extracción de nuevos materiales de construcción. Los monasterios y las iglesias siguieron siendo centros culturales a partir del siglo X. El templo, que tenía la forma de una cruz en planta, simbolizaba el camino de la cruz de Cristo, el camino del sufrimiento. En el siglo X. difundir la creencia en el poder milagroso de las reliquias, objetos asociados con la vida de Cristo, la Madre de Dios, los santos. Cada vez más peregrinos buscaban visitar los lugares santos. El rey ostrogodo Teodorico era un político cauteloso e inteligente, patrocinador de la nobleza romana y la iglesia, la ciencia y las artes. Quería ser conocido como grande, y por eso en su capital, Rávena, construyeron caminos, construyeron puentes, tuberías de agua, fortificaciones militares, palacios y templos, restauraron edificios destruidos. Además, la maravillosa tumba de Teodorico ha sobrevivido hasta nuestros días. Pero Carlomagno hizo la capital de la pequeña ciudad de Aquisgrán (Alemania moderna). Aquí se construyeron el palacio real y los edificios administrativos. La capilla de Aachen (capilla) y las puertas del monasterio en Lorsch (Alemania moderna, c. 800) han sobrevivido hasta el día de hoy. Del siglo X Los arquitectos cambiaron gradualmente el diseño del templo: tenía que cumplir con los requisitos de un culto cada vez más complejo. En la arquitectura de Alemania en ese momento, se desarrolló un tipo especial de iglesia: majestuosa y masiva. Tal es la catedral de Speyer (1030-1092/1106), una de las más grandes de Europa Occidental. En el arte románico, la arquitectura monástica ocupó un lugar destacado. El tamaño de las iglesias aumentó, lo que llevó a la creación de nuevos diseños de bóvedas y soportes. Durante el período románico, la arquitectura secular cambió. Ejemplos típicos de la arquitectura románica francesa: 1) Iglesia de Sta. Pedro; 2) Iglesia de Sta. Paul en el monasterio de Cluny (1088-1131). Solo han sobrevivido pequeños fragmentos de este edificio, sus descripciones y dibujos. En los siglos XI-XII. comenzó la construcción de grandes catedrales en ciudades a orillas del Rin: en Worms, Speyer, Mainz. En Alemania, también se han conservado monumentos de la arquitectura secular de esa época: castillos feudales y fortalezas. El arte de Italia se formó bajo la influencia de tradiciones culturales centenarias. En España, hubo una reconquista, una guerra por la liberación del territorio del país, capturado por los árabes. Luego en España se inició la construcción de castillos-fortalezas. El reino de Castilla se convirtió en tierra de castillos. Uno de los primeros ejemplos de arquitectura románica es el Palacio Real del Alcázar (siglo IX). Ha sobrevivido hasta nuestro tiempo. 6. Arte gótico. Escultura El nombre "arte gótico" (de la palabra "gótico", por el nombre de la tribu germánica de los godos) surgió en el Renacimiento. En varios países europeos, el gótico tuvo sus propias características, y su apogeo cae en los siglos XIII-XIV. Las catedrales góticas diferían significativamente de las iglesias monásticas del período románico. La catedral gótica se dirige hacia arriba: aquí se empezó a utilizar un nuevo diseño de bóvedas (la bóveda descansa sobre arcos, y éstas sobre pilares). La presión lateral de la bóveda se transmite a los arbotantes (semiarcos exteriores) ya los contrafuertes (soportes exteriores del edificio). Las paredes dejaron de servir de soporte para la bóveda, lo que permitió hacer muchas ventanas, arcos, galerías en ellas, aparecieron vidrieras, imágenes formadas por vidrios de colores unidos entre sí. El arte gótico surgió y se desarrolló originalmente en la provincia francesa de Ile-de-France. Los rasgos característicos del gótico temprano se plasmaron en la catedral principal de la capital de Francia: Notre Dame de Paris (Catedral de Notre Dame). Las obras sobresalientes de la arquitectura gótica madura incluyen las catedrales de Reims y Amiens. Las catedrales góticas en Alemania diferían significativamente de las francesas. La escultura también se desarrolló en la Edad Media. Sobre relieves francos de los siglos VII-VIII. Se representan mártires cristianos. Del siglo X aparecen las primeras imágenes de Cristo, la Madre de Dios, los santos. Durante el período románico, la escultura monumental apareció por primera vez en Europa occidental. Las imágenes escultóricas, los relieves, se colocaron, por regla general, en las entradas de las iglesias. Los relieves solían estar pintados, esto les daba mayor expresividad y persuasión. La escultura en el período románico en Alemania se colocó, por regla general, dentro de los templos. Comenzó a aparecer en las fachadas solo a fines del siglo XII. CONFERENCIA N° 23. Cultura del Renacimiento 1. Características de la cultura del Renacimiento. Renaissance (renacimiento francés - "renacimiento") es un fenómeno de desarrollo cultural en varios países de Europa Central y Occidental. Cronológicamente, el Renacimiento abarca el período de los siglos XIV-XVI. Al mismo tiempo, hasta finales del siglo XV. El Renacimiento siguió siendo en gran parte un fenómeno italiano. El término "Renacimiento" se introdujo por primera vez en el siglo XVI. famoso artista italiano, arquitecto e historiador del arte Giorgio Vasari. El Renacimiento es una era de grandes transformaciones económicas y sociales en la vida de muchos estados europeos, una era de humanismo e ilustración. Durante este período histórico, en diversos ámbitos de la vida de la sociedad humana, se dan las condiciones favorables para un despegue cultural sin precedentes. El desarrollo de la ciencia y la tecnología, los grandes descubrimientos geográficos, el cambio de rutas comerciales y el surgimiento de nuevos centros comerciales e industriales expandieron y cambiaron significativamente la comprensión del hombre del mundo que lo rodea. Las ideas sobre la persona misma están cambiando. La característica más importante de la cosmovisión del Renacimiento fue el individualismo. Otro rasgo característico de la nueva cosmovisión fue el despertar de la autoconciencia nacional. La gente tiene un sentimiento de patriotismo, se forma el concepto de patria. Otra característica interesante: el fenómeno del Renacimiento del Norte en los países del centro y norte de Europa. En los Países Bajos, la Edad Media todavía influyó en la forma de vida de las personas, por lo que la cultura urbana de los Países Bajos dio un tipo diferente de Renacimiento. Un rasgo característico del Norte fue la profundización de la cultura en el mundo interior del hombre. Los maestros se sintieron atraídos por la profundidad psicológica y las características personales de una persona. 2. Ciencia, literatura y pensamiento social Durante el Renacimiento, se hicieron grandes descubrimientos en: 1) astronomía (N. Copernicus, J. Bruno, I. Kepler, G. Galileo); 2) medicina (F. Paracelso y otros); 3) matemáticas (J. Cardano y otros); 4) geografía; 5) geología; 6) zoología; 7) botánica, etc. Aparecieron obras sobre historia (Bruni, Maquiavelo y otras). En el Renacimiento, finalmente se forman las lenguas: 1) italiano; 2) francés; 3) inglés; 4) alemán. Hay literatura en estos idiomas, latín en el siglo XVI. poco a poco deja de ser una lengua viva. Invención de I. Gutenberg a mediados del siglo XV. la imprenta, la aparición de los periódicos hizo posible que más personas se pusieran en contacto con la palabra impresa. La naturaleza y el contenido de la nueva era se expresaron de muchas maneras mediante la ficción. Los primeros brotes de la ideología humanista encontraron su expresión en la obra de Dante. Principales escritores del Renacimiento italiano: 1) Dante Alighieri (1265-1321); 2) Giovanni Bocaccio (1313-1375); 3) Francesco Petrarca (1304-1374). Por la naturaleza de la creatividad, los temas, los géneros, todos estos autores son completamente diferentes. En la historia de la literatura mundial, cada uno de estos nombres está asociado con una obra específica: Dante, con la Divina Comedia, Boccaccio, con el Decamerón, Petrarca, con poemas dedicados a Laura. Un destacado escritor del Renacimiento fue Niccolo Machiavelli (1469-1527), un político de finales del Renacimiento. La figura más importante del Renacimiento europeo fue Erasmo de Rotterdam (1469-1536), escritor, filólogo, filósofo, teólogo, autor de obras sobre pedagogía, traductor del griego y del latín. Las ideas más sorprendentemente avanzadas del Renacimiento francés se plasmaron en la obra de Rabelais, Ronsard y otros escritores, quienes otorgaron gran importancia a la literatura y el arte en la afirmación de los ideales humanistas. La obra de destacados humanistas españoles de la época, como M. Cervantes (1547-1616), Lope de Bega (1562-1635) y otros, se caracterizó por un profundo contenido histórico-nacional, patriotismo y un alto aprecio por la dignidad humana. Inglaterra también vio el mayor auge de la creatividad literaria. Baste mencionar el nombre del genial dramaturgo y poeta W. Shakespeare (1564-1616). Ya durante el Alto Renacimiento, la literatura europea estaba en declive. Grandes ideas humanísticas, el realismo y la democracia comenzaron a perecer bajo los embates de la Reforma, que se oponía al "paganismo" de la cultura del Renacimiento. 3. Pintura La página más brillante del Renacimiento italiano fue la de las bellas artes, especialmente la pintura y la escultura. El nivel medio del arte italiano de esta época era muy alto. En el arte del Renacimiento italiano, dominaba la pintura mural. Se llevó a cabo en la técnica del fresco: pintaron sobre yeso húmedo con pinturas (fresco italiano - "fresco"). Proto-Renacimiento (XIII - principios del siglo XIV) - el umbral del Renacimiento - dio al mundo Giotto da Bondone (1266 / 76-1337) - el fundador de la pintura europea, el fundador del realismo. El Renacimiento temprano (finales de los siglos XIV-XV) estuvo representado por una galaxia de artistas brillantes: 1) Masaccio (1401-1426); 2) Donatello (1386-1466); 3) Sandro Botticelli (1445-1510) y decenas de otros artistas destacados, cuyas pinturas adornan los museos del mundo. Finales del siglo XV y principios del XVI llamado Alto Renacimiento. Rasgos característicos del realismo del Renacimiento italiano: 1) claridad clásica; 2) la humanidad de las imágenes; 3) su resistencia plástica; 4) expresividad armónica. El Alto Renacimiento ilumina el trabajo de dos grandes titanes, artistas brillantes: Leonardo da Vinci y Rafael Santi. El mayor pintor del Renacimiento fue Tiziano Vecellio (1476/77-1576). Los pinceles de Tiziano pertenecen a creaciones sobre temas mitológicos y cristianos, obras del género del retrato. Sus pinturas: "Venus reclinada", "Dánae", "Venus frente a un espejo", "María Magdalena penitente", "San Sebastián", "Piedad". 4. Principales pintores del Renacimiento del Norte Los principales pintores del Renacimiento del Norte de esta época fueron: 1) Jan van Eyck; 2) Jerónimo El Bosco; 3) Pieter Brueghel el Viejo. Los representantes más destacados de las bellas artes de Alemania fueron: 1) Alberto Durero; 2) Lucas Cranach senior; 3) Hans Holbein Jr. Los artistas franceses de este período son inferiores en brillantez de habilidad a sus homólogos holandeses y alemanes, pero sus obras tienen sus propias características. El mayor pintor francés del siglo XV. fue Jean Fouquet (c. 1420-1477/1481). Trabajó en todo tipo de pintura: 1) en un retrato; 2) en miniatura; 3) en pintura de caballete. La figura más llamativa y original del Renacimiento español es El Greco (1541-1616). La imagen de un hombre del artista español está dotada de espiritualidad. Pinturas religiosas, mitológicas, de género, retratos, paisajes combinan técnicas inusuales del lenguaje visual del artista. La coloración se basa en la técnica de contrastar colores brillantes. Los héroes de El Greco tienen figuras anormalmente alargadas, rostros alargados y pálidos, gestos convulsos, la escala de figuras y objetos a menudo cambia. Al final del Renacimiento, apareció una nueva dirección en las artes visuales: el manierismo (manierismo italiano - "pretenciosidad"), que se distingue por la intensidad de las imágenes, la forma sofisticada y las soluciones complicadas. El manierismo se difunde en todo tipo de arte y se convierte en presagio de un nuevo estilo: el barroco. 5. Arquitectura y escultura 5. La arquitectura ocupa uno de los lugares principales en la cultura artística del Renacimiento. Los rasgos característicos de la arquitectura durante este período son: 1) un aumento en la escala de la construcción civil, secular; 2) un cambio en la naturaleza de la arquitectura monumental y de culto: la lucha por la amplitud. La arquitectura renacentista es diferente: 1) sencillez de volúmenes, formas y ritmo; 2) tranquilo y estático; 3) la simetría de la composición; 4) dividir el edificio en pisos por varillas horizontales; 5) un orden claro de colocación de aberturas de ventanas y detalles arquitectónicos. La nueva era inscribió grandes nombres en la historia mundial de la arquitectura: 1) F. Brunelleschi; 2) L. Alberti; 3) D. Bramante; 4) Miguel Ángel Buonarotti; 5) F. Delorme y otros. En el desarrollo de la arquitectura renacentista, un lugar importante pertenece a la construcción de la arquitectura palaciega: el palazzo. En Francia, el Renacimiento en arquitectura se puede dividir en dos fases: 1) el primero - el período temprano (1500-1540) - los castillos del rey y la nobleza francesa: Chambord, Blois, Chateaubriand, etc.; 2) el segundo - maduro (1540-1570). El edificio más significativo de este período es el palacio real del Louvre, creado por el arquitecto P. Lesko (1515-1578). En España, la arquitectura renacentista abarca todo el siglo XVI. La obra más grande es el castillo real de Escorial (autor - Herrera). Floreció la escultura. Donatello y Michelangelo Buonarroti se convirtieron en destacados maestros en esta área. CONFERENCIA N° 24. Cultura de la Edad Moderna 1. Características de la cultura de la Nueva Era Desde principios del siglo XIX. hay un cambio brusco en el entorno humano: el estilo de vida urbano comienza a prevalecer sobre el rural. En el siglo XNUMX comienza un proceso turbulento. La mentalidad de una persona está cambiando. 2. Ciencia y tecnología La transición de la manufactura a la producción industrial, la invención de la máquina de vapor revolucionó la industria. La fabricación de máquinas requería cada vez más metal. El mineral de hierro ahora no se fundía en carbón, sino en carbón. Para acelerar la fusión, se inyectó aire caliente en el horno. El ingeniero inglés Bessemer inventó un horno rotatorio para fundición: un convertidor. Las fábricas de construcción de maquinaria estaban equipadas con una variedad de máquinas herramienta. Apareció la industria química, produciendo: 1) ácido sulfúrico; 2) refresco; 3) tintes, etc. En 1846, Howe inventó la primera máquina de coser, mejorada en 1851 por Singer. La industria de la imprenta se desarrolló. Aprendieron cómo hacer calidades baratas de papel a partir de pulpa de madera. El advenimiento de las máquinas mecánicas hizo posible poner en marcha la producción de imprenta. Hubo una revolución en los medios de transporte y comunicación. En el siglo XVIII. las diligencias viajaban de ciudad en ciudad: carruajes cerrados de varios asientos tirados por caballos. En el siglo 1825 el transporte ferroviario forma parte de la vida de las personas. El primer ferrocarril fue construido por George Stephenson en Inglaterra en 17. Las locomotoras mejoraron, la velocidad de movimiento aumentó, la estadounidense Westinghouse inventó los frenos accionados por aire comprimido. Las máquinas de vapor también aparecieron en la marina. El 1807 de agosto de 1819, se programó un "viaje de prueba" para el barco de vapor Clermont de Fulton. La navegación marítima dejó de depender del viento. El vapor, que cruzó el Océano Atlántico en 26, estuvo 70 días en el camino (Cristóbal Colón lo cruzó en XNUMX días). En 1803-1804. El ingeniero estadounidense Evans hizo rodar el primer coche a vapor por las calles de Filadelfia. En 1803 ya había 26 coches de vapor en Londres, y en toda Inglaterra su número llegaba a 100. La aparición de nuevos modos de transporte hizo necesaria la mejora de las carreteras. En la construcción de carreteras, se utilizaron con éxito apisonadoras de vapor. Las máquinas de vapor han encontrado su aplicación en la agricultura. En los años 40. Siglo 1870 en Inglaterra, aparecieron automóviles que se movían fácilmente en los campos: locomóviles. Las trilladoras trabajaban con la energía generada por sus motores. Para XNUMX, ya había arados de vapor en Inglaterra. El rápido desarrollo del transporte marítimo y el comercio provocó la construcción de canales. El mayor de ellos fue el Canal de Suez, que fue construido en 1859 por el francés F. Lesseps. El aparato de telégrafo creado en Estados Unidos por el inventor Morse se generalizó. en 1826 Se construyó el primer puente colgante ferroviario. En 1783, los hermanos Montgolfier (Francia) crearon una máquina voladora más ligera que el aire que desplazaba. A principios del siglo XIX. se inventó la bicicleta. Su prototipo era un scooter ordinario. El francés Dinet cambió ligeramente el modelo y llamó a su coche bicicleta, es decir, "de pies rápidos". La aplicación práctica de los "autos en marcha" se encontró en Inglaterra: los carteros rurales les entregaron correspondencia. También hubo otras innovaciones en la vida humana. La migración de la población aumentó el volumen de la correspondencia. El inglés R. Hill simplificó el proceso de envío de correspondencia: introdujo una tarifa única para el franqueo, independientemente de la distancia. También introdujo los primeros sellos postales, que se pegaban al sobre. 3. Vida espiritual de una persona Con el desarrollo de la civilización, la vida espiritual de una persona cambió, el interés en la historia de la familia, una especie, aumentó. Pero solo los ricos podían encargar retratos pintorescos. En este momento, aparece una fotografía. En 1839, Louis Daguerre, artista y físico parisino, creó el primer método de fotografía. El progreso tecnológico ha hecho cambios significativos en el equipamiento militar. Las armas de fuego fueron ampliamente utilizadas. En 1803, el general inglés X. Shrapnel creó un tipo de proyectil explosivo, que recibió el mismo nombre de "shrapnel". En 1862, el sueco Alfred Nobel inició la producción de dinamita. Una de las características de la civilización industrial fue un fuerte aumento del interés humano por el mundo que nos rodea. Dos grandes científicos sentaron las bases para un poderoso auge de la ciencia al comienzo de los tiempos modernos: el inglés I. Newton (1642-1727) y el alemán G. Leibniz (1646-1716). El libro del científico inglés Charles Darwin (1809-1882) sobre el origen del hombre hizo una revolución en la ciencia. El método de almacenamiento a largo plazo de productos fue inventado por L. Pasteur (pasteurización). 4. Literatura. pensamiento público. Música. Moda El hombre ha dejado de ser la medida de todas las cosas, como lo era en el Siglo de las Luces. El movimiento por la igualdad de género se estaba desarrollando activamente. La influencia de la religión en el hombre se ha debilitado. En un esfuerzo por difundir el catolicismo, la iglesia inicia actividades misioneras en Europa, envía a sus representantes a países lejanos para predicar el cristianismo entre los pueblos paganos. El enfoque principal de la actividad misionera estuvo dirigido a: 1) África; 2) Indias Orientales; 3) Asia Occidental; 4) América. Las revoluciones en Europa Occidental y América contribuyeron al diseño en el siglo XIX. principales direcciones ideológicas: 1) conservadurismo; 2) liberalismo; 3) socialismo. La gran revolución burguesa francesa puso fin al Siglo de las Luces. Escritores, artistas, músicos, poetas presenciaron grandiosos acontecimientos históricos, levantamientos revolucionarios. Muchos de ellos acogieron con entusiasmo los cambios, admiraron la proclamación de las ideas de Igualdad, Fraternidad, Libertad. Pero ha llegado el momento de la decepción. Notas trágicas de duda sobre la posibilidad de transformar el mundo sobre los principios de la razón sonados en la filosofía y el arte. Los intentos de alejarse de la realidad y al mismo tiempo comprenderla provocaron el surgimiento de un nuevo sistema de cosmovisión: el romanticismo. En los años 30. Siglo XNUMX los cambios serios en la sociedad crearán las condiciones para el surgimiento de otra dirección creativa: el realismo crítico. El romanticismo trajo al arte no solo nuevos temas y nuevos héroes, también cambiaron las formas musicales. Compositores talentosos ganaron fama mundial: el austriaco F. Schubert (1797-1828), el polaco F. Chopin (1810-1849). Las tradiciones musicales románticas se desarrollaron aún más en la obra de Giuseppe Verdi (1813-1901): las óperas Don Carlos, La Traviata, Aida y Rigoletto le dieron fama mundial. La moda también ha cambiado. La Gran Revolución Francesa la influenció seriamente. La Francia elegante comenzó a usar zuecos y tirantes de madera. En 1792, la gorra roja se convirtió en el símbolo de los jacobinos. Los vestidos estaban cosidos de telas ligeras, en corte se asemejaban a una camisa extendida hacia abajo con un gran escote y mangas cortas. A mediados del siglo XIX. la moda femenina incluye crinolinas (una falda fruncida en forma de cuña, cuya forma estaba sostenida por finos aros de acero). 5. Pintura, arquitectura y escultura En las artes visuales se difunden las ideas del romanticismo y del realismo crítico. En el ambiente pesado de España a principios de los siglos XVIII-XIX. se formó la obra de Francisco Goya (1746-1828). Theodore Gericault (1791-1824), Eugene Delacroix y Honore Daumier (1808-1879) mostraron interés por el mundo interior de una persona, sus experiencias. Las tradiciones realistas en las artes visuales están fuertemente asociadas con el nombre de Gustave Courbet (1819-1877). Ha habido cambios en la planificación urbana, los equipos de construcción: el metal, el vidrio y el hormigón son ampliamente utilizados. Las casas son cada vez más altas, las calles son más rectas y anchas. Para calentar casas, se utilizan chimeneas: estufas con boca ancha y tubo recto. Las chimeneas se calentaban con carbón o leña. A finales del siglo XVIII. una lámpara de aceite con vidrio entró en la vida cotidiana, que desde mediados del siglo XIX. cambiado a queroseno. De finales de los años 50. Siglo XNUMX La iluminación de gas entró en uso. Se están construyendo nuevas fábricas, bancos, edificios de apartamentos, estaciones de ferrocarril, bibliotecas, salas de exposiciones. A mediados del siglo XIX. en el diseño de fachadas e interiores, a menudo se utilizaron formas arquitectónicas clásicas de rococó y clasicismo. El clasicismo se desarrolló a principios de siglo durante el período del Imperio Napoleónico. Se caracteriza por formas arquitectónicas clásicas: columnas, frontones. Las composiciones clásicas son necesariamente simétricas. En Francia, el clasicismo fue llamado el "estilo del imperio", ya que es lacónico y monumental. CONFERENCIA N° 25. Cultura del siglo XX 1. Características generales de la cultura Cultura del siglo XX caracterizado por la polivalencia y versatilidad. Aparecen nuevos tipos de arte: arte corporal, graffiti, etc. Se están difundiendo formas modernas de difundir la cultura: la televisión, la World Wide Web, Internet. Hay migraciones masivas de habitantes de todo el mundo, y hay una integración mundial de la cultura. Al mismo tiempo, son evidentes dos tendencias: la unificación de la cultura y el desarrollo de las tradiciones nacionales. 2. Educación y ciencia En el mundo moderno, existen diferentes sistemas educativos, desde tradicionales (con una amplia gama de disciplinas estudiadas y métodos de enseñanza clásicos) hasta especializados (con un determinado conjunto de materias y métodos innovadores). Las escuelas privadas son muy populares en Occidente. En el ámbito de la educación superior, destacan las universidades más prestigiosas: 1) Oxford; 2) Harvard; 3) Sorbona y otros. Existe una demanda en el mercado laboral de nuevas profesiones: programador, especialista en comercio y otros, que requieren su capacitación y educación. Se están desarrollando nuevas ramas de la ciencia: 1) astronáutica; 2) genética; 3) química; 4) cirugía plástica; 5) trasplante de órganos; 6) clonación, etc. 3. Museos. Película Grandes cambios se han producido en el campo del cine. El verdadero ídolo de millones de personas se ha convertido en una estrella de Hollywood como Marilyn Monroe. En la segunda mitad del siglo nació la cultura pop, apareció el video casero, se produjo la "revolución de las grabadoras". Los ídolos de la juventud de todo el mundo son Elvis Presley, el grupo "Beatles". 4. Pintura La pintura del siglo XX es muy diversa y está representada por las siguientes áreas principales: 1) vanguardia (impresionismo, modernismo, cubismo, fauvismo); 2) realismo; 3) arte pop; 4) arte público, etc. El término "pop art" (inglés "popular, public art") nació en Inglaterra a mediados de la década de 1950. En las primeras exposiciones de representantes de esta corriente, se descubrieron los principales motivos y orígenes del arte pop, como los cómics con su serialidad y dibujos simplificados, publicidad comercial pegadiza y brillante. En las exposiciones de arte pop, cualquier objeto familiar para el espectador podía exhibirse en la combinación más impensable. El artista utilizó conceptos reconocibles, objetos. Una lata natural con salsa de tomate (autor E. Warhol) se ha convertido en una especie de tarjeta de visita del arte pop. El arte pop inmediatamente se hizo famoso al otro lado del océano y muy pronto se convirtió en un símbolo del arte estadounidense. El término "arte pobre" fue introducido en 1967 por el crítico italiano D. Celant. Las obras de los maestros de esta tendencia parecen esculturas abstractas, pero aquí el énfasis principal no está en las formas, sino en los materiales. El espectador ve la imagen y el maestro juega con las cualidades puramente físicas de las cosas. En una exposición de hiperrealistas ("superrealistas"), el espectador puede confundirse: las pinturas pintadas con pintura se ven exactamente como fotografías de gran formato. Inicialmente, esta tendencia se denominó fotorrealismo. El término "hiperrealismo" apareció solo un tiempo después (por primera vez, en un artículo de S. Dali). El arte corporal (eng. "arte del cuerpo") es una práctica artística en la que el cuerpo humano sirve como material. En los orígenes del arte corporal estuvo Yves Klein, quien expuso en la década de 1950. sus "anthropes" - lienzos con impresiones de los cuerpos de los modelos pintados por él. Una persona en el contexto de este arte está privada no solo de la individualidad, sino también del estado de un ser vivo. 5. Arquitectura Después de 1945, Estados Unidos se convirtió en el líder mundial de la vanguardia en arquitectura, donde en las décadas de 1920 y 30. emigraron los arquitectos europeos más destacados del período anterior a la guerra, como V. Gropius y L. Roe. Sin embargo, ya en la primera década después de la Segunda Guerra Mundial, las escuelas de arquitectura originales de Italia, los países escandinavos, México, Brasil y Japón compitieron con el estilo internacional de los arquitectos de los Estados Unidos. La dirección principal en el desarrollo de la arquitectura europea de esos años fue la planificación urbana. La destrucción de la Segunda Guerra Mundial (Rotterdam, Le Havre, Hannover y otras ciudades) les dio a los arquitectos la oportunidad de crear un tipo de ciudad fundamentalmente nuevo. Los trabajos de restauración se llevaron a cabo según un plan único: con la delimitación de áreas residenciales, industriales y públicas, zonas peatonales y de transporte en las ciudades. La excepción es Le Havre, restaurada en 1945-1950. bajo la dirección de O. Perret (1874-1954) según el esquema urbanístico tradicional del siglo XIX. A mediados de la década de 1950. los equipos de construcción estaban experimentando una verdadera revolución. Las posibilidades de los materiales modernos se utilizaron cada vez más: 1) hormigón de paredes delgadas; 2) aluminio; 3) plásticos; 4) películas sintéticas, etc. Desde mediados de la década de 1950. la arquitectura de Occidente es un mundo abigarrado y diverso. Los representantes de la tendencia que se originó en Inglaterra: el brutalismo (italiano brutale - "áspero"), considerando que el contenido principal de la arquitectura es la construcción, alardearon de la base constructiva de la estructura. En 1954, las autoridades de Sydney, la ciudad más grande de Australia, ofrecieron un premio por el diseño del edificio de la Ópera, para lo cual se eligió un cabo en el puerto de Sydney. En la competición participaron más de 200 especialistas de diferentes países y la victoria la obtuvo el entonces poco conocido danés Jorn Ution (nacido en 1918). En 1966, Ution, tras sufrir una serie de reveses técnicos y financieros, abandonó el proyecto. Pero el edificio aún se completó gracias al ingenio de ingenieros australianos y a una lotería pública que recaudó alrededor de 100 millones de dólares para la construcción. El 20 de octubre de 1973 se inauguró el teatro. 6. Escultura La escultura se desarrolla de una manera profundamente individual, muchos maestros continúan encarnando la experiencia de los grandes maestros de la antigüedad. La obra de Alberto Giacometti (1901-1966) fue ampliamente conocida. Sus figuras exorbitantemente alargadas, delgadas y frágiles están desprovistas de fuerza y pasión. Son personas fantasmas, desangrados por el tiempo trágico ("Walking Man", 1960). Un papel especial en el arte del siglo XX. interpretado por los llamados vitalistas (del latín vitalis - "vital"), artistas que, en imágenes condicionales, simbólicas y, a veces, abstractas, buscaban transmitir el ritmo y la poesía de la vida. Los ejemplos más llamativos son las obras del escultor inglés Henry Moore y el maestro rumano Constantin Brancusi (Brancusi, 1876-1957). Hasta el límite, las formas generalizadas de las esculturas de este último se distinguen por la claridad y la pureza estremecedora ("La musa dormida", 1909, "Mesa del silencio", dedicada a las víctimas de la Primera Guerra Mundial). La apelación a la escultura también fue natural para los cubistas. En las estatuas de Osip Zadkine (1890-1967), nativo de Rusia, la forma vive su propia vida. Las figuras están compuestas por superficies multidireccionales: a veces convexas, a veces cóncavas. Autor: Konstantinova S.V.
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